En 1986 tres acontecimientos cambiaron para siempre la industria del comic: la conclusión de Crisis en las tierras infinitas, de DC Comics, la publicación de El regreso del caballero nocturno, de Frank Miller y la epifánica aparición de Watchmen, de Alan Moore. Ganadora del premio Hugo -uno de los más prestigiados para literatura de ficción-, enlistada entre las 100 mejores novelas de 1923 a la fecha en lengua inglesa, ganadora de cuatro premios Eisner (el más importante en el mundo de la historieta) más un montón que se siguen acumulando y reconocida por la crítica como una de las piezas fundamentales del noveno arte. Zack Snyder, quien con tan sólo dos cintas (El despertar de los muertos y 300) ya se ganó el título de director de culto, se ha encargado de realizar la adaptación cinematográfica de esta joya, que será estrenada el 6 de marzo de 2009. ¿Qué más se puede decir? Que lo disfruten.
Soy un fan de Guillermo del Toro. Desde Cronos, su ópera prima, que me parece lo mejor y única trascendente de esa superflua y sobrevalorada etapa que se dio en llamar Nuevo cine mexicano. Su manera de abordar las historias, la imaginería para la creación de mundos y seres fantásticos es algo que en verdad me satisface como espectador. Pero todo tiene sus límites, y Hellboy II es uno de ellos. Dicho sea de paso, también soy fan de Mike Mignola, el creador de Hellboy, un autor que es tan bueno para escribir historias como para ilustrarlas y aparte del enorme demonio rojo, ha entregado comics excelentes con personajes como Diabólico, Wolverine y Batman como protagonistas. Hellboy II, El Ejército Dorado supone, sin embargo, una decepción si tomamos en cuenta la trayectoria de ambos creadores. Contrario a la espléndida primera parte -considerada como de las más fieles adaptaciones del comic al cine-, en esta todo se vuelve flojo a excepción del aspecto visual, que continúa siendo una maravilla. Por eso me sorprenden las reseñas que he encontrado hasta ahora, que en más del noventa por ciento se dedican a alabar de la cinta méritos que sinceramente no encuentro, incluso el tema de la paternidad, presente en toda la filmografía de Del Toro, es abordado aquí de una manera ramplona.
Se trata del mismo equipo creativo, en el que se encuentran muchos nombres importantes y probados del cine en general, ¿Qué diablos pasó entonces? No se, una serie de cosas debieron conjuntarse para que todo se vea flojo, frágil, desganado. Las caracterizaciones de los personajes principales (En particular Abe Sapien y la pistola El samaritano) se modificaron para mal, pese a que, como lo mencioné líneas arriba, todo lo que envuelve al aspecto visual es lo más logrado y quedarán para la memoria el Mercado Troll, el duende sin piernas y el ángel de la muerte. El villano de la cinta, Nuada y su hermana Nuala (obvia referencia a la serie de comics Sandman, de Neil Gaiman) parecen como integrantes de un grupo Goth, el Hellboy niño es horrendo y la historia, que pretendía integrar mitos y leyendas de diversas partes del mundo, así como la literatura de Lord Dunsany, no termina nunca de amarrarse ni contiene un sólo punto climático. Eso si, hay mucha acción, pero ojo, eso no implica clímax de ninguna manera. Hace poco me enteré también que Jesús Ochoa haría el doblaje de la voz de Hellboy en español con cierto toque norteño, lo cual me horrorizó por la simple idea, aunque luego de ver la película comprendí que eso fue completamente apropiado, pues al parecer Mignola y Del Toro decidieron dejar atrás el humor negro del comic original para emparentarlo con el humor de la barra de comedias de Televisa. Pero al espectador simple seguro le agradará eso. Me sabe amargo el resultado y me quita las ganas de que se realice una tercera parte. Al mismo tiempo debo señalar que no pierdo en absoluto mi fe en Guillermo del Toro y se que pronto habrá de darnos una buena nueva que hará olvidar este tropezón en su carrera.
Los comics autobiográficos o vinculados a una experiencia real de su creador regularmente nos conducen por caminos tortuosos y expiatorios, pero suelen también ser –cuando son bien realizados- bastante gratos por la manera en que evocan situaciones que pueden remitirnos a experiencias propias. En Persépolis, Marjane Satrapi muestra su vida a partir del ambiente revolucionario de Irán durante su infancia, mientras explotaba la revolución islámica, pasando por su adolescencia en Viena, el regreso a casa en un país totalmente ajeno y la vuelta al exilio en los años 90. El comic se publicó en cuatro tomos que recibieron ovaciones por parte de la crítica especializada y trascendieron más allá del círculo del arte secuencial, de manera que en 2007 la autora junto a Vincent Paronnaud, también autor de comics que ya había incursionado tras la cámara con el cortometraje Raging Blues, de 2004, realizó una adaptación cinematográfica poderosamente conmovedora de su obra. Bastante apegada a la estética de la novela gráfica, la cinta ofrece una riqueza visual que impresiona por su sencillez de blanco y negro casi en alto contraste con algunos toques más bien de la técnica del aguado en tinta y tres hermosas escenas a color que nos conducen al pasado de la historia. Estéticamente no se le puede criticar nada. De igual manera el guión se va desenvolviendo con una ligereza natural que nos hace sentir verdaderos testigos extradiegéticos en la vida de Marjane, desde la pequeña fanática de Bruce Lee que gritaba consignas contra el Sha hasta la bella mujer melancólica en que se transforma hacia el final; aunque quien le busque podrá encontrar aquí un vago argumento para criticar dadas las múltiples referencias pop ochentenas que envuelven a la vida de la protagonista. Cosa menor y, a mi gusto, plenamente justificada. Las traslaciones de novela gráfica a la pantalla grande, por otro lado, han tenido pocos encuentros afortunados hablando del contexto integral de la obra, me parece que desde Ghost in the shell 2: Innocence, de Mamoru Oshii (2004) no veía algo que englobara lo mejor de ambas artes. Habrá quien lo tome a exageración pero sí, me parece una obra maestra en todos los sentidos, hay que verla para ver si comparten esta idea.
Persépolis compitió este año por el Oscar contra buenas cintas animadas y finalmente fue vencida por la también muy disfrutable Ratatatouille, a pesar de ello los lerdos distribuidores no le han dado un espacio para corrida comercial en México, pero afortunadamente está incluida dentro del circuito del foro de la Cineteca, que en San Luis Potosí se presentará del 13 al 24 de junio.
Para quien se interese en la novela gráfica, esta fue editada en español por Norma (en España) y para saber más de la novela y la cinta les recomiendo visitar la Guía del comic, la página oficial de la película, y los clásicos Wikipedia e IMDB.
Y si se clavan en los comics autobiográficos, definitivamente no deben dejar de buscar Maus, de Art Spiegelman; Our Cancer Year, de Harvey Pekar , I never liked you, de Chester Brown o Safe Area:Gorazdede Joe Sacco.
La película la pueden conseguir además de con su pirata “de arte” de confianza, en e-Mule, donde hay una versión bastante buena doblada al español de España y en Amazon con el audio original que incluye las voces de Chiara Mastronianni y Catherine Deneuve.
Finalmente, les dejo una página de la historieta, el cartel original y
Una secuencia breve pero maravillosa: uno de los encuentros de Marjane con el Dios que tiene cara de Carlos Marx.
Si habláramos de un tema recurrente en la filmografía de Jim Jarmusch, seguramente este podría ser la incapacidad de sus personajes para establecer una comunicación interpersonal dentro del rango de lo normal. Desde su primer trabajo, el cortometraje Permanent vacation (1982), cuando el personaje principal declara "'Para mí, la gente que conocí es como una serie de habitaciones, como todos esos lugares donde pasé un tiempo. Entras en ellos por primera vez, tienes curiosidad por el cuarto, una lámpara, un televisor. Pero en cualquier momento, aparece este miedo, un miedo creciente... Todos estamos solos, por eso lo dejo irse", establece esta imposibilidad, misma que utiliza también para hablar metafóricamente de su país, los Estados Unidos.
Ambos puntos aparecen de nuevo en su película, Flores rotas (Broken flowers, 2005). Esta cinta narra la historia de Don (Bill Murray), un solterón que recibe de imprevisto una carta anónima donde se le informa que tuvo un hijo, actualmente de 19 años, que lo está buscando. A partir de aquí inicia un viaje impulsado por su vecino, detective aficionado, recorriendo el país para visitar a cuatro ex amantes (Jessica Lange, Sharon Stone, Frances Conroy y Tilda Swinton) a fin de solucionar el misterio.
En muchas sinopsis disponibles en internet se puede ver a este filme clasificado como “comedia romántica” y tal vez por ello y la presencia de varias estrellas haya alcanzado distribución comercial en México, lo que no había sucedido con las anteriores películas de Jarmusch. El hecho es que clasificar su obra es un error por completo. A lo largo de su filmografía se ha podido observar como el tono siempre mantiene rasgos de algún o algunos géneros en específico, su estilo sin embargo -siempre con un ligero toque de comedia amarga y melancólica espiritualidad- nunca se ha permitido la exploración de un solo género.
De esta manera, el viaje emprendido por Don es evidentemente el viaje iniciático de las road movies (Don finalmente decide emprenderlo como una cuestión instrospectiva tras su reciente rompimiento sentimental y tal vez como un paliativo a la profunda soledad que lo embarga), pero tampoco se queda encuadrada en los cánones del género. Como siempre sucede también en sus obras, ya hay varias críticas donde se acusa a Flores rotas de inconsistencias en la historia por cuestiones contradictorias en el argumento, lo cual indica que quien opina eso no se da cuenta que en el cine siempre es necesaria la "voluntaria suspensión de la incredulidad" de la que hablaba Coleridge a fin de disfrutar a plenitud una película exquisita como esta.
No por nada, una periodista norteamericana escribió acerca de Jarmusch "Es su interpretación irónica de los más grandes mitos norteamericanos (la conquista del oeste en Dead Man, Elvis Presley en Mystery Train, Norteamérica como la tierra prometida en Stranger than Paradise, Hollywood en Night On Earth) lo que distingue a Jarmusch de otros cineastas independientes y lo hace más querido a los ojos de sus fans. De todos los cineastas contemporáneos, Jarmusch tiene la sensibilidad global más consistente, y la menor reverencia por el patriotismo o nacionalismo”.
La secuencia de Don abandonado y la aparición de la carta rosa
el trailer original de la película
Flores rotas
Dir. Jim Jarmusch. USA, 2005.
Fotografía: Frederick Elmes.
Edición: Jay Rabinowitz.
Música: Mulatu Astatke.
Con: Bill Murray (Don Johnston), Jeffrey Wright (Winston), Sharon Stone (Laura), Frances Conroy (Dora), Jessica Lange (Carmen), Tilda Swinton (Penny), Julie Delpy (Sherry), Christopher McDonald (Ron), Chloë Sevigny (Asistente de Carmen), Mark Webber (El chico).
En tanto desahogo un poco mis actividades para ponerme a corriente con el blog, les dejo los trailers de algunas películas próximas a estrenarse en México que han recibido poca difusión y sin embargo valdría la pena ver. Que los disfruten
I'm not There Dirigida por Todd Haynes, quien ya ha demostrado su capacidad para llevar historias centradas en músicos a la pantalla con la genial Velvet Goldmine. En esta 6 actores, incluída Cate Blanchett, interpretan igual número de pasajes -reales y ficticios- de la vida de Bob Dylan. Se supone que ya deberían haberla estrenado, pero bueh, ya saben, las infames distribuidoras...
El año en que mis padres se fueron de vacaciones El cine brasileño sigue sorprendiendo con cintas de una calidad que deja muy por atrás a la mayor parte de la producción del continente; en este caso con una cinta de diversión y emotividad al por mayor acerca de un pequeño abandonado en un barrio judío en 1970, época en que la vida de los brasileños tenía dos preocupaciones centrales: la dictadura y el mundial de futból. Imprescindible.
Cassandra's dream La nueva película de Woody Allen, con decir eso debería bastar como recomendación pero habría que agregar que el Maestro vuelve por sus fueros. Dos versiones de trailer, una doblada al español y otra en el original en inglés para los que como yo, piensan que el doblaje es un atentado contra la obra artística.
Persepolis Persepolis de hecho va a ser motivo del próximo post, en tanto los dejo con uno de los trailers para que vayan apreciando la majestuosidad de esta cinta animada.
Midnight meat train Ryuhei Kitamura, director de Azumi y Versus, adapta el cuento homónimo de Clive Barker en su primera incursión hollywoodense, el trailer y los comentarios previos, así como el rango de culto que han alcanzado las dos películas mencionadas parecen augurar una buena cinta de horror.
Pues el trabajo y demás ocupaciones me han dejado poco tiempo libre, pero no qusiera dejar de recomendar esta cinta de Tian Zhuangzhuang, a mi gusto la mejor de las programadas para la 49a edición de La Muestra Internacional de Cine de la Cineteca.
Reproduzo a continuación el artículo que a propósito de la película escribió Carlos Bonfil para La Jornada
Go es el nombre de un juego de mesa que se perfecciona en Japón desde 1880, recuperando una tradición milenaria del sudeste asiático, en particular de China, donde se le conoce como weiki, una estrategia de asedio en el que se disponen sobre un tablero pequeñas piezas ovaladas, blancas y negras, con el propósito de ganar terreno al adversario, rodeando sus piezas para limitar sus jugadas. Un juego de concentración que involucra a dos personas y que es el equivalente oriental del ajedrez. The go master (El maestro del go), la cinta más reciente del realizador chino Tian Zhuangzhuang (El papalote azul, La primavera de una infidelidad), relata la vida de Wu Quinyuan, maestro indiscutible de este juego, quien aparece nonagenario en el prólogo de la película, para ser luego encarnado como jugador joven por el estupendo actor chino Chang Chen (Happy together, de Wong Kar Wai). A los cinco años Quinyuan se revela en China como un niño prodigio capaz de entender y dominar las técnicas elementales del juego. Un año después, en 1920, su familia lo lleva a Japón, donde pasará largas décadas de su existencia perfeccionando su arte de jugador, aun cuando un accidente en 1945 compromete seriamente su destreza. Aunado a este percance el filme refiere las penurias de Wu, su larga enfermedad (tuberculosis crónica), sus discrepancias con jugadores ortodoxos que no aceptan modificación alguna a las reglas ancestrales, y sobre todo su conflicto de tener como patria adoptiva a la nación expansionista nipona que a finales de los años 30 ocupa militarmente la región norte de su país natal. The go master es a la vez el retrato del jugador magistral y también una crónica de la turbulencia política entre Japón y China, misma que se prolonga hasta los años de la Segunda Guerra Mundial. El director elige, sin embargo, concentrar su exploración en la personalidad de un hombre empeñado en dominar al máximo el arte del juego, como si al hacer este énfasis en la perseverancia y el compromiso artísticos aludiera a los años de silencio (casi una década) que siguieron a la prohibición por las autoridades chinas de su propia cinta, El papalote azul. La manera en que el realizador elige ahora un estilo casi minimalista y un tema no para todos atractivo muestra que los años de aparente inactividad no menguaron en nada su creatividad ni su audacia expresiva. The go master es una película contemplativa que de ningún modo intenta iniciar a los espectadores en la afición por el juego de go, sino, de manera más interesante, tomar este juego como pretexto para describir el itinerario sicológico y moral de Wu, el jugador artista, y sus estratagemas para colocarse por encima de contingencias políticas y adversidades que podrían haber destrozado una existencia más frágil que la suya. Una escena elocuente muestra a los jugadores de go sacudidos por las reverberaciones de la explosión atómica en Hiroshima. El maestro que vigila la disciplina en las jugadas permanece imperturbable, ajeno casi al desastre circundante. La escena, tal vez excesiva, es posiblemente la que mejor ilustra el rigor de la dedicación artística. Éste es el asunto central en la nueva cinta de Tian Zhuangzhuang, y también su apuesta más arriesgada. Carlos Bonfil
The Go Master Dir. Tian Zhuangzhuang, Japón-China, 2006 Guión: Ah Cheng. Fotografía: Wang Yu.M: Zhao Lin.E: Yang Hongyu. Con: Chang Chen (Wu Qingyuan), Sylvia Chang (mamá de Shu Wen Wu), Itou Ayumi (Kazuko Nakara), Ayumi Ito (Ankara Kazuko), Akira Emoto (Kensaku Segoe), Nishina Takishi (Minoru Kitani), Xin Baiqing (Wu Yan).
Cuando se habla de la filmografía de Santo, el Enmascarado de Plata, es casi obligatorio mencionar un puñado de títulos que son considerados como los clásicos, mientras que el resto de las cintas del legendario luchador mexicano es relegado a funciones furtivas en la televisión, con lo que la apreciación del público en torno a la figura se ve muy limitada. Dos de estos títulos medio olvidados son los que hoy nos ocupan: Santo contra Capulina y El Hacha Diabólica.
La constante presencia de Carlos Suárez como “secretario” del enmascarado conformaba la parte cómica de sus aventuras, pese a su fisonomía y pasado como luchador, Suárez cumplía el papel del patiño temeroso, glotón y torpe que buscaba motivar la risa del respetable. A fines de los años sesenta, cuando se comenzó a estilar el incluir otra figura del cine o la televisión como refuerzo para asegurar la taquilla en las películas de luchadores, Santo recibió la oferta de trabajar con uno de los cómicos más exitosos de México, Gaspar Henaine, Capulina, cuyo humor se basaba en parecer infinitamente tonto pero noble, el resultado final fue una psicotronía delirante llamada Santo contra Capulina. La película, dirigida por René Cardona padre con guión de Alfredo Zacarías, es un completo homenaje al desparpajo. Zacarías, guionista habitual de Capulina, escribió una historia en la que el comediante lleva ventaja protagónica al grado que Santo ni siquiera se ve luchando arriba del ring, como era costumbre (!), y su rol es más cercano a un detective policiaco cuya investigación lo lleva a enredarse en el camino de Capulina, un velador desobligado que por quedarse dormido en su trabajo no se da cuenta de un robo en proceso que, obviamente, es detenido por intervención de Santo. Resulta que los ladrones querían llevarse un par de cajas con vajillas que entre la cerámica escondían un cargamento de diamantes (¡!). Después, Santo es tentado por una hermosa mujer en bikini que resulta ser un robot explosivo, igual que un luchador que en el gimnasio parece invencible y Capulina, que es suplantado por un robot hasta que el verdadero Capulina lo descubre y se hace pasar por el robot (¡¿!?) y… bueno, al final ganan los buenos.
Mucho más seria en contenido es El Hacha Diabólica, dirigida por José Díaz Morales –cuya extensa filmografía no guarda nada memorable salvo las películas que hizo con Santo- a partir de un guión de Fernando Osés, el verdadero genio tras el cine de luchadores en general y las cintas del Santo en particular. La historia que se relata es de corte gótico, o más bien, en la mejor tradición de las Leyendas de la Colonia, con un aire de maldad satánica e inagotable amor a través de los siglos. En medio de una lucha contra el temible Lobo Negro, Santo es atacado en pleno cuadilátero por un enmascarado que porta un hacha y antes de verse rendido desaparece ante los ojos del aterrado público y nuestro desconcertado héroe. Como los ataques prosiguen, el Enmascarado de Plata consulta al Doctor Zanoni y entre ambos develan una parte escondida del origen del traje y la máscara de plata, pero para ir a fondo el Doctor envía a Santo al siglo XV, donde descubrimos que en el fondo de la historia se encuentra el amor que tanto el antepasado del Santo como el encapuchado negro sienten (¿y quien no?) por Lorena Velázquez, quien interpreta a Doña Isabel de Arango. Cuando esta niega sus favores al oscuro caballero, este invoca al demonio Ariman, quien le concede poderes oscuros para derrotar a su enemigo, en tanto que el caballero bueno acude con el sabio Abraca (tienen que ver la escena incluida en esta entrada), quien lo aprovisiona del traje y máscara plateada. El Encapuchado Negro secuestra a Doña Isabel y Santo no consigue rescatarla con vida, por lo que decide retirarse a la vida monacal (Cómo le hace entonces para tener descendencia es un misterio sicalíptico que aquí no nos toca descifrar). De regreso al presente, la novia del actual Santo también ha sido secuestrada y al ir a su rescate tenemos el encuentro final, que verdaderamente es de antología, supongo que no hace falta decir quien triunfa. Las mujeres vampiro; El Tesoro de Drácula; Las momias de Guanajuato son tal vez los primeros títulos que nos vienen a la mente cuando nos preguntan por películas del Profe, pero vale la pena rescatar del olvido el resto de sus filmes como merecido homenaje al único superhéroe de carne y hueso que ha conocido este mundo.
El Hacha diabólica se puede conseguir en eMule y probablemente aún se encuentra una edición (gringa al parecer, para variar) en DVD, Santo contra Capulina fue editada hace poco por Laguna Films y viene en doble presentación con Santo contra los cazadores de cabezas.
El Hacha Diabólica. México, 1964 Director: José Díaz Morales Guión: Fernando Osés y Rafael García Travesí Con: Santo, el Enmascarado de Plata; Lorena Velázquez (Isabel de Arango); Fernando Osés (Encapuchado Negro); Mario Sevilla (Abraca. Dr. Zanoni)
Santo contra Capulina. México, 1968 Director: René Cardona Guión: Alfredo Zacarías Con: Santo, el Enmascarado de Plata; Gaspar Henaine Capulina (Capulina); Crox Alvarado (jefe de policía); Carlos Agosti (Cedric); Liza Castro (hija del científico); Nathanael León Frankestein (Ladrón); Juan Garza (Ladrón)
