El Juguete de Lumiére

De lo que vi en 2011

2012-01-09T16:34:00.000-06:00

Cuando comencé a armar esta lista con las primeras que me venían a la mente como las cintas que más disfruté durante 2011 me sorprendió que la mayor parte se la llevaban directores consagrados, pensándolo un poco me di cuenta que esto se debe a dos factores: lo poco que tuve oportunidad de ver de la llamada cartelera alternativa y sobre todo por la pésima distribución de cine que hay en nuestro país. De esta manera hay seguramente ausencias que en la capital del país resultan obvias, pero es que si allá llega poco en provincia el panorama es aún más desolado.

Va mi lista de lo mejor que vi, en estricto orden alfabético.

13 asesinos (Jusan-nin No Shikaku)

Takashi Miike, Japón 2010

El hombre que ha evolucionado el concepto de autor nos presentó el año pasado una película maravillosa, una muestra intachable de estilo con coreografías de batalla que hacen palidecer a Kagemusha (Kurosawa 1980) y Las dos torres (Jackson 2002). Miike sigue brillando como uno de los directores más interesantes de la transición entre dos milenios.

A dangerous method

David Cronenberg, Inglaterra 2011

Un drama psicosexual que nos remonta a los orígenes del sicoanálisis a través de la relación entre Jung y Freud. De entrada parece una película atípica en Cronenberg, una vista más a fondo nos lo muestra en la plenitud de su obra, geniales actuaciones en general y un ritmo lento que envuelve al espectador de una manera portentosa.

Algo así como un buen tipo (En ganske snill mann)

Hans Peter Moland, Noruega 2011

La crítica no trató muy bien esta cinta, sin embargo a mi me parece que se sostiene de una forma bastante entretenida a partir de una historia sencilla con humor rancio y sobre todo una enorme interpretación de Stellan Skargaard como un gangster que se enfrenta a una vida vacía tras salir de la prisión después de 12 años.

El árbol de la vida (The tree of life)

Terrence Malick, USA 2011

Una obra de arte que se permite incluso algunas exageraciones, Malick –con todo y lo complicado que esto suene- se supera asimismo con una película que marca, imposible de olvidar y dejar de sentir, realizada para verse en la sala de cine y hacer esa magia colectiva que hermana a los anónimos espectadores con las visiones en la pantalla.

El cielo abierto

Everardo González, México 2011

Con esta cinta González se confirma como uno de los principales documentalistas mexicanos. A partir de una gran cantidad de pietaje de la época el director reconstruye la historia de monseñor Arnulfo Romero y el terrible momento de violencia y represión en El Salvador en los años 70 con precisión y una prudente distancia, dejando que la historia se cuente así misma con toda su crudeza.

I saw the devil (Akmareul boatda)

Kim Jee-Woon, Corea del Sur 2010

Quien pensaramos que en materia de venganza todo estaba dicho tras la magistral trilogía de Park Chan-Wook no imaginábamos que podría aparecer una obra de sobrada manufactura y violencia como I saw the devil, fuera del encasillamiento de los géneros tradicionales en la línea del mejor cine sudcoreano actual es una película tan terrible como hipnótica.

Los gatos persas (Kasi az gorbehaye irani khabar nadareh)

Bahman Ghobadi, Irán 2009

En un tono semidocumental Ghobadi nos presenta la escena musical iraní, pero al mismo tiempo nos lleva a la triste realidad de represión que tienen que enfrentar en dicho país quienes buscan pasar la cerrada capa de las tradiciones religiosas islámicas. Como en Marooned in Irak (2002) y Media luna (2006) la música juega un papel determinante en la historia, aunque aquí no se limita a hablar sobre la problemática kurda, sino que pone de manifiesto una situación desafortunadamente generalizada.

Medianoche en París

Woody Allen, España-USA 2011

De lo mejor de Woody Allen, aquí mi comentario extendido sobre esta cinta.

Melancholia

Lars Von Trier, Dinamarca 2011

Lejos de su locura del Dogma 95 y de las pretensiones fallidas de Anticristo, Von Trier vuelve por sus fueros demostrando que lo suyo es el cine de alta calidad. Muy interesante ver (pese a las buenas interpretaciones de Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg) cómo logra que el protagonismo no recaiga en los actores sino en un sentimiento como la depresión con un trabajo sumamente fino, orquestado para llevarnos al éxtasis con un final que aunque anunciado no deja de ser revelador, luminoso.

Temple de acero (True Grit)

Joel & Ethan Coen, USA 2010

La adaptación de los Coen a la novela de Charles Portis los reafirma en el lugar principal que ocupan en el panorama fílmico actual dando nueva vida al género norteamericano por excelencia, el western, a través de una historia de venganza en el sórdido viejo oeste. Y de nueva cuenta la presencia de Jeff Bridges en una película de los Coen es altamente memorable.

Hago mención especial para Miss bala, de Gerardo Naranjo, una película que si seguimos el lamentable rumbo de la violencia planteado por felipe calderón en un futuro veremos como drama costumbrista. Disfruté además de Drive, de Nicolas Winding Refn; ¿Quién sino nosotros? (Wer wenn nicht wir), de Andres Veiel; Hobo with a shotgun, de Jason Eisner; Materia blanca, de Claire Denis y Tetro, de Coppola.

Medianoche en París

2011-09-14T02:10:00.002-05:00

Gil Pender, guionista de Hollywood metido a incipiente novelista viaja a París con su prometida y futuros suegros, él está maravillado con la ciudad luz, contrario a sus acompañantes; peor aún, un petulante amigo de la novia se une al grupo para llenar los días de insoportables comentarios culteranos. La evasión es lo consecuente. Pender vaga por las calles para buscar la inspiración necesaria para desatorar su novela, perdido entre callejones, a medianoche es invitado a subir a un auto antiguo que lo conducirá a una fiesta amenizada por Cole Porter donde conoce a los Fitzgerald y más tarde a Hemingway y la procesión de artistas que poblaban el París de los años 20 en una sucesión de viajes al pasado más placentero, a su propia edad de oro.

Con la nostalgia –uno de sus temas recurrentes- como eje central, Woody Allen construye su más reciente cinta, la que a mi parecer es su obra más completa desde Manhattan (1979), pieza que se nutre de la literatura (París es una fiesta, de Hemingway), la música (Porter, obviamente, pasando por Sidney Bechet, Enoch Light y Lucienne Boyer entre otros) como de la propia obra del cineasta en función de que esta es la más alleniana de sus películas en todos los sentidos y podemos encontrar paralelismos con buena parte de su obra, en particular con La rosa púrpura de El Cairo (1985) pues en ambos casos los personajes principales rompen la barrera de la realidad y del tiempo para encontrar en el pasado alivio a la pesadez de su cotidianeidad, “la nostalgia es negación, negación del doloroso presente” sentencia el petulante Paul.

En El ser y el tiempo, Heiddeger definió a la nostalgia como el estado de ánimo fundamental del filosofar y eso mismo hace Allen respecto a su obra a través de Pender, alter ego del cineasta notable incluso en la propia interpretación de Owen Wilson en torno al personaje, aunque en este caso ya de inicio plantea que la búsqueda de la edad de oro en el pasado implica un absurdo, fascinante y mágico, sí, pero a fin de cuentas limitante en el desarrollo personal. Como espectadores logramos identificarnos con el embeleso del escritor, sobre todo por la sucesión de sorpresas que resultan los personajes que vamos reconociendo, desde los menos conocidos a ojos del gran público, como Djuna Barnes e incluso Man Ray hasta los más famosos, como Dalí, Picasso y Buñuel. Allen nos deja ver en todo momento que hay algo que no termina de cuajar en esos deliciosos viajes al pasado, pero tampoco en la era real de nuestro héroe y esa situación la resuelve reflexionando en otros dos de sus grandes temas: el amor y la muerte.

“Un escritor no le teme a la muerte, el verdadero amor da tregua a la muerte” le espeta Hemingway a Pender en un momento crucial; en el presente la vida se va deformando, en el pasado ha conocido a Adriana, amante de Modigliani, Braque, Picasso y ahora fascinación del joven escritor, que hace honor al significado de su nombre: la que viene del mar, la sirena que atrae con su insondable belleza y que sin embargo tampoco se encuentra a gusto en su tiempo y añora el París de la Belle Epoque. Se encuentra también con el amor legendario de Scott y Zelda Fitzgerald, crucial para entender las implicaciones de la vida y la muerte para nuestro personaje, esa añoranza del presente en que se verá envuelto si elige como hogar el pasado, por ello Gertrude Stein le señala que “el artista no debe desesperar, sino buscar una alternativa al vacío existencial”, Pender debe tomar una decisión respecto a su vida mientras su creador, Woody Allen, nos sigue hablando con metáforas eruditas a través de una comedia aparentemente ligera, aunque nada más erróneo que pensar en ello, pues en cada relectura de la cinta encontramos una ilación más y más profunda de su pensamiento como director, como lo muestra el viaje final al pasado, encuentro de Pender con T.S. Eliot, el joven le comenta al poeta que “Prufrock era casi un mantra para mí” aludiendo a La canción de amor de J. Alfred Prufrock, primer gran poema de Eliot que ilustra bastante bien la situación de Pender y que en una segunda lectura podemos encontrar que hace referencias a Dante y Shakespeare, a la postre autores influyentes en la obra de Allen. Disimuladamente, el director ha llevado a su personaje a través del dasein de Heiddeger -mundo, finitud y soledad- cubriendo la obra con una piel agradable y accesible en apariencia a todo público, no por nada se ha convertido en la película más taquillera en USA para el genio neoyorquino.

La maestría de la cinta hace que estas líneas sean insuficientes para describirla en su complejidad, pero tampoco se trata de hacer –por ahora- un estudio profundo, valgan pues para introducir a una obra maestra del cine en nuestros tiempos, para celebrar a uno de sus creadores más talentosos y para añorar a París en los 20’s, con lluvia.

Medianoche en París

Midnight in Paris, USA-España 2011

D y G: Woody Allen

P: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum, Jaume Roures

F: Darius Khondji

E: Alisa Lepselter

V: Sonia Grande

Con: Owen Wilson (Gil Pender); Marion Cotillard (Adriana); Rachel Mc Adams (Inez); Michael Sheen (Paul); Kathy Bates (Gertrude Stein); Corey Stoll (Ernest Hemingway); Carla Bruni (Guía); Lea Seydoux (Gabrielle)

Los Caifanes

2010-12-31T16:05:00.001-06:00

A mediados de los años sesenta, la crisis de público que padecía el cine mexicano parecía no importunar al sector de los realizadores, que pese a las múltiples adversidades y el calvario que implicaba el filmar una película, festinaban la incursión de artistas e intelectuales en el campo de la cinematografía, creando un ambiente sumamente fértil motivado por la realización de los concursos de cine experimental de 1965 y 67, entre ambos, surgió una de las más excelsas rara avis de nuestra producción: Los Caifanes.

Los iconoclastas siempre terminan de iconolatras

Desde la secuencia de créditos, plagada de prostitutas surreales y burócratas sudorosos observando con ojos muertos a la cámara para pasar a la fiesta de niños bien en una casa de campo, la cinta anuncia un distanciamiento de todo convencionalismo del cine mexicano de su tiempo, aspecto que confirma mientras avanza con su sencillez que en momentos roza lo pretencioso más bien para evadirlo que para caer gracias a la conjunción de talentos que resultó el acertado casting estelarizado por los ya entonces consagrados Julissa y Enrique Álvarez Félix junto a los debutantes Sergio Jiménez, El Capitán Gato; Óscar Chavez, El Estilos; Eduardo López Rojas, El Mazacote y Ernesto Gómez Cruz, El Azteca, los cuatro Caifanes que llevarán a la pareja de aristócratas a su encuentro con el dragón en la larga noche de parranda defeña desconocida que cambiará sus vidas para siempre.

México en una laguna y mi corazón echándose clavados

Carlos Fuentes mantenía ya una relación cercana con el cine nacional incursionando como guionista, tanto con creaciones propias como adaptaciones a obras de Juan Rulfo (El Gallo de Oro, 1964 y Pedro Páramo, 1966) y Gabriel García Márquez (Tiempo de morir, 1966) cuando elaboró el argumento para Los Caifanes junto con Juan Ibáñez, un director de teatro que haría con este guión su primer largometraje. El texto, originalmente titulado “Fuera del mundo” obtuvo el premio del concurso de guiones convocado por el Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica en 1965, mas esto no fue suficiente para que la realización se diera con facilidad, hubo que tocar muchas puertas y echar mano de buenas voluntades para concretarla, lo que a la postre redituó en la participación de personalidades como José Fernando Pérez Gavilán y Mauricio Wallerstain en la producción y Jorge Fons en la coordinación de la misma, actuaciones secundarias de Tamara Garina, Marta Zavaleta y Carlos Monsiváis y cameos de Norma Lazareno, Alberto Dallal y Arturo Ripstein, por mencionar sólo algunos.

Se levanta la pista hidráulica espacial del Géminis

Por una parte, la película retrata de manera costumbrista el ambiente arrrabalero del Distrito Federal de los años sesenta, sus cabarets, taquerías, barrios populares y espacios afines, marco en el cual se escenifica la historia, pero contrapuesta con la verbalidad bizarramente poética de los Caifanes, mezcla del caló barriobajero con múltiples referencias literarias y una serie de aventuras tan alocadas como inocentes que bajo la dirección de Ibáñez se convirtieron en una película de altos vuelos, atemporal y única en la historia del cine mexicano. Irrepetible como es, la cinta ha marcado un referente para el cine independiente realizado con inteligencia y sencillez que merecidamente le mantienen en el estatus de culto tras más de cuatro décadas de su estreno.

Les dejo una de las escenas más memorables de la película

Los Caifanes
Dir. Juan Ibáñez, México 1966
Producción: José Fernando Pérez Gavilán y Mauricio Wallerstein, coordinación de Jorge Fons
Guión: Carlos Fuentes y Juan Ibáñez
Fotografía: Fernando Álvarez Garcés
Edición: Juan José Munguía
Música: Mariano Ballesté y Fernando Vilches
Con: Todos los arriba mencionados

Lo mejor (según yo) de 2010

2010-12-23T23:41:00.000-06:00

Hacer una lista de lo mejor del año siempre resulta un ejercicio con buena dosis de pedantería, lo cual me viene bastante bien. Lo cierto es que durante el año he tratado de disciplinarme y tratar de ver más cine, lo que no es tan sencillo como suena, pero si tuve oportunidad de ver muchas más que en los años recientes, así que incompleta por causas naturales (IMDB registra 8,169 cintas estrenadas en el año y no es tampoco un listado exhaustivo) les comparto lo que considero mejor de lo que ví y que fuera estrenado en México ya sea en la cartelera, el circuito underground o con nuestros heróicos piratas del buen cine. Limitado a 10 películas sin ningún orden de preferencia.

Love exposure

(Ai no mukidashi – Exposición de amor)

Sion Sono, Japón 2008

Bueno lo que dije arriba en cuanto a que no había un orden se rompe con esta que sí, es mi favorita de cuanto ví en el año. Magna épica de 4 horas de duración y es de esas películas que uno desearía que no se terminaran jamás. Sion Sono vuelve a explorar el universo de los jóvenes japoneses y de nuevo sorprende por su brillantez, ¿cómo poder resumir la trama? Puede ser como una historia de amor, una crítica a las religiones y sectas en algo que es comedia y es drama y hasta acción, todo narrado de manera que uno se sumerge en la trama hasta perder noción de lo que nos rodea, todo se vuelve la película, se crea la magia del cine en plenitud.

Biutiful

Alejandro González Iñárritu, España-México

De entre las críticas negativas que he leído sobre esta película no he encontrado una sola que pueda llamar inteligente, los detractores se limitan a señalar lo pesado que es González Iñárritu, lo que dijo en tal o cual entrevista o que si la historia es tramposa por su excesivo dramatismo, nada de peso y lo peor, en muchos de los casos ni siquiera sustentado.

Tras verla por primera vez comenté que sospechaba que la película era perfecta y en las revisiones posteriores encuentro que sí, tiene sus detalles, pero fuera de estos es redonda por donde se le vea, un guión impecable; un diseño de producción soberbio; una fotografía elegantemente discreta; actuaciones memorables; dirección sobria, en fin, habría que enumerar todos los elementos que componen a una obra cinematográfica para sostener lo que digo, que es una película muy, muy bien hecha, probablemente no vaya a ser referencia obligada en los libros de historia del cine que se harán en el futuro, pero ni duda cabe, es una gran película.

Donde viven los monstruos

(Where The Wild Things Are)

Spike Jonze, USA 2009

Tardíamente estrenada en México, la esperada adaptación de Jonze al ya clásico cuento de Maurice Sendak resultó sobresaliente a cualquier expectativa creada antes de su estreno, Jonze encontró la manera de plasmar el espíritu del cuento original de forma que convenció al autor para realizar la película, algo que se venía pensando desde los años 90, una película para niños tan genial que Warner Brothers no quiso clasificarla así, como siempre la imaginación ofende.

El origen

(Inception)

Christopher Nolan, USA 2010

Otra que se estrenó tarde en México pese a ser un blockbuster garantizado, el problema aquí fue la voraz gandallez de Cinepolis y Cinemex, que querían cobrar por la exhibición un porcentaje más amplio del usual. Grillas entre mercenarios aparte, Christopher Nolan sigue consolidándose como uno de los directores más creativos de la actualidad y lo demuestra con creces en una obra de esas que a medida que se repite la experiencia continúa enriqueciéndose, tan buena que hasta Di Caprio se ve bien.

Hambre

(Hunger)

Steve McQueen, UK - Irlanda 2008

Una película que contiene un plano secuencia de veinte minutos en el que sólo vemos a dos hombres conversando con una mesa de por medio, veinte minutos de nada más que eso y podría decirse que es una de las mejores escenas del cine en muchos años. Arte puro.

Tierra de zombies

(Zombieland)

Ruben Fleischer, USA 2009

El debut en cine del director -inspirado en Shaun of the Dead, como él mismo declara- resulta una muestra que el sub género de los zombies se mantiene vigente y ya hasta debería quitársele el mote de “sub”, no nos engañemos con malas adaptaciones de comics convertidas en series televisivas; sin tratar de innovar, Zombieland refresca el género de la manera más divertida, inolvidables la secuencia de créditos y el cameo de Bill Murray.

El divo

(Il divo)

Paolo Sorrentino, Italia-Francia 2010

Extraordinario retrato de la Italia de la segunda mitad del siglo XX, sobria, elegante, pero sobre todo con una actuación escalofriantemente excelsa por parte de Toni Servillo como Giulio Andreotti. Grandiosa.

Dogtooth

(Kynodontas / Canino)

Giorgios Lanthimos, Grecia 2009

Hay películas que dejan una extraña sensación, una brisa fría que circula por el cuerpo durante varios días, es cuando sabemos que nos hemos topado con una nueva isla del cine, en este caso con una que alecciona como realización y aturde al mismo tiempo. Es una película que debe ser vista.

Violines en el cielo

(Okuribito)

Yôjiro Tâkita, Japón 2008

La muerte como reconciliación, acercamiento, liberación, purificación, acto de amor. Un claro poema de la transición entre la vida y la muerte como el viaje más digno que debemos hacer.

Náufrago en la luna

(Kimssi pyoryugi)

Lee Hae-jun, Corea del Sur 2009

Una prueba más de que el de Corea del Sur es hoy por hoy el mejor cine del mundo. Aquí mi comentario en este mismo blog.

Se quedaron en la línea otras grandes cintas: Abel, Thirst, El secreto de sus ojos, Toy Story 3, Scott Pilgrim vs. The World, El escritor fantasma y Brothers.

Mención honorífica para The tempation of St. Tony, que aún no acabo de digerir y Hombres de mentes, que pudo ser una gran película… pero no la libró.

Náufrago en la luna

2010-06-29T22:35:00.000-05:00

En medio de una crisis económica profunda, Kim decide quitarse la vida lanzándose al río Han desde lo alto del puente que lo cruza.

Pero el día lo despierta en la ribera de la isleta bajo el puente, un espacio baldío y solitario a tan sólo unos metros de la vorágine materialista de la ciudad, del infierno asfaltado que lo ha llevado a la decisión de abandonarlo en definitiva y si no se logró a través de la muerte, la desconexión del todo se presenta ahora como una mejor opción, empezar de cero sólo consigo mismo.

Más allá encontramos otro naufragio. Una joven instalada en la isla de su propia recámara, de la cual hace muchos meses no sale salvo furtivas y limitadas ocasiones. La suya es una isla de tecnología, su única manera de mantener contacto con el mundo, aún incluso con su madre al otro lado de la puerta, Internet como medio para tomar la distancia más lejana del mundo.
Un incidente fortuito, como suelen ser aquellos que forjan las mejores relaciones, los lleva a encontrarse pese a la distancia, a encontrar una forma de comunicarse en un lenguaje cuasi monosilábico ajeno al propio, porque había que inventar nuevas formas de hablarse en un encuentro así, sacrificando un poco de ambas partes y creciendo al unísono gracias a ello mismo.

Y una historia de profundas lecturas presentada con la simpleza que sólo las narraciones más universales pueden darnos, una serie de elementos bobos –robots de cuerda, patos lancha, latas que guiñan el ojo- para sentirnos en principio como en casa para después de salir de la sala pensar más allá de la impresión sencilla. Y la demostración de que sólo el cine puede salvarnos.

Náufrago en la luna (Kimssi Pyoroogi / int: Castaway on the moon)
Corea del Sur, 2009
Dir, y guión: Lee Hae-jun
Producción: Mu-ryeong Kim

El Hombre Lobo

2010-02-13T22:22:00.000-06:00

Debería haber una ley que proteja a las grandes obras de arte de las malas revisitaciones.

Pero bueno, esto es un sueño guajiro que no se va a dar nunca por mucho que nos pese en tanto que lo que mueve al planeta es el mercantilismo y nuestra implícita necesidad de devorar como parte de la sociedad de consumo. Tales palabras proto izquierdistas setenteras vienen a cuenta por el estreno de El hombre lobo, el hit cinematográfico de la temporada que ha resultado ser una decepción total.

Lo que intentaba ser un remake del clásico de 1941 dirigido por George Waggner –avezado creador de atmósferas terroríficas de la época dorada de horror de la Universal-, cinta que contó, además de su muy lograda dirección, con las contundentes actuaciones de Lon Chaney, Bela Lugosi, Claude Rains y Evelyn Ankers y es ahora un clásico de primer nivel dentro de la filmografía de horror, devino en una película banal, anticlimática y profundamente predecible, pero en fin, no se podía esperar más de un director mediocre como Joe Johnston, quien además amenaza con tirar al suelo los logros de Marvel al estar apuntado como director de la próxima película del Capitán América.

Contrario a su fuente, este refrito desperdicia los talentos individuales de sus actores principales (Benicio del Toro-de hueva-; Anthony Hopkins –mega soso-; Emily Blunt-desorientada-: Hugo Weaving-intragable- e incluso Geraldine Chaplin, que destruye sus antecedentes con un papel horrendo) y además, supongo en un afán de homenaje, retoma puntos de la cinta de Waggner, escrita por Curt Siodmak, para demostrar como se puede devastar un clásico cuando se conjunta un director equis con un equipo que incluye a escritores desaprovechados como Andrew Kevin Walker, quien realizó el espléndido guión de Seven, y David Self, quien supo recrear maravillosamente la historia de Lone Wolf & Cub en Camino a la perdición para realizar un verdadero filme de horror, tomando como tal no el género, si no lo aborrecible del resultado.

En fin, para pasar el trago amargo, les invito a ver algunas de las buenas películas de uno de los grandes mitos como es la figura del Hombre lobo:

La original de 1941

En compañía de lobos (1984), una oscura fantasía de Neil Jordan

Aullido, uno de los grandes logros del género:

Y Hombre lobo americano en Londres, clásico:

Horror 09

2009-10-26T17:00:00.000-06:00

Por segundo año, la Cineteca Alameda presenta un maratón dedicado al cine de horror, en esta ocasión agregando a la actividad una extensión del Festival Aurora, traído por iniciativa de Daguerrotipo A.C. El maratón contará con trasmisión en vivo a través de MagnéticaFM, que además van a tener Dj's en vivo y un concurso de disfraces.
Les dejo sinopsis y trailers de las cintas programadas para ambos días.

El Huésped (Gwoemul) Dir. Bong Joon-Ho Corea del Sur, 2006
Una de monstruos marinos con el sello del cine sudcoreano actual: la progresión total del género y una estética y guión sumamente depurados. En ratos atemorizante, en ratos incluso cómica, una gran cinta.

Veneno para las hadas Dir. Carlos Enrique Taboada. México, 1984
Ver reseña aquí, dentro de este mismo blog.

Rojo Profundo (Profondo rosso) Dir. Dario Argento. Italia
Argento en uno de sus momento más excelsos, historia muy lograda, la estética preciosista que le caracteriza como marco perfecto para generar una inquietud permanente a lo largo de la trama y la macabra aparición de un muñeco que muchos años después de haberla visto por primera vez sigue causándome fuerte estremecimiento.

La masacre de Texas (The Texas Chain Saw Massacre) Dir. Tobe Hopper. USA, 1974
Tomando como base el perfil homicida de Ed Gein y con un presupuesto bajísimo, Tobe Hopper consiguió hacer una de los filmes más shokeantes de toda la historia, una sinfonía cacofónica de sangre, gritos y sierras eléctricas que se ha convertido en piedra de toque del cine de horror desde su aparición.

Ponyo en el acantilado

2009-08-22T14:23:00.000-05:00

Hayao Miyazaki se rehusa a dejar el camino de la animación tradicional por las nuevas tecnologías donde todo se procesa a través de una computadora. Y es una bendición, porque demuestra que el hecho de que se inventen nuevas maneras de hacer arte no implica que las tradicionales sean obsoletas y lo hace con creces, realizando historias maravillosas trazadas en buena medida por su propia mano mágica. Ponyo en el acantilado (traducción literal del título japonés), es otra demostración de por qué es el animador más importante vivo y uno de los mayores directores en la historia del cine en general.
Retomando de manera libre el cuento La Sirenita, de Hans Christian Andersen, Miyazaki nos cuenta la historia de un niño llamado Sosuke, quien encuentra en un acantilado a una pequeña pececita a la que llama Ponyo, se la lleva consigo ignorando que el padre de la pez, Fujimoto, es un poderoso ser del mar que irá tras de ella para llevarla de nuevo a casa, lo cual consigue tras varios intentos. Ponyo se rehúsa a permanecer en su hogar, pues se ha enamorado de Sosuke y planea volver a la tierra y convertirse en humana para poder estar junto al chico. La huida y transformación producen una gran tormenta que amenaza a la separación de la tierra, agua y cielo, pero al encontrar a la niña deciden ya no separarse más, con todo y que la permanencia de Ponyo en tierra pueda provocar grandes problemas en el equilibrio natural, lo cual sólo se resolverá si ambos aceptan una prueba que les plantea la madre de Ponyo, una Diosa del mar.
Entrañable desde los primeros cuadros, la película nos lleva a un mundo en el que la magia no es la constante, como en otras de sus obras, sino la excepción que irrumpe la vida del mundo real, de hecho se sitúa en un ambiente contemporáneo. Permanece, como señalaba al inicio, la maestría en la animación, en este caso con una textura de acuarelas y pasteles que nos hacen sentir como observadores de un extensísimo lienzo en movimiento, lleno de colorido, vivo; tal vez como propósito para acentuar la dirección hacia el público infantil más pequeño, aunque como escribió un crítico, la pueden disfrutar “niños de 3 a 100 años”.
Cuentan los rumores que tras el éxito internacional de El viaje de Chihiro, Ursula K. Le Guin accedió finalmente a otorgar el permiso para que Miyazaki realizara la adaptación de su serie de novelas fantásticas Terramar, algo que el maestro buscaba infructuosamente desde años atrás. Sin embargo ahora se encontraba ocupado en la realización de El increíble castillo vagabundo y la dirección de Cuentos de Terramar quedó en manos de Goro Miyazaki, su hijo, lo cual provocó una serie de fricciones que derivó en el enfriamiento de su relación.
Con base en lo anterior se afirma que Ponyo en el acantilado es un ofrecimiento de reconciliación de Miyazaki para con su hijo, el cual se ve reflejado a la edad de cinco años en el personaje de Sosuke. De ser cierto, creo que estamos ante una de las más hermosas muestras de amor paterno, pues la película es la manifestación más clara de la insuperable belleza de lo sencillo; de hecho la trama -contrario a lo que nos tiene acostumbrados el realizador- es plenamente lineal y no existe un conflicto complejo por resolver, sino que la historia va fluyendo a partir de secuencias con la manifiesta intención de motivarnos sensaciones placenteras, aunque no por ello deja de utilizar las acostumbradas multi referencias a mitos, leyendas y tradiciones tanto de su natal Japón como del resto del mundo. Igualmente se pueden dar muchos niveles de lectura en cuanto a la historia en sí o a la interrelación de los personajes y sus características propias, de manera que contrario a los detractores de esta película que la han tildado de inferior dentro de la filmografía del veterano animador, creo que estamos ante una de las más claras e inefables exhibiciones de un Dios de la animación, como justamente es considerado Hayao Miyazaki en su tierra, en la cual es tan profeta como en el resto del mundo.

Les dejo el trailer oficial en inglés (no se vayan con la finta, Disney quiere verse como realizadora, pero sólo distribuye)

Y la versión española, que contiene una de las canciones más horrorosas jamás escuchadas

Ponyo en el acantilado (Gake no ue no Ponyo)
Dir. y guión: Hayao Miyazaki, Japón, 2008
Música: Joe Hisaishi

La noche de los muertos vivientes

2009-04-26T22:09:00.000-05:00

Caminan en el mundo adueñándose de él, conquistando cada vez mayor terreno a pesar de que su nivel de raciocinio está seriamente trastornado. Sólo los mueve su deseo de carne fresca, se alimentan del miedo y su mejor estrategia para cazar es dejar que las propias presas, víctimas de sus errores e incapacidad para convivir, se presenten frente a ellos. No hay manera de detenerlos, cuando matas a uno surgen diez más. No hay futuro. Ellos son el futuro.
Si bien el cine de zombies surge en 1933 con White Zombie (La legión de los hombres sin alma, Víctor Halperin), es hasta 1968 cuando podemos afirmar que -como los entes que retrata- renace para apoderarse del planeta a través de un clásico atemporal: La noche de los muertos vivientes, de George A. Romero, que vino a marcar los derroteros de un subgénero que despierta pasiones merced a su inquietante concepto, aún y cuando el argumento en cada película realizada bajo esta línea es prácticamente una repetición del planteado originalmente por Romero.
La noche de los muertos vivientes narra la historia de un grupo de personas que de pronto se encuentran acosadas por un ejército de muertos vivientes que en una oscura noche comienzan a pulular en un pueblo de Pittsburg, obligándolos a interactuar para escapar de la amenaza, aunque en el camino se topan aparte de la amenaza sobrenatural, con la quizá peor amenaza del egoísmo y mezquindad humana.
El punto central es que se trata de una película que amén de generar una extensa serie de secuelas y reinterpretaciones, concentra una riqueza simbólica y metafórica que magnifica el acto de entretenimiento para llevarlo al plano de la reflexión, el propio director así lo ha confirmado al declarar que el terreno de la fantasía es propicio para elaborar metáforas tras las cuales se expresa una crítica social.
En el campo del horror la película innova en varios sentidos. En primera instancia recurre a una línea usada anteriormente en este género, que es la presencia del mal sin explicación alguna, sólo que en esta ocasión no se puede dejar de pensar que la raíz del peligro ha germinado desde las propias víctimas. Es notable además el recurso de la violencia gráfica, que anteriormente sólo se sugería; aquí vemos claramente a los zombies devorando a sus víctimas, lo cual inspiraría pronto a los primeros autores de gore. Por otra parte, la decisión del director para filmar a blanco y negro resalta el efecto terrorífico, pues probablemente si se hubiera realizado a color, con los efectos especiales disponibles entonces, hubiera dado como resultado algo mucho menos horrorizante.
Retornando a la parte social, Romero introduce como personaje principal a un actor negro, lo que resulta destacable en un momento en que el racismo era más generalizado en USA. El director ha negado que el haber hecho esta elección forme parte de la crítica social de la película, pero cabe destacar que en las secuelas posteriores los personajes de color han tenido siempre papeles principales.
Pese a las ya casi incontables producciones en torno a los zombies que se han realizado a partir de La noche, la obra de Romero sigue siendo considerada como la rectora de este subgénero. 10 años más tarde el director daría continuidad a la saga con El amanecer de los muertos, en la cual la plaga se ha extendido a lo largo de USA y la lucha por la supervivencia presenta menos esperanzas.
Una tercera parte El día de los muertos, de 1985, se ganaría la desaprobación de muchos fans pese a ser una película de bajo costo con una realización admirable, además que explora cuestiones antes no presentadas, como el temor de los protagonistas a ser los últimos humanos vivientes en el planeta y un elemento nuevamente revolucionario, la posibilidad de que los muertos vivientes tengan capacidad de raciocinio. En 2005 continúa explorando esta posibilidad en La tierra de los muertos, donde ya los zombies, han formado una sociedad primitiva. Finalmente, en 2008 se estrenó en medio planeta, exceptuando México, El diario de los muertos, puesta al día del género por parte de su propio creador.
Curiosamente en el caso de La noche de los muertos vivientes no se podría hablar de actos de piratería, pues por negligencia del distribuidor original quedó como una obra de dominio público, por ende se pueden conseguir múltiples versiones de la misma en video y dvd, recomiendo ampliamente buscar la original y permitirse disfrutar con una obra maestra que nunca aparecerá dentro de las estiradas listas de las “100 mejores películas de la historia”, aunque lo merece más de muchas que son habituales en esos recuentos.

Les dejo el trailer

Esto es Spinal Tap

2009-04-19T22:20:00.000-05:00

En 1982, Marty Di Bergi se dio a la tarea de seguir a una de las bandas seminales de la historia del rock a lo largo de su gira por USA, sin imaginarse que construiría un documento esencial para entender al grupo y los motivos que lo llevaron a una desintegración temporal, amén de construir el mayor rockumental de la historia del cine: This Is Spinal Tap.

Con seguridad el párrafo anterior sólo pudo haber engañado a algunos cuantos despistados que no conocen la historia de esta cinta de culto que parodia en altos niveles los prolegómenos de una banda ficticia que, merced a la grandeza de la película, posteriormente se volvió una realidad a medias, editando discos y continuando con los videos tanto musicales como documentales. Pues bien, este año se cumplen 25 del lanzamiento de la película y con tal motivo recientemente se ha anunciado una gira mundial de un solo día, un concierto por el cual este bloguero mataría para conseguir boleto.

La influencia de Spinal Tap en el mundo del rock al día es tan inmensa que se ha vuelto una especie de código y definitivamente la cultura pop a partir de mediados de los años 80 está seriamente comprometida con la historia de esta película para la cual, según cuenta la leyenda, Rob Reiner recibió $10,000 dólares de adelanto para escribir el guión, mismos que utilizó para realizar un corto de 20 minutos de improvisación acerca de lo que sería la película terminada. Redunda decir que obtuvo el financiamiento.

Hay cientos de anécdotas para contar de Spinal Tap y por fortuna siguen creciendo, desde el nombre del “director” del documental, Marty Di Bergi, cuyo nombre es un homenaje combinado para Martin Scorsese; Brian de Palma; Steven Spielberg; Federico Fellini y Michelangelo Antonioni, de cada uno de los cuales, reitera decir, podemos encontrar referencias en la película. Harry Shearer, Derek Smalls en el filme, por su parte, es uno de los dobladores más recurrentes en Los Simpsons, serie en la cual Spinal Tap ofrece un concierto en el capítulo El show de Otto (yeah!), mismo que termina en un maremágnum digno de “la banda más ruidosa sobre la tierra”.

Incluso el fenómeno Guitar Hero ha homenajeado a la banda en su capítulo 2, donde se puede tocar el tema “Tonight I’m gonna rock you” y al final el baterista es víctima de combustión espontánea, clara referencia a los 32 bateristas muertos que han desfilado por la banda.

Señoras y señores, los invito a explorar –si es que no conocen- los intrincados caminos de la banda y sus múltiples referencias en Internet: aquí pueden checar el sitio oficial de la banda, acá su my space; el unwigged & unplugged con los miembros originales; los infaltables IMDB y Wikipedia, así como unos videos divertidísimos en You Tube donde Nigel Tufnel explica el origen de Stonehenge.

Criterion, como es costumbre, ha hecho una edición maravillosa de la película, aunque también pueden conseguirla por medio de la mula, sinceramente, les recomiendo la versión de Criterion (y no se pierdan el concierto)

¡QUE LOS DIOSES BENDIGAN A SPINAL TAP!

Los dejo con una de las más maravillosas escenas, donde Nigel, David y Derek recuerdan a sus bateristas muertos.

Y el trailer de Criterion

Simón del desierto

2009-04-06T23:27:00.000-05:00

-¿En qué piensas?

-En nada. ¿Cómo se llama este baile?

-Carne radioactiva. Es el último baile, el baile final. Es el baile final.

La última película realizada por Luis Buñuel en México resultó una joya de fina jocosidad herética en el que las reflexiones sobre la vacuidad del sacrificio expuestas en otras obras como Él (1953) y Nazarín (1959) son soterradas con tanta inteligencia como sentido del humor.

Simón, un estilita (ermitaños místicos que aparecieron a finales del siglo II y que, siguiendo el ejemplo de san Simeón, el iniciador de esta forma de penitencia, vivían sobre una columna elevada a la intemperie para conseguir el perfeccionamiento espiritual) que ha pasado seis años, seis meses y seis días en su columna, baja sólo para trasladarse a una nueva que le ha sido donada por un personaje rico al que ayudó a curarse. En su leve estancia en tierra aprovecha para devolverle las manos a un ladrón al que como castigo le habían sido mutiladas y para desprenderse de su madre, a la cual sin menor remordimiento le comunica que su misión espiritual está por encima de su cariño de hijo.

La relación de Simón para con el mundo es distante, da discursos y bendiciones y se erige como autoridad indiscutible. El diablo, encarnado en una hermosa mujer (Silvia Pinal) trata en repetidas ocasiones de tentarle, a lo que el ermitaño resiste bien por un tiempo, hasta que su propia mente lo empieza a traicionar y se da cuenta de la escasa diferencia que existe entre él y su ángel malvado, quien lo conduce finalmente a un infierno representado por un bar neoyorquino donde tocan música surf.

La claridad de los simbolismos de la cinta (aún perteneciendo al surrealismo) se manifiesta quizá por una intención del director para hablar sin tapujos; Simón, como todos los sacerdotes, se ha vuelto un megalómano que supone estar por encima de sus semejantes, en su caso de manera literal desde lo alto de una columna que efectivamente lo eleva de la estatura humana, pero de ninguna manera le acerca a dios; la severidad de su doctrina lo lleva incluso a deshacerse de algunos de sus adeptos, a uno lo entrampa para que confiese que ha cometido la bajeza de mirar a una mujer, mientras que a otro lo despide por estar excesivamente limpio. Como contraparte, dos personajes parecen ser los únicos aposentados en los terrenos de la realidad, un pastor enano que lleva a la repulsa por el inocente bestialismo que brota de tanto en tanto en sus palabras y… el propio diablo, que finalmente ve al asceta con una cierta compasión transformada en extraña complicidad.

Al parecer la historia de esta cinta se remonta a los años de estudio de Buñuel en Madrid, cuando García Lorca le acercó al libro La leyenda áurea de Jacobo de Vorágine, que lo impresionó sobremanera. Finalmente en 1964 logra levantar el proyecto apoyado por el productor Gustavo Alatriste, aunque la carencia de recursos suficientes por parte de este impidieron que la película cristalizara de la manera en que se había pensado originalmente, así se tuvo que desechar la idea de rodarla en latín con subtítulos en español con tipografía gótica y de que fuera un largometraje que en su segunda parte mostrara a Simón cayendo en las tentaciones carnales al regresar a su época tras el descenso a los infiernos. Como dato curioso destaca que al inicio se había considerado al cómico Manuel “Loco” Valdés para interpretar a Simón.

De esta manera, el ciclo de casi 20 años de Buñuel en México concluye con la trasgresión a una de las instituciones más fuertes del país, intocable casi en ese tiempo, la iglesia católica, que seguramente celebró la partida del autor a su país para que no siguiera por acá perturbando mentes. Por fortuna eso no sucedió.

La película, como casi todas las buenas cintas mexicanas, se puede encontrar editada en DVD en el extranjero, particularmente recomendable es la que presenta The Criterion Collection, como siempre muy cuidada y con extras interesantes.

También se consigue en eMule y en Youtube en versión extraída de la TV.

Simón del desierto

Dir. Luis Buñuel. México, 1964

Producción: Gustavo Alatriste

Guión: Luis Buñuel y Julio Alejandro, sobre una idea de Luis Buñuel

Fotografía: Gabriel Figueroa

Edición: Carlos Savage y Luis Buñuel (sin crédito)

Música: Raúl Lavista: "El himno de los peregrinos"; saetas y tambores de la Semana Santa en Calanda

Con: Claudio Brook (Simón); Silvia Pinal (El Diablo); Jesús Fernández (Pastor enano); Enrique Álvarez Félix (hermano Matías); Enrique García Álvarez (hermano Zenón); Luis Aceves Castañeda (Trifón)

El luchador

2009-02-23T23:28:00.001-06:00

Rara vez un trailer muestra algo más que una serie de escenas editadas de manera trepidante y efectista destinada a impulsar al espectador a ver la película, que muchas veces resulta inferior al avance. Hace unos meses me encontré con el trailer de The Wrestler, al que llegué por el interés natural que despierta Darren Aronofski en sus fans, pero me encontré con algo más allá: dos minutos y medio de pietaje en el que una bestia enorme muestra un poco de la inmensidad de su altura, Mickey Rourke actuando mejor que como antes se había visto (lo cual ya es mucho decir). Presentí que un gran evento estaba por sacudir las pantallas.

En 1988, cuando me dedicaba a hacer trampas para colarme en los cines a ver películas para mayores de 18 años encontré una que me conmovió y asustó profundamente, Corazón Satánico (Angel Heart. Alan Parker, 1987), en buena medida por su atmósfera macabra, pero de manera principal por la angustiante interpretación de Rourke como el decadente detective Harry Angel, quien debe descender y atravesar un infierno más oscuro que el que su propia vida es para desentrañar un misterio de esos que deberían permanecer sin ser revelados. De inmediato me hice seguidor de ese actor que mostraba un aura ajena a lo que estamos acostumbrados a ver en el mundo.

El mismo año liga otra película exitosa, 9 ½ semanas, co protagonizada por Kim Basinger, un thriller erótico tan plano como exacerbado por el público y el buen Rourke se fue a los cuernos de la luna, sin embargo su nuevo status de sex symbol no fue una limitante para que entregara posiblemente su mejor actuación interpretando a Harry Chinaski, el eterno alter ego de Bukowski en la maravillosa Barfly, de Barbet Schroeder. Después de eso llegaron los excesos y “El Marielito”.

Dos deportes han sido motor en la vida de Rourke: el béisbol (el Mickey de su nombre artístico viene de Mickey Mantle, el legendario bateador ambidiestro de los Yankees de New York) y el boxeo, que siempre quiso practicar y que logró por fin hacer en 1991, a los 39 años, que es la edad en que los profesionales de este deporte ya están a punto del retiro. Los excesos personales, su propio carácter y las golpizas que se llevó haciendo de Marielito lo alejaron de las grandes luminarias y se convirtió así en una leyenda negra de la pantalla, su carrera se perdió en papeles menores, broncas con directores, actores y todo ser con vida que se le pusiera en frente hasta que en su segundo acercamiento, Robert Rodríguez lo colocó en su lugar como el gigante brutal Marv, en su excelente adaptación al comic Sin City, de Frank Miller. El paso estaba dado para ponerlo en la antesala del retorno triunfal.

Allá por 2006 Darren Aronofski, curado de espanto luego del problema que resultó el proceso de La fuente, su anterior película, se paró frente a los ejecutivos de la Universal con el proyecto de The Wrestler y peleó hasta convencerlos de que el rol de Randy The Ram Robinson debía ser interpretado por Mickey Rourke y no por Nicolas Cage, como pretendían. No hubo decisión más acertada.

Mickey Rourke, que estudió en el Actor´s Studio bajo la tutela de Sandra Seacat ofrece una actuación soberbia como un veterano luchador, en sus tiempos el máximo ídolo y ahora un apocado tipejo que vive en un trailer y trabaja en un supermercado. Él es su propio infierno. Pero un ataque al corazón le hace volver a las cosas importantes que ha dejado en el camino, su hija, el entristecido amor que comparte con una stripper (Marisa Tomei). Randy está decidido a volver por sus fueros, pero el camino de retorno será muy doloroso y tal vez no tenga destino. No quiero contar más, espero que vean la cinta y sientan la fuerza interpretativa de un actor que no le pide nada a Brando o Newmann, a la magistral presteza de un director que sabe manejar los sentimientos como un creador en el sentido amplio de la palabra.

Aún no he visto Milk, no se si la actuación del siempre preciso Sean Penn mereciera el Oscar, si es así, su interpretación debe ser algo increíble, la de Rourke es simplemente sublime.

Les dejo el trailer de la película, si no pueden (como yo) esperar hasta que las timoratas distribuidoras se decidan a correrla, pueden verla aquí.

Y para los que no hablan inglés, les dejo el trailer en español.

El Luchador

The Wrestler, USA/Francia, 2008

Dir. Darren Arnofski

Guión: Robert D. Siegel

Música: Clint Mansell

Fotografía: Maryse Alberti

Con: Mickey Rourke; Marisa Tomei; Evan Rachel Wood; Mark Margolis; Todd Barry

Santo en el tesoro de Drácula

2009-02-05T23:20:00.000-06:00

Hay películas de las cuales estamos seguros que es imposible rescatar, que se han perdido para siempre por distintas circunstancias, tal vez el caso más famoso es el de London After Midnight (Todd Browning, 1927), aunque incluso de esta hay rumores de que existe bien resguardada una copia del original y eso crea la débil esperanza de que algún día veremos algo más que la reconstrucción a base de fotos fijas que conocemos hoy día. México no se queda atrás en el rubro de películas “perdidas” y el insuperable Santo, el Enmascarado de Plata tiene varias en su haber, siendo la principal Santo en el Tesoro de Drácula, donde el máximo superhéroe de estas tierras tiene que combatir no sólo al mismísimo Drácula escondido tras el simplón anagrama de Alucard, sino a todo su séquito de vampiras de senos al aire ¡Oh, si!
La leyenda de películas rodadas en versión doble –púdicas para el público mexicano, eróticas para su consumo internacional- es algo que no ha sido demostrado y es defendido incluso por instancias oficiales e historiadores de cine que sin embargo no han afirmado abiertamente haberlas visto o contar con alguna copia de las mismas, por mi parte me quedo con la versión de que efectivamente había un plan para realizar una segunda edición lúbrica pero no llegó más allá de las fotos fijas y diseño de carteles publicitarios; al menos hasta que no llegue a mis manos una de estas. Sí, como reza el lema “quiero creer” pero hasta ahora me quedo con la romántica idea de que esto alguna vez sucedió y nuestro héroe traspasó las fronteras del matineé familiar.
En esta aventura, realizada en 1968 por René Cardona Sr., Santo revela una nueva faceta como inventor, si bien ya se había visto muestras de su pericia como científico y dominio en tecnologías muy adelantadas a su época, en esta cinta de entrada nos enteramos que ha inventado una máquina para volver en el tiempo, la cual prueba con Luisa (Noelia Noel), hija de su amigo el doctor Sepúlveda, sólo para darse cuenta que al regresar en el tiempo la doncella es víctima de una extraña anemia que hace sospechar al profesor Van Roth (Fernando Mendoza) de que se trata de algo más allá, máxime que cerca de la casa de la joven vive el Conde Alucard, interpretado por Aldo Monti, quien junto con Germán Robles es uno de los vampiros más memorables de la cinematografía mexica. Hasta el fin de la primera parte, donde se consume la vampirización de Luisa, la película lleva un ritmo conciso que la vuelve hipnotizante –valga la referencia- hasta que Santo, decidido a mostrar la valía de su descubrimiento, toma de la cueva del villano un medallón que es media clave para conducir al tesoro a que hace referencia el título y a partir de ahí la trama se torna en la más clásica del cine fantástico de luchadores, es decir, peleas por doquier y un enfrentamiento entre el invencible Santo y el luchador Atlas para definir quien se queda con la totalidad de la clave, el mero mole de la máxima estrella del encordado de todos los tiempos pues.
Bastante ocioso resulta hablar de la valía artística del filme, Santo nos dio siempre lo que necesitábamos: un héroe nacional que sobrepasó los límites del comic y las películas para llenarnos de aliento y esperanza, uno que podíamos ir a ver a la arena en vivo y contemplar su magnificencia –la leyenda dice que Don Rodolfo Guzmán Huerta, el hombre tras la máscara, sólo perdió el 10 por ciento de las peleas que disputó en vida-, Santo es un ícono por antonomasia, tangible como cualquier prócer patrio y sin embargo superior por combatir contra maldades ultraterrenas, algo que ni nuestros santos laicos –Zapata, Villa, et al- pudieron darnos; es simplemente una figura mítica e irrepetible que se ha trasmitido no sólo a generaciones y generaciones de mexicanos, es una figura universal proclamada en todos los rincones del planeta. Así de sencillo y de complejo. El 5 de febrero se cumplen 25 años de su muerte física, apenas unos días después de que en el programa Contrapunto nos dejara ver su rostro, tal vez como una anticipación a su deceso; suceso que a la postre debo decir que me marcó de por vida. Por ello he elegido esta película -leyenda de la leyenda- a manera de ofrenda para un hombre que es en sí mismo leyenda, uno que nos ha dado mucho más que cualquier caudillo de nuestros tiempos: la capacidad de soñar que este mundo está a salvo gracias a un protector perceptible, alguien que puede ser nuestro vecino, alguien en quien podemos confiar.
Larga vida a Rodolfo Guzmán Huerta, Santo, el Enmascarado de Plata. Muestra de que los gigantes caminaron en la tierra.

Les dejo una escena de las que supuestamente en la versión para exportar se podía ver a las vampiras desnudas y

Otra en la que nuestro héroe desde su presente descubre la identidad del enemigo.

Y ya como pilón, la escena donde Santo muestra su rostro en Contrapunto.

Dir. René CardonaGuión: Alfredo Salazar
Fotografía: Raúl Martínez Solares
Edición: José W BustosMúsica: Sergio Guerrero CalderónCon: Santo, el Enmascarado de Plata (Rodolfo Guzmán Huerta); Aldo Monti; Noelia Noel; Alberto Rojas “el Caballo”.

Mafalda

2009-01-04T23:35:00.000-06:00

Para 1964 Joaquín Salvador Lavado, conocido desde su primera infancia como Quino, gozaba ya de cierta fama como historietista y en función de ello la agencia Agnes Publicidad le encomendó -de rebote, originalmente el trabajo era para Miguel Brascó- que realizara algunas historietas para la campaña de lanzamiento de una línea de electrodomésticos llamada Mansfield. La campaña finalmente no se llevó a cabo y las tiras quedaron guardadas en un cajón hasta que al año siguiente del semanario Primera Plana le pide una historieta y el 29 de septiembre se publican por primera ocasión las aventuras de Mafalda, personaje icónico del siglo XX y recuerdo entrañable para muchas generaciones.
El 25 de junio del 73 aparece la tira con la cual Quino se despide de la publicación de Mafalda, sin embargo se mantenía en ediciones en otros países, tanto como tira como compilada en libros y traducida a diversos idiomas. El hambre de los fans de la querida Mafalda era bastante, de manera que en Argentina empezaron a producirse algunos cortos basados en las tiras, que finalmente en 1981 fueron compilados para realizar un largometraje dirigido por Carlos D. Márquez, del cual no he encontrado mayor información o registro de su obra.
La película en sí no cuenta una historia como tal, pues como ya se dijo es una serie de animaciones de las tiras, aunque no por ello desmerece el espíritu de la historieta ni de la pequeña filósofa de lo cotidiano que es Mafalda, de quien alguna vez dijera Cortázar: “Lo importante no es lo que yo piense de Mafalda, sino lo que ella piense de mi”.
La película, que en el lejano tiempo del coleccionismo VHS era una de las joyas más complicadas de conseguir, se puede adquirir ahora con bastante facilidad en las tiendas de video, igual que en You Tube y algunos servidores de descarga, aunque lo más recomendable para disfrutarla a plenitud es tener la original.
En Todohistorietas hay un artículo muy bueno sobre la película y se pueden ver algunos fragmentos de la misma, así como de las animaciones posteriores que hiciera Juan Padrón, que son también estupendas. Para conocer o adentrarse más en el personaje, les recomiendo visitar El mundo de Mafalda, y obviamente hay que darse una buena zambullida en la web oficial del creador, el enorme Quino.
Y bien, les dejo la parte inicial de la cinta, que la disfruten.

Mafalda (La película). Argentina, 1979
Dir: Carlos Márquez
Música: Riz Ortolani
Producción: Daniel Mallo
Guión: Alberto Cabado
Reparto:Susana Klein (Mafalda)Cecilia Gispert (Guille y Felipe)Nelly Hering (Mamá)Oscar Silva (Papá)Paqui Balaguer (Manolito)Susana Sisto (Susanita)María del Pilar Lebrón Marta Olivan Haydeé Lesker

Fray Don Juan

2008-12-19T00:29:00.000-06:00

-¡Melchor!, ¿qué me toca hoy?
–Entierro, señor.
Qué precisa, hermosa manera del maestro Garcés para describirse indirectamente como el incansable tigre; el irredento; el inagotable; el ejemplo y gurú de todo aspirante a latin lover que trate de hacerse respetar… lástima que en esta cinta no termina con ninguna (doble lástima, porque en el grupo se encuentra Lorenita Velázquez, delirio de mis delirios, ¡ay!).
Corría el año de 1969 y dos películas -Modisto de señoras y Departamento de soltero- daban cuenta de la voracidad amatoria y enorme sentido del humor del Zorro plateado cuando a René Cardona se le ocurrió ponerlo frente a un espejo en negativo, ¿qué sucedería si el lado anverso de la moneda de nuestro máximo seductor de repente se manifestara para echar a perder la diversión? Pues eso es la premisa de Fray Don Juan, donde Juan I es un destrampado seductor que se bebe unos cocteles preparados en copas de unos 2 litros de capacidad y organiza orgías de mucho ambiente en su casa, en tanto Juan II es un cura agobiado porque a mitad de la misa (que de acuerdo a la historia se celebra en Roma, aunque sospechosamente la audiencia está formada por puros paisanos) le da por hacer strip tease en el púlpito. Hasta ahí la cosa bien y divertida, el problema es que a Juan I le da por ponerse bíblico cuando ya todos los convidados a la fiesta están en paños menores y les corre a punta de versículos bíblicos.
Con enorme carga moralista el director le marca el alto al personaje de Garcés, al extremo de que hacia el final del filme el seductor se arrepiente muy fácilmente y se enlista en la legión extranjera para dedicarse a la más cristiana tarea de hacer la guerra y no el amor. No por ello, cabe destacarlo, decae el humor en esta gran comedia en la que Luis Manuel Pelayo interpreta al sirviente de don Mauricio y lo hace con un talento y una química genial que por fortuna habría de repetirse en al menos un par ocasiones más, con lo que nos brindaron la oportunidad de ver uno de esos extraños casos en que el patiño se encuentra a la altura del protagonista.
Con este muy breve comentario me despido por este año, agradecido por la respuesta que han dado a este blog que de ser un espacio prácticamente para los cuates ya ha subido el nivel de lectura, vamos, sigue siendo muy discreto, pero gracias a ustedes ya me conocen más allá de mi casa, jejeje.
Espero poder contar con su amable lectura y comentarios el año entrante, por acá nos leemos recién empiece el 2009
En tanto, los dejo con unos extractos de la grandiosa cinta que nos ocupa.

(Y por cierto, se consigue con facilidad en cualquier mediana tienda de video, bajo la colección México en pantalla.)

Fray don Juan. México, 1969

Dir. René Cardona Jr.

Guión: René Cardona Jr.

Música: Gustavo César carrión

Fotografía: Alex Philips Jr.

Edición: Alfredo Rosas Priego

Con: Mauricio Garcés; Luis Manuel Pelayo; Lorena Velázquez; Gina Romand

Vidita Negra

2008-12-03T00:03:00.001-06:00

Una característica poco comentada a pesar de que es punto común en las aventuras del gran Zorro Plateado, es que por muy Casanova que fuera, su comportamiento jamás pasaba a ser inmoral y al final de sus cintas todo se resolvía dejando la vida de seductor para quedarse con el verdadero amor de su vida, aún en las que más mujeres hace pedazos, como Modisto de señoras, Click, fotógrafo de modelos y Fray Don Juan. En Vidita negra, encima de monógamo es una especie de asceta al que el amor le cae a domicilio, literalmente.
Basada en la obra de teatro de François Campaux (quien la aprovechó al máximo, antes de ser película ya había sido puesta en escena con el propio Garcés en el rol estelar y después la llevo a convertirse en versiones cinematográficas en Grecia (Agapi mou Oua-Oua, Giannis Dalianidis, 1974) e Italia (Tesoro mio, Giulio Paradisi, 1979), cuenta la historia de Enrique Naró, novelista que tras un inicio arrollador, se encuentra en una etapa de profundo estancamiento creativo, fuertes deudas económicas y la presión de una esposa tan histérica como banal (Kikis Herrera Calles). Las cosas empiezan a cambiar con llegada de la nueva sirvienta, una hermosa joven de color proveniente de las Islas Balicú llamada Vidita Auauu (interpretada por la bellísima Robertha), cuyo arribo da el pretexto a la mujer de Naró para abandonarlo e irse con su mejor amigo y editor. Dadas las circunstancias, el autor cae en la depresión, pero la presencia radiante de Vidita lo llevará a levantarse, escribir una nueva obra maestra y cambiar su perspectiva del mundo.
La película, pese a la aparente forma descuidada de dirigir de Rogelio A. González consigue atrapar por la interpretación del Maestro Garcés, correcto como en todo momento, así como por la presencia embelesante de Robertha, una cantante peruana que en su tiempo ganó el concurso de “La morena más bella del Perú” y que tenía la virtud de imprimir una fuerte intensidad a sus interpretaciones, aunque en muchos de los casos la letra de las canciones fuese bastante cursi. Pues si, ella es responsable del encanto y de que no pueda ver objetivamente la película, pues siempre termino un poco enamorado de sus mejillas de conejito. Ayuda también, cabe decirlo, el abuso endulcorante de la música de fondo de Arturo Castro y las actuaciones secundarias de Raúl Chato Padilla como un abogado permanentemente ebrio y Héctor Herrera como un delirante empleado de casino que hace un lento strip tease mientras informa a Naró que ha recibido una herencia.
González no se interesó porque en la adaptación del libreto se modificara al lenguaje del cine y la mayor parte de las escenas son plano secuencias en espacios cerrados o emplazamientos muy elementales, lo cual no implica una exploración, sino todo lo contrario. Pese a todo, Vidita negra es seguramente una de sus mejores películas y una cumbre de Don Mauricio Garcés, para ver sin prejuicios y disfrutar y disfrutar con esta comedia tan ligera como hermosa.
La película no está disponible para descargar, pero es fácil de encontrar pues fue editada por Horizonte Films y se puede adquirir en los sitios de costumbre (Librería Ghandhi, Mixup) como en la red a través de Amazon.

Los dejo con dos escenas de la película, una con el maestro soportando a su mujer y otra conociéndose con Vidita.

Más aplausos para el Maestro, por favor.

Vidita Negra
México, 1971
Dir. Rogelio A. González
Guión: Mario Zacarías, sobre la obra Cherie Noire, de François Campaux
Fotografía: Mario Marzac
Producción: Miguel Zacarías
Música: Arturo Castro
Edición: Gloria Schoemann

No tiene la culpa el indio

2008-11-18T22:54:00.000-06:00

Conforme se acercaban los años 80, el cine mexicano confirmaba su decadencia con una producción que además de escasa era por demás mediocre, de manera tal que a la comedia incluso tendría que habérsele levantado acta de defunción. El maestro Mauricio Garcés, como contaba en el post pasado, se había alejado desde inicios de los años 70 (en el 71 filmó seis películas, entre las que destacan las magníficas Vidita negra y Las tres perfectas casadas) de la pantalla grande al no encontrar un guión en que la vulgaridad no estuviera por encima del fino humor con que acostumbraba trabajar, hasta que en el 78 se decide a regresar al celuloide seducido por un guión que a la postre no explotaba en primer plano su rol de galán: No tiene la culpa el indio.
En esta, el maestro Garcés interpreta a un embaucador profesional que convence a un indígena de Xochimilco (Chucho Salinas) que tiene visiones clarividentes cuando ve piernas de muchacha bien formadas al grito de ¡Ay mamaciiita! de conjuntar las predicciones de este con la habilidad manipuladora del otro. La sociedad que conforman ambos pronto rinde frutos, pero también los hace presa de intereses mayores, así que se ven en una serie de enredos de los que saldrán más por suerte que por mérito propio.
Miguel M. Delgado, recordado principalmente por haber dirigido algunas de las mejores (Un día con el diablo; ¡A volar, joven!; El Sietemachos) como algunas de las más infames (El patruller 777, El barrendero) películas de Cantinflas, tuvo la suerte de encontrarse con un guión de la actriz argentina Reneé Dumas escrito con tanta inteligencia como humor, el cast obviamente no empataba con la línea del moralista Cantinflas, así que logró convencer a Don Mauricio para regresar con este interesante papel que le exigía interpretar a un personaje distinto a aquel que le hiciera ganar fama en las décadas anteriores, lo cual como es natural, consiguió. De igual manera, Chucho Salinas logra hacer de su personaje un indio bastante ladino, pero fuera de los clichés que tanto el cine como la televisión habían generado para estos. Y para terminar de redondear, la chica Garcés (mmmh, bueno, aunque no hay romance) en turno fue la hermosa Yolanda Liévana.
Destaca, por supuesto, el duelo de comedia que sostienen Salinas y Garcés, bastante equilibrado, sostenido con un pulso que no creo pueda ser tan atribuíble al director como a los propios actores, quienes sin una sola obscenidad gratuita, consiguen mantener al espectador al borde de la risa en todo momento.
La película es complicada de conseguir, de vez en cuando la programan en la televisión por cable, pero hasta donde sé no ha sido editada en video. En You Tube hay algunas escenas, de las cuales les presento tres a cual más de divertida.

Aplausos para el maestro

Modisto de señoras

2008-11-06T23:38:00.000-06:00

De entre los orgullos no reconocidos oficialmente de México, Mauricio Garcés es una figura preponderante, excepcional y única, toda vez que no generó (afortunadamente) escuela salvo por unos pocos y patéticos intentos de copia. Fue el verdadero playboy del tercer mundo.
Su carrera fílmica comenzó en 1951 con un discreto papel como doctor (rol que repetiría en varias ocasiones antes de figurar como seductor) en La muerte enamorada, de Ernesto Cortázar. Luego de esto continúa escalando poco a poco peldaños en melodramas y algunas cintas de cine fantástico, como El Barón del terror, La llorona y El mundo de los vampiros. Es hasta 1966 que Angélica Ortiz le otorga la confianza para protagonizar Don Juan 67, abriendo con ello la puerta para que el actor desarrollara su potencia como uno de los mejores comediantes del cine mexicano.
Dos años más tarde madura la imagen del Casanova mexicano con Modisto de señoras, donde interpreta a Maurice, un diseñador de moda que sufre una rara especie de sexismo, pues debe fingir que es gay para asegurar la confianza tanto de sus clientes como de la competencia, representada por la terna de Mao, Antoine y Perugino (Carlos Nieto, Hugo Goodman y Enrique Rocha, respectivamente), quienes arman un plan para demostrar que en realidad Maurice no es homosexual, lo cual, de ser comprobado, destruirá su carrera. Caso complicado, pues deberá salir airoso de la trampa sin dejar de seducir a las múltiples y muy bellas mujeres que caen en sus manos.
Hay un encanto especial en esta –como en el resto de sus comedias como galán- pues se siente un halo de franca cahondería en toda la cinta sin caer en un solo momento en la vulgaridad, cosa que el maestro siempre cuidó e incluso lo llevo a dejar de aceptar papeles, pues todo lo que le era presentado iba por el camino fácil en lugar de esa línea fina que junto a su ingenio verbal le distinguió siempre.
En un país donde la figura del galán se perdió tras el declive del cine ranchero y en este siempre se explotó la imagen del macho viril, parco y violento, Garcés se presentó como la renovación del hombre envuelto en un halo seductor cosmopolita no igualado en toda América Latina, prototipo de aquello que la ventolera de los años sesenta y setenta nos mostraba pero no alcanzó a ser realidad en esta parte del continente.
¡Mauricio Garcés vive, la seducción sigue y sigue!

Existe muy poca información sobre el maestro Garcés y sus películas en internet, las consabidas de imdb y Wikipedia, así como un espacio en Más de cien años de cine mexicano y el weblog Don Mauricio Garcés -que en verdad se esfuerza por homenajear y difundir al Zorro Plateado en la dimensión que se merece- son lo más destacado.
La película es fácil de conseguir, pues recientemente fue lanzada dentro de la colección ¡Vive México! y encima de ello, a un precio bastante económico.

Les dejo un trailer de Modisto de señoras y, por favor, no se repriman de pararse a aplaudir cuando terminen de verlo.

Modisto de señoras. México, 1968

Dirección: René Cardona, Jr.
Guión: Fernando Galiana y René Cardona, Jr.; adaptación: Fernando Galiana
Fotografía: José Ortiz Ramos
Vestuario: Rubén Maytorena
Música: Gustavo César Carrión; temas musicales: Ernesto Cortázar, Jr.
Edición: Alfredo Rosas Priego

Maratón de horror

2008-10-28T19:13:00.000-06:00

Como resultado de un proyecto que por el momento se ha visto aplazado, me pidieron que programara un maratón de cine de horror para estas fechas en que la banalización de la tradición céltica dio pie a que los norteamericanos instituyeran el halloween, extendido ahora a gran parte del mundo. Lo único bueno del asunto es que la celebración da pie a exaltar el cine de horror. Luego de voltearme la cabeza un rato y con la idea fija de que toda selección sería terriblemente exclusiva, me incliné por escoger cuatro obras de países cuya producción es representativa para la historia del género (y si, también así me faltaron varios), el resultado se presentará en el Cine Teatro Alameda de la Ciudad de San Luis Potosí, en México, el próximo 31 de octubre a partir de las 6 de la tarde.

Los no invitados

(4 Inyong shiktak) Dir. Lee Soo-youn

Corea del sur, 2003

Adquirí esta cinta no tan animado por el hecho de ver otra historia de fantasmas orientales, como para despejar la duda de por qué tras año y medio de lectura de guiones después de hacer My sassy girl, la hermosa Jun Ji-Hyun (aquí en los créditos como Gianna Jun) se había inclinado por esta propuesta. Y el resultado es obvio, una cinta lenta, pero muy consistente que nos mete la melancolía a la par que el miedo en las venas. Corea del sur, lo digo abiertamente, debe ser nombrada a la brevedad como la nueva Meca del cine.

Les dejo un fragmento que, como toda la película, no puede ser sino descrito como de escalofriante belleza:

Alucarda, la hija de las tinieblas

Dir. Juan López Moctezuma

México, 1975

¡Oh, Alucarda! Satanismo, blasfemia, desnudez, nunsploitation, delirio y el movimiento pánico llevado a terrenos donde Jodorowsky no se hubiera atrevido. Esta es defintivamente una de las joyas de la corona del horror en México, pese a que precisamente aquí la obra de López Moctezuma ha sido pobremente difundida, seguramente porque para la industria mexicana (o lo que quedaba de ella) su cine resultaba excesivo. En You tube encontré este trailer casero -muy bueno, vale decirlo- en el que incluso se les olvida doblar las voces durante un momento:

Las siete puertas del infierno

(E tu vivrai nel terrore / L'aldilà) Dir. Lucio Fulci

Italia, 1981

La mejor película de Lucio Fulci cuenta la historia de una desafortunada mujer que hereda un hotel... construido sobre una de las siete puertas del infierno. Con esta base, el maestro italiano se prodiga en escenas horrendas y de una violencia tal que ha sido motivo de censura en varios países, y eso sin contar su final surrealista y desolador.

El despertar del diablo

(Evil dead / book of the dead) Dir. Sam Raimi

USA, 1980

Desde mi punto de vista, LA obra suprema del gore. Sam Raimi demostró que una cinta de horror extrema podía presentar un planteamiento estético de altura; que el gore va unido a la comedia de una forma bizarra; que con un presupuesto ridículo se puede hacer algo creíble y visualmente impresionante y que una cinta de género puede generar culto aún entre los más puristas. Entre otras virtudes.

Los ladrones viejos

2008-10-16T13:05:00.000-05:00

La noche del lunes 13 de octubre una noticia en apariencia menor, la detención de un ladrón a domicilio, llamó la atención de algunos televidentes a quienes sorprendió la historia de un personaje que había asaltado, entre muchos otros, a dos de los ex presidentes recordados con más repudio de México, otros pudimos reconocerlo facilmente, se trataba de El Carrizos, personaje central del documental Los ladrones viejos, de Everardo González, que hace poco se estrenó en video.

Lo detuvieron in fraganti y se le acusa de robo con violencia, algo que contrasta por completo conn el código de ética personal que comenta en la película, quien sabe si la acusación sea cierta, pero por haberle despojado un poco de lomucho que nos quitaron a varios políticos despreciables merece antes que juzgarlo, ser condecorado.

Everardo González, quien demostró gran capacidad para contarnos la cotidianeidad de personajes entrañables con sus andanzas en la pulquería La Pirata dentro de su ópera prima La canción del pulque, de 2003, repite el encanto con mejores resultados en este documental donde cinco ancianos narran con nostalgia los tiempos en que hasta dentro de los ladrones había clases: sus códigos de honor; el paso por las calles de la Ciudad de México; la convivencia con su gente; la omnipresente corrupción policiaca.

Como suele suceder, Los ladrones viejos no ha tenido una corrida comercial adecuada en el interior del país -en San Luis Potosí ni siquiera se ha anunciado- pese a los múltiples reconocimentos con que ha sido galardonada y la fuerte atracción que ejercen sus personajes hacia el espectador desde los primeros minutos, como sucede con la personalidad de Efraín Alcaráz, El Carrizos, misma que se ve reflejada de nuevo en el desparpajo mostrado ante las cámaras que le rodeaban como a una estrella del espectáculo en esta su reciente detención, como testimonia una nota aparecida en el diario La Jornada (redactada de una manera bastante sangrona, cabe decir), que en un párrafo dice:

Esta extensión del documental fuera del celuloide tuvo lugar el pasado martes, en la sala de prensa de la Procuraduría General de Justicia del Distrito Federal, donde un reportero de televisión reconoció al famoso ladrón y le preguntó por qué había caído tan bajo si llegó hacer el Rey de los Zorreros, a lo que respondió: “me deberías de pagar por la entrevista”. El reportero le preguntó cuánto cobraba, y El Carrizos dijo: “Si son preguntas tan pendejas como las que me estás haciendo, gratis”.

Nunca es lo mejor que una película llame la atención por causas exteriores a su propio valor artístico, sin embargo y dada la eterna sombra siniestra de distribuidoras y exhibidoras mexicanas, ojalá que el caso Carrizos sirva para que la gente se asome a esta obra cinematográfica. Los ladrones viejos se puede conseguir facilmente en DVD en tiendas de video. Les dejo aquí un texto publicado en Excelsior donde González habla del génesis de esta cinta y finalmente, el trailer de la misma y un extracto, la parte donde El Carrizos cuenta el asalto a la casa del genocida Luis Echeverría:

El audaz

2008-09-29T00:23:00.000-05:00

A finales de los años 80 mi padre, destacado jugador de billar que me estaba enseñando los secretos de este deporte, tuvo la feliz idea de que podía complementar sus clases con mi incipiente amor por el cine a través de una película memorable que desde entonces es mi favorita de entre las que hizo Paul Newman: El Audaz.

En 1958 la fama llegó para el joven egresado del Actor’s Studio Paul Newman, con películas que mostraban de lo que era capaz: Un largo y caluroso verano, de Martin Ritt; El zurdo, de Arthur Penn y sobre todo Una gata en el tejado caliente, de Richard Brooks. El cine acababa de descubrir un talento que ahora sabemos es irrepetible.
Ya para 1961 era muy solicitado en Hollywood, de manera que en primera instancia declinó interpretar al jugador de pool Fast Eddie Felsen en el proyecto de El audaz (The Hustler), que sería dirigido por Robert Rossen, pues estaba a punto de iniciar el rodaje de otra cinta al lado de Elizabeth Taylor; sin embargo la diva tuvo que posponer éste para la filmación de Cleopatra y Newman pudo tomar el rol ya que afortunadamente Jack Lemmon no lo había aceptado. Así, el histrión pudo entregarnos una de las actuaciones más memorables de la historia.
Eddie el rápido no es héroe de manera alguna, su modus vivendi radica en ir haciendo apuestas en salones de billar de ciudad en ciudad con su socio y figura paterna, a quien sin embargo no le importa abandonar sin despedirse tras ser derrotado por un legendario jugador llamado Minnesota Fats. En el momento en que sin darse cuenta se abre de corazón ante su amante Sarah la única respuesta que se le ocurre cuando ella le dice “Te amo” es “¿Tengo que decir las palabras?” e incluso hacia el final, cuando la tragedia ha terminado de posarse en su descuadrada vida la vacuidad parece ser su propia elección de vida.
La película en sí es un logro de Rossen, pero destaca por la magnificencia de las actuaciones, en efecto es una de las mejores actuaciones de Newman, pero también lo es de George C. Scott como el vividor Bert Gordon; de Piper Laurie como la frágil y solitaria Sarah Packard; de Jackie Gleason como el imponente Minnesota Fats y de Myron McCormick como el decadente socio de Eddie, Charlie Burns. Sobre el soporte de estos talentos Newman entrega lo mejor de sí utilizando sus mejores recursos, una personalidad magnética que podía robarse la escena con un sólo movimiento y una pasmosa facilidad interpretativa.
Lee Strasberg dijo del actor que hubiese podido ser tan bueno como Marlon Brando si no fuera tan bien parecido, ya que en varias de sus películas dejaba descansar su talento innato supliéndolo con sus atributos físicos. En El audaz por fortuna no sucede así y por ello ha trascendido como un clásico frecuentemente citada en las listas de las mejores cintas de deportes, las mejores del cine norteamericano y naturalmente en las de mejores interpretaciones. Con esta fue nominado por segunda vez al Oscar como mejor actor, reconocimiento que le fue negado en muchas ocasiones y que finalmente obtuvo por partida doble en años consecutivos, en 1986 con ese premio de consolación con que la Academia estadounidense busca tapar sus omisiones llamado Oscar honorario y en 1987 por mérito propio -y curiosamente interpretando de nuevo a Fast Eddie Felsen- en El color del dinero, una de las películas más flojas de Martin Scorsese.
Paul Newman será recordado como una de las grandes leyendas, justo reconocimiento para un hombre que nos entregó varios de los momentos inmortales de la historia del cine.

La película se consigue fácilmente, pues hace poco fue editada en la colección Studio Classics de la Twentieth Century Fox y en eMule se encuentra bajo su título original sin subtítulos o doblada al español con el nombre que se le dio en España, El buscavidas.

Les dejo una escena del primer encuentro entre Eddie y Minnesota Fats.

El Audaz. (The Hustler) USA, 1961

Dir. Robert Rossen
Guión: Robert Rossen & Sidney Carroll, sobre la novella de Walter Trevis
Fotografía: Eugen Shufftän

Edición: Dede Allen

Música: Kenyon Hopkins

Con: Paul Newman, Jackie Gleason, George C. Scott, Piper Laurie, Myron McCormick, Murray Hamilton, Vincent Gardenia, Michael Constantine

Gabardinas, detectives y mujeres en apuros

2008-09-16T14:24:00.000-05:00

Siguiendo con la serie de ciclos de cine clásico, el Cine Teatro Alameda de San Luis Potosí presenta del 22 al 28 de septiembre el dedicado al Noir, género creado en los Estados Unidos que aborda por lo general un hecho delictivo, un detective antihéroe y una hermosa mujer en apuros que o es una blanca paloma o una pantera feroz. Se trata de un cine muy estilizado, donde el uso de las luces se convierte en parte del propio lenguaje de la cinta y el nivel de involucramiento del público con los personajes se eleva hasta sentirnos parte activa en la trama. estas son las películas que se proyectarán:

El halcón maltés (The maltese falcon) John Houston, 1941

El material del que están hechos los sueños. Basada en la novela del mismo nombre publicada por Dashiell Hammet, esta adaptación a pesar de ser ya la tercera que se realizaba para la pantalla grande, es calificada como la iniciadora del cine negro. Humprey Bogart está insuperable en su papel de Sam Spade, taciturno y cínico detective que se ve enredado por la aparentemente inocente señora O'Shaugnessy -interpretado magistralmente por Mary Astor- en una persecución a nivel internacional de la legendaria estatuilla de El halcón maltés. Entre los villanos destaca la siempre grata presencia de Peter Lorre.

El tercer hombre (The third man) Carol Reed, 1949

Originalmente se le planteó a ese tipejo que sin embargo era buen escritor llamado Graham Greene que realizara un guión sobre el ambiente en la Viena posterior a la primera guerra mundial, sin embargo este se negó a hacerlo alegando que primero tendría que escribir una novela para lego transformarla en guión, finalmente se hizo de esta manera y hasta él tuvo que reconocer que el guión cinematografico resultó superior a la novela. De cualquier manera, Sir Carol Reed se encargó de que el resultado final fuese de una magnitud impresionante, estamos ante una película en la que cada elemento es grandioso, no por nada ha sido calificada como una de las mejores de la cinematografía británica.

El ocaso de una estrella (Sunset Blvd.) Billy Wilder, 1950

Una de las escenas finales más impactantes de la historia del cine en general se la debemos a la enorme Gloria Swanson en una de las obras cumbres de Billy Wilder, una extraña historia de pasión y crímen que a la vez es una mirada cruel y corrosiva sobre el viejo sistema de estudios norteamericano y las estrellas del cine mudo, el propio Erich Von Stroheim, uno de los legendarios directores de esa primera etapa, interpreta al apocado mayordomo de la ex estrella Norma Desmond, del cual nos enteramos más adelante que en realidad es el ex primer esposo de la Desmond y el hombre que la llevó a la fama. Imprescindible.

Casta de malditos (The killing) Stanley Kubrick, 1956

La sexta película de Stanley Kubrick se convirtió en la primera de una impresionante serie de obras maestras que lo colocaron para gusto de muchos (mío incluído) como el mejor director de todos los tiempos. Basado en la novela Clean Break, de Lionel White, Kubrick deconstruye la secuencia lineal de la narración para contarnos la historia de un asalto que debió resultar perfecto. Innovador en todo momento, el fallecido maestro ofrece una cátedra de cine negro.

Sed de mal (A touch of evil) Orson Welles, 1958

A los críticos que les encanta declarar inicios y finales de épocas les dio por marcar con la aparición de esta joya el término del ciclo del cine negro. Como muchas de las grandes del género (baste ver las cintas arriba mencionadas), esta se basó en una novela, ahora de Whit Masterson, que Welles convirtió en un auténtico tour de force (al menos como la conocemos ahora, ya que al inicio el estudio la reedito y cuentan que era un bodrio sin pies ni cabeza) que contó con las actuaciones de Charlton Heston, Janet Leigh, el propio Welles e incluso la diva alemana Marlene Dietrich.

El Samurai (Le Samourai) Jean Pierre Melville, 1967

También en París hace aire, cómo no, Y Jean Pierre Melville estuvo ahí para demostrarlo. Todo un hombre de culto, el director supo hacer grandes historias de manera personal y al mismo tiempo empatar con el agrado del público, en esta ocasión nos presenta a un silencioso asesino interpretado por Alain Delon cuyo código de honor se ha vuelto en contra y ahora sus jefes le persiguen para matarlo. Tan buena que ha dado pie a muchas películas de acción Hongkonesas... que luego sirvieron para ser imitadas por filmes gringos.

Barrio chino (Chinatown) Roman Polanski, 1974

Adiós a Las Vegas

2008-09-03T01:01:00.000-05:00

Terri: Quizá no deberías beber tanto.
Ben: Quizá no debería respirar tanto, Terri.

Ben Sanderson ha tomado una decisión: irá a Las Vegas y beberá hasta que la muerte se lo permita. Y eso hará a pesar de que en su camino se cruce un ángel turbio encarnado en la hermosa prostituta Sera. No hay descenso al infierno en la historia de este guionista autodestructivo, él es su propio infierno y no hay pena ni mancha en ello, simplemente ha tomado una decisión y con los restos de cabalidad que el alcohol le deja, va a cumplirlo.
Ben transita feliz por los pasillos de un supermercado llenando de botellas un carrito. Ben es el alma de la fiesta, bebiendo y convirtiéndose en un tipo por demás simpático. Ben tomándose una cerveza bajo el agua. Sera a su lado, amándolo, aceptando la decisión de Ben, glorificando su inmaculada embriaguez.
Del otro lado: Ben en intentos patéticos por llevarse a mujeres a la cama. Sera transitando melancólica la noche de la ciudad que nunca duerme. Ben solitario bajo los insoportables neones de los casinos. Sera agredida por su padrote. Ben despertando en medio de la noche para tomarse desesperado una botella de vodka. Sera abusada por un grupo de universitarios estúpidos. Ben al borde de la muerte.
Ben en un feliz sendero de autodestrucción.

Adiós a Las Vegas (Leaving las Vegas)
Dir. Mike Figgis. USA, 1995
Guión: Mike Figgis, sobre la novela homónima de John O’Brien
Música: Mike Figgis
Fotografía: Declan Quinn
Edición: John Smith
Con: Nicolas Cage (Ben Sanderson); Elizabeth Shue (Sera); Julian Sands (Yuri); Richard Lewis (Peter); Valeria Golino (Terri)

El hermoso tema principal de la película, Angel eyes, interpretado por Sting y parte de su letra:

Have you ever had the feeling That the world's gone and left you behind? Have you ever had the feeling That you're that close to losing your mind?

You look around each corner Hoping that she's there You try to play it cool perhaps Pretend that you don't care But it doesn't do a bit of good You got to seek till you find Are you never unwind.

Muertos de risa

2008-08-25T23:04:00.000-05:00

Nino y Bruno son patéticos. Ni siquiera se llaman así, su nombre artístico proviene de un cartel pisoteado que el anunciador vio antes de meter a este par a escena. Y su gracia es que Bruno pegue de bofetadas a Nino, en eso radica su éxito, que los convierte en las dos más grandes leyendas de la comedia española del siglo XX.
Luego de su incursión en Hollywood con Perdita Durango (1997) que sólo le sirvió para llevarse muchos más abucheos que dólares, Alex de la Iglesia regresó a España a hacer lo suyo: subvertir la comedia para convertirla en el oscuro vehículo con que el director transita y nos cuenta nuestra cotidianeidad, pues aunque las cintas son de suyo muy españolas, las historias que narra no dejan de ser universales.
Esta es probablemente la película de de la Iglesia menos conocida en México y no puedo explicarme la razón, ya que a mi parecer es uno de sus trabajos más pulidos (y graciosos). De nueva cuenta el director utiliza la violencia como medio de entretenimiento, no a manera de apología, como algunos han pretendido ver, sino como el contrapunto para manifestar su sardónica y contundente mirada. Ya de inicio la fórmula de comedia que manejan Nino y Bruno (Santiago Segura y El Gran Wyoming, respectivamente) su sustenta en la violencia misma, el gag del tortazo que ha funcionado y seguirá funcionando mientras la desgracia ajena nos siga pareciendo cómica, aunque nunca nos detengamos a pensar en que ese agrado tenga su carga siniestra. Por eso en cuanto nace la rivalidad entre los improvisados comediantes su éxito se incrementa y así sigue hasta el momento en que se alejan y resulta que por separado no causan ninguna gracia al público.
Quiero decir que estoy comentando la esencia de la historia sin meterme tanto a detalle en la misma porque esta es una de esas cintas que no deben contarse so pena de echar a perder la sorpresa, que este caso es la esencia; con una habilidad sorprendente Alex de la Iglesia va haciendo crecer la trama y llevándola hasta el terreno de lo alucinante y francamente inverosímil sin perder el hilo. Y del aspecto técnico, ni hablar, como siempre pulcro.

Y así, Muertos de risa se convierte en una comedia tan negra que hay a quienes no les genera ni una leve sonrisa, pero bueno, hay que saber reírse de las cosas, pues como el propio de la Iglesia ha dicho “La única escapatoria que encuentro al abismo que supone mirar las cosas de frente es la comedia”.
La película es muy sencilla de encontrar en la red, así como en tiendas establecidas como Mixup, así que hay para escoger. Si quieren saber más de Alex de la Iglesia visiten su página, que es alucinante, además de que se puede ver el trailer de su más reciente película, Los crímenes de Oxford. Santiago Segura también tiene cosas extrañas que contar en la página de Amiguetes Entertainment y de El Gran Wyoming hay que ver la ficha de la Wikipedia, pues un colgado, tal y como lo anuncia, compró un dominio con el nombre del artista para regalárselo, pero a la fecha parece que no ha habido contacto.
Y para concluir los dejo con una secuencia de la película.

Muertos de risa.
Dir. Alex de la Iglesia, España, 1999
Guión: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría
Fotografía: Flavio Martínez Laviano
Edición: Teresa Font
Con: Santiago Segura (Nino) El gran Wyoming (Bruno) Álex Angulo (Julián) Alfonso Lussón (Berasategui) Carla Hidalgo (Laura)

Unas de vaqueros

2008-08-07T22:43:00.000-05:00

El western es uno de los géneros cinematográficos mundialmente más reconocidos y el emblemático de la producción hollywoodense en el siglo XX; su temática aborda la conquista del territorio oeste del país vecino, las ilusiones, las esperanzas, obsesiones y pasiones de la gente que llegaba a un terreno virgen, hostil y violento, siempre lleno de emocionantes aventuras. Del 11 al 17 de agosto en el Cine Teatro Alameda de San Luis Potosí, sede de la ya próxima Cineteca del estado, se presentarán algunas de las películas representativas del género, aquí unos avances.

La Diligencia. (Stagecoach) John Ford, 1939
La iniciadora del western moderno arranca el ciclo el lunes 11 (las siguientes aparecen como se irán presentando en los días sucesivos), con John Wayne en una de sus mejores películas

Vera Cruz (Vera Cruz) Robert Aldrich 1954
Polémica cinta que aborda un tanto a la ligera un pasaje de la historia mexicana, pero bueno, qué más se puede esperar de un género plagado de clichés y prejuicios. Aquí vemos a Gary Cooper y Burt Lancaster demostrando puntería ante el mismísimo Maximiliano de Hasburgo

Los siete magníficos (The magnificent seven) John Sturges Yul Brinner; Steve Mc Queen; Charles Bronson; James Coburn y Eli Wallach en una adaptación al oeste de Los siete samurais, de Kurosawa, ¿Qué más se le puede pedir a la vida?

El bueno, el malo y el feo (Il buono, il brutto, il cattivo) Sergio Leone, 1966

Obra maestra. El mejor score de la historia. Piedra angular. Clint Eastwood.

La pandilla salvaje (The wild bunch) Sam Peckinpah, 1969

Peckinpah cambió el concepto eterno de buenos vs. malos por el de malos vs. muy malos con esta hermosa sinfonía de metralla.

Un hombre llamado caballo (A man called horse) Elliot Silverstein, 1970
Y cuando comenzó el declive del género se dio por experimentar, aquí vemos a Richard Harris como un hombre blanco que llega a ser jefe de la tribu Sioux.

Silverado (Silverado) Lawrence Kasdan1985 Kasdan de plano optó por hacer un espectáculo estilo Lucas y Spielberg para tratar de revivir al western con esta cinta.

3 Iron, el espíritu de la pasión

2008-08-04T23:33:00.000-05:00

Un día entro en una casa vacía.Parece que nunca haya estado nadie, así que me desnudo, me baño, preparo la comida, lavo la ropa, arreglo una báscula de baño y juego al golf en el jardín de la casa.En la casa hay una mujer desanimada, asustada y herida, que no sale nunca y que llora.Le muestro mi soledad. Nos entendemos sin decir ni una palabra, nos vamos sin decir ni una palabra.

El silencio es una vía espléndida para decir lo que sentimos con el cuerpo, quizá suene algo trillada la frase, pero no por ello deja de ser cierta, y es más, expresarlo para otros a través del arte no es nada sencillo. Kim Ki Duk lo ha logrado, con creces.
Tae-Suk, asceta contemporáneo, vive en hogares vacíos sin permiso de los propietarios, fantasma silente que en retribución al hospedaje y alimentación que recibe de sus insospechados anfitriones repara los pequeños desperfectos del hogar. Hay una casa distinta, más grande y aún llena de objetos que sin embargo se siente más vacía y no está sola. Ahí se encuentra Sun-Hwa, ex modelo de rostro golpeado, fantasma de su propio hogar, donde es notable que estalla frecuentemente la violencia. Se encuentran y lo saben, habrán de irse juntos, en silencio, sin plan alguno. El amor, no obstante y como es sabido, queda vedado tras sellar el compromiso en los papeles con los que la sociedad otorga posesión de la pareja. Ella debe volver, él deberá encontrar la manera de estar juntos de nuevo.
Contrario a lo que sucede en el resto de la filmografía de Kim Ki Duk, me parece que aquí la alegoría se ve minimizada ante la contundencia de una historia prácticamente muda; ponerse a reflexionar en torno a la soledad, la incomunicación, el vacío interno de las sociedades industriales, es francamente una pérdida de tiempo frente a la elocuencia y el espíritu decididamente amoroso de la historia, incluso y contrario también al resto de sus trabajos, el amor no es tan brutalmente imposible como en Bad Guy (Nabbeum namja, 2001), Cocodrile (Ag-O, 1996) o La isla (Seom, 2000), donde la desolación es total. No quiero decir con ello que se trate esta de un amor triunfante y claro al estilo Hollywood. Para nada. Es sólo que aquí los obstáculos no importan. Sun-Hwa es un lago apacible, Tae-Suk como la luz que se posa ahí para crear armonía.
La historia, según cuenta el propio director, se le ocurrió cuando al quitar unos folletos de la puerta de su casa imaginó que aquellas donde se acumulan deben ser casas vacías y ello lo llevó a pensar en una persona muy solitaria. Tras esta idea, y para gozo anecdótico de los críticos que lo idolatran, escribió el guión en un mes, filmó en un par de semanas y editó en tan sólo diez días. Cierto o no, logra una película minimalista y a un tiempo monumental en su realización, el surcoreano brinda con esta una lección más de las posibilidades contemporáneas del lenguaje cinematográfico y la forma en que su país mantiene la vanguardia.

Uno de los dos se queda en una casa hecha de nostalgia.El otro aprende a convertirse en un fantasma para esconderse en el mundo de la nostalgia.

Esta cinta es bastante sencilla de conseguir, pues dado el éxito que ha alcanzado el director llegó incluso a las salas de cine mexicanas y de ahí al video, en eMule se consigue también, pero no se ve de entrada alguna versión subtitulada (aunque cuando vean la cinta sabrán que eso ni es de tanta importancia). Las frases en cursivas corresponden a La casa vacía, texto escrito por Kim Ki Duk en 2004.

3 Iron, el espíritu de la pasión (Bin Jip, Corea del sur, 2004)
Dirección y guión: Kim Ki-duk. Fotografía: Jang Seung-baek.
Montaje: Kim Ki-duk.
Música: Slvian. Producción: Kim Ki-duk. Con: Lee Seung-yeon (Sun-hwa), Jae Hee (Tae-suk), Kwon Hyuk-ho (Min-kyu), Joo Jin-mo (Detective Cho), Choi Jeong-ho (Funcionario de prisiones), Lee Dah-hae (Ji-eun), Park Dong-jin (Detective), Moon Sung-hyuk (Sung-hyuk), Park Jee-ah (Jee-ah).

Batman: El caballero de la noche

2008-07-22T01:04:00.000-05:00

El problema con las adaptaciones de Batman es que no se ha explorado la tremenda complejidad del personaje. Pero eso no es un secreto, como tampoco lo es que nunca veremos en la pantalla grande una adaptación fiel de las mejores novelas del personaje, como La broma mortal, Muerte en la familia, Asilo Arkham, Año uno o El regreso del caballero nocturno. Ahora hay otra verdad: si existe la justicia, Batman, el caballero de la noche, debe marcar la pauta para que las películas de superhéroes sean tomadas en serio y participen en festivales importantes en competencia y no como meros estrenos de parafernalia.
En 1986, Frank Miller contribuyó a cambiar la historia del comic definitivamente y consagrarlo ante el público general con la aparición de la miniserie El regreso del caballero nocturno, que nos presentaba a un Bruce Wayne cincuentón que al darse cuenta del estado de violencia que vive Ciudad Gótica decide ponerse de nueva cuenta el traje de Batman tras 10 años de ausencia (En una de mis secuencias favoritas, el anciano murciélago le pone la golpiza de su vida al nerd de Superman), lo cual resulta en una historia trepidante y brutalmente emocional que no encontrará igual en mucho tiempo.
Ahora, en 2008, Christopher Nolan consigue lo que anteriormente sólo se había deseado: dar un status serio a una película de adaptación de historieta, sub género que ha sobrevivido con mucha más pena que gloria en la industria cinematográfica y que –hay que decirlo- en este año ha contado con dos grandes pilares que son Iron man y Hulk. Sin embargo, Nolan se lleva la temporada y el año.
Plena en virtudes es muy complicado hallar una falla en la cinta: el guión está perfectamente estructurado; las actuaciones son un tour de force como pocas veces se ha visto; la fotografía dramatiza y se mete más allá de los ojos; la edición da los tonos precisos en una bomba de tiempo que arranca desde el minuto cero de la película; el diseño de arte es tremendo (Los espacios abiertos, la noche, los grandes ventanales, la Ciudad Gótica modernizada); la dirección es minuciosa al extremo delirante del propio personaje del murciélago. Es, en resumen, la obra maestra del comic llevado a la pantalla grande. ¿Peros? Con gusto los discutimos. Para mi, esta es la película del año.

Batman, el caballero de la noche (The dark Knight)
Dir: Christopher Nolan, USA, 2008
Guión: Jonathan & Christopher Nolan
Fotografía: Wally Pfister
Edición: Lee Smith
Música: James Newton Howard & Hans Zimmer
Con: Christian Bale (Batman-Bruce Wayne); Heath Ledger (Joker); Aaron Eckhart (Harvey Dent); Michael Caine (Alfred Pennyworth); Maggie Gyllenhaal (Rachel Dawes); Gary Oldman (Tte. James Gordon); Morgan Freeman (Lucius Fox)

Watchmen, trailer 1

2008-07-22T00:35:00.000-05:00

En 1986 tres acontecimientos cambiaron para siempre la industria del comic: la conclusión de Crisis en las tierras infinitas, de DC Comics, la publicación de El regreso del caballero nocturno, de Frank Miller y la epifánica aparición de Watchmen, de Alan Moore.
Ganadora del premio Hugo -uno de los más prestigiados para literatura de ficción-, enlistada entre las 100 mejores novelas de 1923 a la fecha en lengua inglesa, ganadora de cuatro premios Eisner (el más importante en el mundo de la historieta) más un montón que se siguen acumulando y reconocida por la crítica como una de las piezas fundamentales del noveno arte.
Zack Snyder, quien con tan sólo dos cintas (El despertar de los muertos y 300) ya se ganó el título de director de culto, se ha encargado de realizar la adaptación cinematográfica de esta joya, que será estrenada el 6 de marzo de 2009.
¿Qué más se puede decir? Que lo disfruten.

Hellboy II

2008-07-15T23:34:00.000-05:00

Soy un fan de Guillermo del Toro. Desde Cronos, su ópera prima, que me parece lo mejor y única trascendente de esa superflua y sobrevalorada etapa que se dio en llamar Nuevo cine mexicano. Su manera de abordar las historias, la imaginería para la creación de mundos y seres fantásticos es algo que en verdad me satisface como espectador. Pero todo tiene sus límites, y Hellboy II es uno de ellos.
Dicho sea de paso, también soy fan de Mike Mignola, el creador de Hellboy, un autor que es tan bueno para escribir historias como para ilustrarlas y aparte del enorme demonio rojo, ha entregado comics excelentes con personajes como Diabólico, Wolverine y Batman como protagonistas.
Hellboy II, El Ejército Dorado supone, sin embargo, una decepción si tomamos en cuenta la trayectoria de ambos creadores. Contrario a la espléndida primera parte -considerada como de las más fieles adaptaciones del comic al cine-, en esta todo se vuelve flojo a excepción del aspecto visual, que continúa siendo una maravilla. Por eso me sorprenden las reseñas que he encontrado hasta ahora, que en más del noventa por ciento se dedican a alabar de la cinta méritos que sinceramente no encuentro, incluso el tema de la paternidad, presente en toda la filmografía de Del Toro, es abordado aquí de una manera ramplona.

Se trata del mismo equipo creativo, en el que se encuentran muchos nombres importantes y probados del cine en general, ¿Qué diablos pasó entonces? No se, una serie de cosas debieron conjuntarse para que todo se vea flojo, frágil, desganado. Las caracterizaciones de los personajes principales (En particular Abe Sapien y la pistola El samaritano) se modificaron para mal, pese a que, como lo mencioné líneas arriba, todo lo que envuelve al aspecto visual es lo más logrado y quedarán para la memoria el Mercado Troll, el duende sin piernas y el ángel de la muerte. El villano de la cinta, Nuada y su hermana Nuala (obvia referencia a la serie de comics Sandman, de Neil Gaiman) parecen como integrantes de un grupo Goth, el Hellboy niño es horrendo y la historia, que pretendía integrar mitos y leyendas de diversas partes del mundo, así como la literatura de Lord Dunsany, no termina nunca de amarrarse ni contiene un sólo punto climático. Eso si, hay mucha acción, pero ojo, eso no implica clímax de ninguna manera.
Hace poco me enteré también que Jesús Ochoa haría el doblaje de la voz de Hellboy en español con cierto toque norteño, lo cual me horrorizó por la simple idea, aunque luego de ver la película comprendí que eso fue completamente apropiado, pues al parecer Mignola y Del Toro decidieron dejar atrás el humor negro del comic original para emparentarlo con el humor de la barra de comedias de Televisa. Pero al espectador simple seguro le agradará eso.
Me sabe amargo el resultado y me quita las ganas de que se realice una tercera parte. Al mismo tiempo debo señalar que no pierdo en absoluto mi fe en Guillermo del Toro y se que pronto habrá de darnos una buena nueva que hará olvidar este tropezón en su carrera.

Persépolis

2008-05-28T09:34:00.000-05:00

Los comics autobiográficos o vinculados a una experiencia real de su creador regularmente nos conducen por caminos tortuosos y expiatorios, pero suelen también ser –cuando son bien realizados- bastante gratos por la manera en que evocan situaciones que pueden remitirnos a experiencias propias.
En Persépolis, Marjane Satrapi muestra su vida a partir del ambiente revolucionario de Irán durante su infancia, mientras explotaba la revolución islámica, pasando por su adolescencia en Viena, el regreso a casa en un país totalmente ajeno y la vuelta al exilio en los años 90. El comic se publicó en cuatro tomos que recibieron ovaciones por parte de la crítica especializada y trascendieron más allá del círculo del arte secuencial, de manera que en 2007 la autora junto a Vincent Paronnaud, también autor de comics que ya había incursionado tras la cámara con el cortometraje Raging Blues, de 2004, realizó una adaptación cinematográfica poderosamente conmovedora de su obra.
Bastante apegada a la estética de la novela gráfica, la cinta ofrece una riqueza visual que impresiona por su sencillez de blanco y negro casi en alto contraste con algunos toques más bien de la técnica del aguado en tinta y tres hermosas escenas a color que nos conducen al pasado de la historia. Estéticamente no se le puede criticar nada.
De igual manera el guión se va desenvolviendo con una ligereza natural que nos hace sentir verdaderos testigos extradiegéticos en la vida de Marjane, desde la pequeña fanática de Bruce Lee que gritaba consignas contra el Sha hasta la bella mujer melancólica en que se transforma hacia el final; aunque quien le busque podrá encontrar aquí un vago argumento para criticar dadas las múltiples referencias pop ochentenas que envuelven a la vida de la protagonista. Cosa menor y, a mi gusto, plenamente justificada.
Las traslaciones de novela gráfica a la pantalla grande, por otro lado, han tenido pocos encuentros afortunados hablando del contexto integral de la obra, me parece que desde Ghost in the shell 2: Innocence, de Mamoru Oshii (2004) no veía algo que englobara lo mejor de ambas artes. Habrá quien lo tome a exageración pero sí, me parece una obra maestra en todos los sentidos, hay que verla para ver si comparten esta idea.

Persépolis compitió este año por el Oscar contra buenas cintas animadas y finalmente fue vencida por la también muy disfrutable Ratatatouille, a pesar de ello los lerdos distribuidores no le han dado un espacio para corrida comercial en México, pero afortunadamente está incluida dentro del circuito del foro de la Cineteca, que en San Luis Potosí se presentará del 13 al 24 de junio.

Para quien se interese en la novela gráfica, esta fue editada en español por Norma (en España) y para saber más de la novela y la cinta les recomiendo visitar la Guía del comic, la página oficial de la película, y los clásicos Wikipedia e IMDB.

Y si se clavan en los comics autobiográficos, definitivamente no deben dejar de buscar Maus, de Art Spiegelman; Our Cancer Year, de Harvey Pekar , I never liked you, de Chester Brown o Safe Area:Gorazde de Joe Sacco.

La película la pueden conseguir además de con su pirata “de arte” de confianza, en e-Mule, donde hay una versión bastante buena doblada al español de España y en Amazon con el audio original que incluye las voces de Chiara Mastronianni y Catherine Deneuve.

Finalmente, les dejo una página de la historieta, el cartel original y

Una secuencia breve pero maravillosa: uno de los encuentros de Marjane con el Dios que tiene cara de Carlos Marx.

Flores rotas

2008-03-11T08:47:00.000-06:00

Si habláramos de un tema recurrente en la filmografía de Jim Jarmusch, seguramente este podría ser la incapacidad de sus personajes para establecer una comunicación interpersonal dentro del rango de lo normal. Desde su primer trabajo, el cortometraje Permanent vacation (1982), cuando el personaje principal declara "'Para mí, la gente que conocí es como una serie de habitaciones, como todos esos lugares donde pasé un tiempo. Entras en ellos por primera vez, tienes curiosidad por el cuarto, una lámpara, un televisor. Pero en cualquier momento, aparece este miedo, un miedo creciente... Todos estamos solos, por eso lo dejo irse", establece esta imposibilidad, misma que utiliza también para hablar metafóricamente de su país, los Estados Unidos.

Ambos puntos aparecen de nuevo en su película, Flores rotas (Broken flowers, 2005). Esta cinta narra la historia de Don (Bill Murray), un solterón que recibe de imprevisto una carta anónima donde se le informa que tuvo un hijo, actualmente de 19 años, que lo está buscando. A partir de aquí inicia un viaje impulsado por su vecino, detective aficionado, recorriendo el país para visitar a cuatro ex amantes (Jessica Lange, Sharon Stone, Frances Conroy y Tilda Swinton) a fin de solucionar el misterio.

En muchas sinopsis disponibles en internet se puede ver a este filme clasificado como “comedia romántica” y tal vez por ello y la presencia de varias estrellas haya alcanzado distribución comercial en México, lo que no había sucedido con las anteriores películas de Jarmusch. El hecho es que clasificar su obra es un error por completo. A lo largo de su filmografía se ha podido observar como el tono siempre mantiene rasgos de algún o algunos géneros en específico, su estilo sin embargo -siempre con un ligero toque de comedia amarga y melancólica espiritualidad- nunca se ha permitido la exploración de un solo género.

De esta manera, el viaje emprendido por Don es evidentemente el viaje iniciático de las road movies (Don finalmente decide emprenderlo como una cuestión instrospectiva tras su reciente rompimiento sentimental y tal vez como un paliativo a la profunda soledad que lo embarga), pero tampoco se queda encuadrada en los cánones del género. Como siempre sucede también en sus obras, ya hay varias críticas donde se acusa a Flores rotas de inconsistencias en la historia por cuestiones contradictorias en el argumento, lo cual indica que quien opina eso no se da cuenta que en el cine siempre es necesaria la "voluntaria suspensión de la incredulidad" de la que hablaba Coleridge a fin de disfrutar a plenitud una película exquisita como esta.

No por nada, una periodista norteamericana escribió acerca de Jarmusch "Es su interpretación irónica de los más grandes mitos norteamericanos (la conquista del oeste en Dead Man, Elvis Presley en Mystery Train, Norteamérica como la tierra prometida en Stranger than Paradise, Hollywood en Night On Earth) lo que distingue a Jarmusch de otros cineastas independientes y lo hace más querido a los ojos de sus fans. De todos los cineastas contemporáneos, Jarmusch tiene la sensibilidad global más consistente, y la menor reverencia por el patriotismo o nacionalismo”.

La secuencia de Don abandonado y la aparición de la carta rosa

el trailer original de la película

Flores rotas

Dir. Jim Jarmusch. USA, 2005.

Fotografía: Frederick Elmes.

Edición: Jay Rabinowitz.

Música: Mulatu Astatke.

Con: Bill Murray (Don Johnston), Jeffrey Wright (Winston), Sharon Stone (Laura), Frances Conroy (Dora), Jessica Lange (Carmen), Tilda Swinton (Penny), Julie Delpy (Sherry), Christopher McDonald (Ron), Chloë Sevigny (Asistente de Carmen), Mark Webber (El chico).

Un entremés

2008-03-05T12:12:00.000-06:00

En tanto desahogo un poco mis actividades para ponerme a corriente con el blog, les dejo los trailers de algunas películas próximas a estrenarse en México que han recibido poca difusión y sin embargo valdría la pena ver. Que los disfruten

I'm not There
Dirigida por Todd Haynes, quien ya ha demostrado su capacidad para llevar historias centradas en músicos a la pantalla con la genial Velvet Goldmine. En esta 6 actores, incluída Cate Blanchett, interpretan igual número de pasajes -reales y ficticios- de la vida de Bob Dylan. Se supone que ya deberían haberla estrenado, pero bueh, ya saben, las infames distribuidoras...

El año en que mis padres se fueron de vacaciones
El cine brasileño sigue sorprendiendo con cintas de una calidad que deja muy por atrás a la mayor parte de la producción del continente; en este caso con una cinta de diversión y emotividad al por mayor acerca de un pequeño abandonado en un barrio judío en 1970, época en que la vida de los brasileños tenía dos preocupaciones centrales: la dictadura y el mundial de futból. Imprescindible.

Cassandra's dream
La nueva película de Woody Allen, con decir eso debería bastar como recomendación pero habría que agregar que el Maestro vuelve por sus fueros. Dos versiones de trailer, una doblada al español y otra en el original en inglés para los que como yo, piensan que el doblaje es un atentado contra la obra artística.

Persepolis
Persepolis de hecho va a ser motivo del próximo post, en tanto los dejo con uno de los trailers para que vayan apreciando la majestuosidad de esta cinta animada.

Midnight meat train
Ryuhei Kitamura, director de Azumi y Versus, adapta el cuento homónimo de Clive Barker en su primera incursión hollywoodense, el trailer y los comentarios previos, así como el rango de culto que han alcanzado las dos películas mencionadas parecen augurar una buena cinta de horror.

Tle Go Master

2008-02-19T23:55:00.000-06:00

Pues el trabajo y demás ocupaciones me han dejado poco tiempo libre, pero no qusiera dejar de recomendar esta cinta de Tian Zhuangzhuang, a mi gusto la mejor de las programadas para la 49a edición de La Muestra Internacional de Cine de la Cineteca.

Reproduzo a continuación el artículo que a propósito de la película escribió Carlos Bonfil para La Jornada

Go es el nombre de un juego de mesa que se perfecciona en Japón desde 1880, recuperando una tradición milenaria del sudeste asiático, en particular de China, donde se le conoce como weiki, una estrategia de asedio en el que se disponen sobre un tablero pequeñas piezas ovaladas, blancas y negras, con el propósito de ganar terreno al adversario, rodeando sus piezas para limitar sus jugadas. Un juego de concentración que involucra a dos personas y que es el equivalente oriental del ajedrez. The go master (El maestro del go), la cinta más reciente del realizador chino Tian Zhuangzhuang (El papalote azul, La primavera de una infidelidad), relata la vida de Wu Quinyuan, maestro indiscutible de este juego, quien aparece nonagenario en el prólogo de la película, para ser luego encarnado como jugador joven por el estupendo actor chino Chang Chen (Happy together, de Wong Kar Wai).
A los cinco años Quinyuan se revela en China como un niño prodigio capaz de entender y dominar las técnicas elementales del juego. Un año después, en 1920, su familia lo lleva a Japón, donde pasará largas décadas de su existencia perfeccionando su arte de jugador, aun cuando un accidente en 1945 compromete seriamente su destreza. Aunado a este percance el filme refiere las penurias de Wu, su larga enfermedad (tuberculosis crónica), sus discrepancias con jugadores ortodoxos que no aceptan modificación alguna a las reglas ancestrales, y sobre todo su conflicto de tener como patria adoptiva a la nación expansionista nipona que a finales de los años 30 ocupa militarmente la región norte de su país natal.
The go master es a la vez el retrato del jugador magistral y también una crónica de la turbulencia política entre Japón y China, misma que se prolonga hasta los años de la Segunda Guerra Mundial. El director elige, sin embargo, concentrar su exploración en la personalidad de un hombre empeñado en dominar al máximo el arte del juego, como si al hacer este énfasis en la perseverancia y el compromiso artísticos aludiera a los años de silencio (casi una década) que siguieron a la prohibición por las autoridades chinas de su propia cinta, El papalote azul.
La manera en que el realizador elige ahora un estilo casi minimalista y un tema no para todos atractivo muestra que los años de aparente inactividad no menguaron en nada su creatividad ni su audacia expresiva. The go master es una película contemplativa que de ningún modo intenta iniciar a los espectadores en la afición por el juego de go, sino, de manera más interesante, tomar este juego como pretexto para describir el itinerario sicológico y moral de Wu, el jugador artista, y sus estratagemas para colocarse por encima de contingencias políticas y adversidades que podrían haber destrozado una existencia más frágil que la suya. Una escena elocuente muestra a los jugadores de go sacudidos por las reverberaciones de la explosión atómica en Hiroshima. El maestro que vigila la disciplina en las jugadas permanece imperturbable, ajeno casi al desastre circundante. La escena, tal vez excesiva, es posiblemente la que mejor ilustra el rigor de la dedicación artística. Éste es el asunto central en la nueva cinta de Tian Zhuangzhuang, y también su apuesta más arriesgada.
Carlos Bonfil

The Go Master
Dir. Tian Zhuangzhuang, Japón-China, 2006
Guión: Ah Cheng.
Fotografía: Wang Yu.M: Zhao Lin.E: Yang Hongyu.
Con: Chang Chen (Wu Qingyuan), Sylvia Chang (mamá de Shu Wen Wu), Itou Ayumi (Kazuko Nakara), Ayumi Ito (Ankara Kazuko), Akira Emoto (Kensaku Segoe), Nishina Takishi (Minoru Kitani), Xin Baiqing (Wu Yan).

...Era de Nogal el Santo

2008-02-06T00:22:00.000-06:00

Cuando se habla de la filmografía de Santo, el Enmascarado de Plata, es casi obligatorio mencionar un puñado de títulos que son considerados como los clásicos, mientras que el resto de las cintas del legendario luchador mexicano es relegado a funciones furtivas en la televisión, con lo que la apreciación del público en torno a la figura se ve muy limitada. Dos de estos títulos medio olvidados son los que hoy nos ocupan: Santo contra Capulina y El Hacha Diabólica.

La constante presencia de Carlos Suárez como “secretario” del enmascarado conformaba la parte cómica de sus aventuras, pese a su fisonomía y pasado como luchador, Suárez cumplía el papel del patiño temeroso, glotón y torpe que buscaba motivar la risa del respetable. A fines de los años sesenta, cuando se comenzó a estilar el incluir otra figura del cine o la televisión como refuerzo para asegurar la taquilla en las películas de luchadores, Santo recibió la oferta de trabajar con uno de los cómicos más exitosos de México, Gaspar Henaine, Capulina, cuyo humor se basaba en parecer infinitamente tonto pero noble, el resultado final fue una psicotronía delirante llamada Santo contra Capulina.
La película, dirigida por René Cardona padre con guión de Alfredo Zacarías, es un completo homenaje al desparpajo. Zacarías, guionista habitual de Capulina, escribió una historia en la que el comediante lleva ventaja protagónica al grado que Santo ni siquiera se ve luchando arriba del ring, como era costumbre (!), y su rol es más cercano a un detective policiaco cuya investigación lo lleva a enredarse en el camino de Capulina, un velador desobligado que por quedarse dormido en su trabajo no se da cuenta de un robo en proceso que, obviamente, es detenido por intervención de Santo. Resulta que los ladrones querían llevarse un par de cajas con vajillas que entre la cerámica escondían un cargamento de diamantes (¡!). Después, Santo es tentado por una hermosa mujer en bikini que resulta ser un robot explosivo, igual que un luchador que en el gimnasio parece invencible y Capulina, que es suplantado por un robot hasta que el verdadero Capulina lo descubre y se hace pasar por el robot (¡¿!?) y… bueno, al final ganan los buenos.

Mucho más seria en contenido es El Hacha Diabólica, dirigida por José Díaz Morales –cuya extensa filmografía no guarda nada memorable salvo las películas que hizo con Santo- a partir de un guión de Fernando Osés, el verdadero genio tras el cine de luchadores en general y las cintas del Santo en particular. La historia que se relata es de corte gótico, o más bien, en la mejor tradición de las Leyendas de la Colonia, con un aire de maldad satánica e inagotable amor a través de los siglos. En medio de una lucha contra el temible Lobo Negro, Santo es atacado en pleno cuadilátero por un enmascarado que porta un hacha y antes de verse rendido desaparece ante los ojos del aterrado público y nuestro desconcertado héroe. Como los ataques prosiguen, el Enmascarado de Plata consulta al Doctor Zanoni y entre ambos develan una parte escondida del origen del traje y la máscara de plata, pero para ir a fondo el Doctor envía a Santo al siglo XV, donde descubrimos que en el fondo de la historia se encuentra el amor que tanto el antepasado del Santo como el encapuchado negro sienten (¿y quien no?) por Lorena Velázquez, quien interpreta a Doña Isabel de Arango. Cuando esta niega sus favores al oscuro caballero, este invoca al demonio Ariman, quien le concede poderes oscuros para derrotar a su enemigo, en tanto que el caballero bueno acude con el sabio Abraca (tienen que ver la escena incluida en esta entrada), quien lo aprovisiona del traje y máscara plateada. El Encapuchado Negro secuestra a Doña Isabel y Santo no consigue rescatarla con vida, por lo que decide retirarse a la vida monacal (Cómo le hace entonces para tener descendencia es un misterio sicalíptico que aquí no nos toca descifrar). De regreso al presente, la novia del actual Santo también ha sido secuestrada y al ir a su rescate tenemos el encuentro final, que verdaderamente es de antología, supongo que no hace falta decir quien triunfa.
Las mujeres vampiro; El Tesoro de Drácula; Las momias de Guanajuato son tal vez los primeros títulos que nos vienen a la mente cuando nos preguntan por películas del Profe, pero vale la pena rescatar del olvido el resto de sus filmes como merecido homenaje al único superhéroe de carne y hueso que ha conocido este mundo.

El Hacha diabólica se puede conseguir en eMule y probablemente aún se encuentra una edición (gringa al parecer, para variar) en DVD, Santo contra Capulina fue editada hace poco por Laguna Films y viene en doble presentación con Santo contra los cazadores de cabezas.

El blog Pan y cine contiene sinopsis y comentarios de un amplio número de películas del Santo. En La tetona de Fellini hay un excelente artículo sobre el cine del enmascarado y hace un tiempo escribí una exposición de motivos donde justifico porque Santo debería estar en la Rotonda de los Ilustres.

El Hacha Diabólica. México, 1964
Director: José Díaz Morales
Guión: Fernando Osés y Rafael García Travesí
Con: Santo, el Enmascarado de Plata; Lorena Velázquez (Isabel de Arango); Fernando Osés (Encapuchado Negro); Mario Sevilla (Abraca. Dr. Zanoni)

Santo contra Capulina. México, 1968
Director: René Cardona
Guión: Alfredo Zacarías
Con: Santo, el Enmascarado de Plata; Gaspar Henaine Capulina (Capulina); Crox Alvarado (jefe de policía); Carlos Agosti (Cedric); Liza Castro (hija del científico); Nathanael León Frankestein (Ladrón); Juan Garza (Ladrón)

El Orfanato

2008-01-28T11:47:00.000-06:00

Muchos años después, Laura regresa a vivir a la casona que en su niñez era el orfanato donde pasó sus primeros años, con la idea de convertir el lugar en una casa de ayuda a niños con discapacidad. Junto a su esposo han adoptado a un niño, Simón, solitario pero con una enorme imaginación que juega con amigos invisibles con los que pronto se irá. Laura emprende entonces una búsqueda desesperada por su hijo, convenciéndose cada vez más que a Simón no hay que buscarlo en este plano existencial, sino en uno distinto, ajeno a nosotros.
La ópera prima de Juan Antonio Bayona resulta sorprendente por varios motivos, aunque destaca la enorme capacidad demostrada para narrar la historia, que no es común en un primerizo, la búsqueda por mantener la anécdota en un plano realista con una capa de acciones sobrenaturales que no llegan a mezclarse del todo le da como resultado una cinta de terror que no sustenta la emoción en el público a partir de “sustos”, sino por la conjugación de elementos.
De hecho los momentos de espanto repentino son muy pocos, el miedo del espectador comienza a gestarse desde el inicio, con un ritmo lento que sin hacer mucho ruido nos va despojando de la tranquilidad hasta dejarnos en un estado de angustia permanente; el sentimiento crea a la vez una fuerte empatía con la madre en busca de su hijo, por lo que la dosis de drama es de una melancolía oscura con apenas un tinte de esperanza.
Y es que finalmente la historia se sustenta con base en el miedo de los personajes a la soledad y a las ausencias, no a amenazas sobrenaturales pese a que en cierta manera se puede encasillar a la película dentro del subgénero de fantasmas. De hecho, el propio director ha comentado que al realizar la película quiso distanciarse de los clichés del horror y contar la historia bajo otra influencia –él mismo cita a Polanski, por ejemplo- más europea, encaminada a lo que en este lado del mundo se da por llamar “cine de arte”, lo cual es notable desde los aspectos técnicos y los recursos narrativos, con todo y que la resolución final nos deja un cierto sabor oriental, particularmente a Dark Water, de Hideo Nakata.
Con El Orfanato se viene a enriquecer de manera importante la producción española de cine de horror, que si bien no es grande, cuenta con exponentes serios y habilidosos, como el catalán Jaume Balagueró; el terrible Nacho Cerdà; viejas glorias como Jorge Grau, Paul Naschy (Jacinto Molina) y Jess Franco, e incluso la exportación mexicana de Guillermo del Toro, que por cierto funge como productor ejecutivo de El Orfanato. Ojalá que siente bases, ya que se ha convertido en la segunda película más taquillera de España, sólo superada por Los Otros, de Alejandro Amenábar, resta esperar que los productores del país tomen nota y apoyen la producción de más cintas del género.
Por cierto, supongo que las nominadas a mejor película extranjera en los premios Oscar de este año son obras portentosas, ya que El Orfanato se quedó en la etapa de preselección y en verdad es una pequeña joya, habrá que verlas.

Se puede conseguir una versión malona en eMule, pero aquí si vale la pena esperar a que la programen en nuestra ciudad, el lanzamiento en DVD…y el predeciblemente inútil e insulso remake gringo.

Aquí les dejo una escena de la película:

El Orfanato. España, 2007
Dirección: Juan Antonio Bayona
Guión: Sergio G. Sánchez.
Producción: Joaquín Padró, Mar Targarona y Álvaro Augustín.
Producción ejecutiva: Guillermo del Toro.
Música: Fernando Velázquez.
Fotografía: Óscar Faura.
Montaje: Elena Ruiz.
Intérpretes: Belén Rueda (Laura), Roger Príncep (Simón), Geraldine Chaplin (Aurora), Fernando Cayo (Carlos), Mabel Rivera (Pilar), Montserrat Carulla (Benigna),Edgar Vivar (Balabán), Andrés Gertrudix (Enrique).

Farewell, Vampira

2008-01-13T23:22:00.000-06:00

El pasado 10 de enero falleció Maila Nurmi. Quizá a muchos no les suene el nombre, pero seguramente la han visto a ella o alguna de las incontables imitaciones del personaje que la hizo famosa, Vampira, todo un icono pop a partir de mediados del siglo XX.

Modelo de Man Ray, delirio de Ed Wood, amante de Orson Welles, inspiración de los Misfits, ¡ah Vampira!, te vamos a extrañar.

No escribiré mucho, pero si les doy algunos enlaces acerca de nuestra artista:

Pueden comenzar con un buen artículo de El blog Ausente

Una bonita galería en View Images

Obviamente, la ficha cinematográfica de IMDB

Y mi humilde contribución con la traducción del artículo sobre Maila en la Wikipedia

Finalmente, un par de videos, una edición de sus apariciones en Plan 9 from outerspace, de Ed Wood y un segmento de una entrevista donde Maila habla sobre Vampira

Dogma

2008-01-07T20:38:00.000-06:00

Si de pronto se me ocurriera comentar en una reunión que soy fan de una película de Ben Affleck muchos voltearían a ver inmediatamente en que nivel etílico me encuentro, y es comprensible, pues pocos saben que en 1999 el galán de Pearl Harbor y Armaggedon protagonizó al lado de Matt Damon y un extenso reparto que puede ser calificado como uno de los más acertados castings de fin de siglo (bueno, salvo el último personaje que aparece), una película de Kevin Smith llamada Dogma.
Cuando a la inefable iglesia católica le da por perseguir y satanizar una película, el resultado generalmente les es adverso, basta recordar el éxito sin precedente que alcanzó El crimen del padre Amaro (Carlos Carrera, 2002), sobrevalorada cinta que se convirtió en la más taquillera de México gracias a la campaña inquisitorial asestada en su contra por los altos mando católicos; desafortunadamente, con Dogma no sucedió lo mismo y la cruzada que le lanzaron en USA, más las amenazas del clero local fueron suficientes para desanimar a los torpes distribuidores nacionales a la idea de lanzarla en México.
La historia gira en torno a dos ángeles caídos en desgracia (Matt Damon y Ben Affleck) que se topan con la oportunidad de regresar al paraíso cuando un cardenal lanza en Nueva Jersey la campaña “catolicismo wow!”, con la cual pretende atraer más fieles bajo la promesa de limpiar todos sus pecados con el sólo hecho de entrar a la catedral de dicha ciudad. Sin embargo, si este par llegara a alcanzar la redención, por una paradoja la creación será destruida, así que un grupo formado por una trabajadora social que labora en una clínica de abortos (Linda Florentino), dos profetas guarros (Jason Mewes y el propio Kevin Smith, en sus clásicos papeles de Jay y Silent Bob) y el treceavo apóstol que acompañó a Jesús (Chris Rock) tendrán que detener los planes de los ángeles.
Si la premisa es extraña, la película entera es desquiciada, aunque para sorpresa de sus detractores religiosos, en ningún momento se lanza a la blasfemia fortuita y más bien aprovecha inconsistencias de la propia Biblia e hipótesis serias en torno al cristianismo para construir la historia, que, como suele suceder en las películas de Smith, es mejor en guión que en puesta en cámara. Efectivamente, la capacidad literaria demostrada por el director está por encima de sus dotes para el resto de los elementos que componen el lenguaje cinematográfico, y de esto se han pescado los críticos, que lo ven como otro inflado hijo del festival de Sundance.
Puede que tengan razón, pero en lo personal si veo una película de Kevin Smith no me importa si está realizada a base de planos y contraplanos estáticos en medium shot, sino la historia que está contando, es entretenimiento puro y basta.
Hay un montón de anécdotas en torno a esta película y a su alrededor se generó un enorme alboroto, de esta manera alcanzó el status de culto cuando en otras circunstancias probablemente se hubiera quedado en el recuerdo como una buena comedia y nada más. Finalmente, los caminos de la industria cinematográfica parecen ser más extraños que los del señor.

Lo único lamentable es que Holly Hunter y Emma Thompson no hayan podido participar en la cinta interpretando a dios y en cambio el papel le haya sido otorgado a Alanis Morrisete, ese si fue un error, y bastante espeluznante.

Al parecer no hay una buena versión de la película subtitulada al español en eMule, sin embargo es fácil de conseguir en Amazon y tiendas de costumbre, así como en Blockbuster.

Trailer original de la película

Dogma. (USA, 1999)

Dirección y guión: Kevin Smith.

Producción: Scott Mosier.

Fotografía: Robert D. Yeoman.

Edición: Kevin Smith y Scott Mosier.

Música: Howard Shore.

Intérpretes: Ben Affleck (Bartleby), Matt Damon (Loki), Linda Fiorentino (Bethany Sloane), Jason Lee (Azrael), Alan Rickman (Metatron), Salma Hayek (Serendipity), Jason Mewes (Jay), Kevin Smith (Silent Bob), Chris Rock (Rufus, el treceavo Apóstol)

Y para cerrar el año...

2007-12-12T23:26:00.000-06:00

Les dejo los cuatro trailers falsos de Grindhouse, de Tarantino y Robert Rodríguez, una genialidad que sólo se le podía haber ocurrido a este par, igual que tales películas imaginarias sólo pudieron ser producto de los directores tras los cortos, que los disfruten.
Er, bueno, esto le extrañará a los lectores fuera de México, pero es que los infelices distribuidores locales no se han dignado siquiera a anunciarla. Ahora si:

Empezamos con Don't, de Edgar Wright, el mismo de Shaun of the dead (y que ahora está rodando una versión del superhéroe de Marvel Ant Man):

Del Mismísimo Rob Zombie, creador de White Zombie e insistente cineasta de horror, una joyita (desde el nombre), Werewolf women of the SS, con todo y Nicolas Cage haciéndola de ¡Fu Manchu!

Manchadísimo (en todos los sentidos) Thanksgiving, el trailer de Eli Roth, creador de Hostal:

Y finalmente, Dany Trejo en un estelar interpretando de nuevo a Machete, cortesía de Robert Rodríguez, por cierto, esta si se va a convertir en un largometraje que será estrenado en 2008:

Y como regalo de fin de año...

2007-12-12T21:36:00.000-06:00

Los trailers falsos de Grindhouse, de la que seguro tienen ya noticia, son en realidad don pelis Death Proof, de Tarantino y Planet Terror, de Robert Rodríguez. En el inter de las dos, se proyectan estos trailers falsos. A los lectores que no radican en México les parecerá extraño la explicación siendo que la película ya fue estrenada en casi todo el planeta, pero los infelices mafiosos de las distribudoras locales no se han dignado en darle corrida en el país.

Los trailers son, al igual que las cintas, tributo a todos los géneros pojito de los años 70, geniales a más no poder.

Comenzamos con Don't (No), de Edgar Wright, el mismo director de Shaun of the dead (y que actualmente está rodando una versión del héroe de Marvel Ant Man):

Thanksgiving (Día de gracias), manchadísimo trailer de Eli Roth, el creador de Hostal:

Del mismísimo Rob Zombie, mandamás de White Zombie e incipiente cineasta dedicado al horror, Werewolf women of the SS (Mujeres lobo de la SS), con Nicolas Cage interpretando a ¡Fu Manchu!:

Y para concluir, Danny Trejo es por fin honrado con un estelar en el trailer de Machete, dirigido (al igual que el largometraje del mismo nombre que se estrenará en 2008) por Robert Rodríguez:

My Sassy Girl

2007-12-12T18:37:00.000-06:00

En su centésimo día juntos, Kyun Woo se adentra encubierto al colegio de mujeres, lleva grandes lentes oscuros, cubrebocas, gorra con la visera baja y una lonchera en la mano. Abre la puerta del auditorio y todas las presentes voltean a verlo, acrecentando su vergüenza. Entonces comienza a sonar el Cánon en Do mayor de Pachebel, Ella lo está interpretando. Kyun se descubre, saca una rosa de la lonchera y se acerca al escenario, sube y le entrega la flor a la joven, Ella la toma con una expresión de profundo amor melancólico, en una de las escenas más emotivas de My Sassy Girl.
Aunque a estas alturas ya suena más bien a lugar común decirlo, es innegable que hoy en día una de las cinematografías más interesantes, sanas y de mayor potencial es la de Corea del Sur, a pesar de que ello no sea algo que se sepa abiertamente por el gran público occidental y más específicamente por el americano, donde las cintas provenientes de este país aún llegan a cuentagotas, lo cual es una lástima.
La producción surcoreana resalta entre las cinematografías asiáticas porque, como no sucede en otra parte del mundo (mmm, no, creo que ni en la India), la gente consume principalmente el cine que se genera dentro del país antes que lo del resto del mundo, incluso por encima del cine de Hollywood. El por qué tiene una explicación complicada que no me voy a detener a analizar, pues requeriría de una labor enciclopédica, pero les recomiendo leer el artículo acerca del cine coreano actual que se publicó en el sitio dvdenlared donde se da un vistazo muy completo al tema; sin embargo, hay que destacar que dentro de ese éxito tiene una fuerte importancia la amalgama que los cineastas surcoreanos han hecho de los géneros tradicionales: yuxtapuestos, reinterpretados, mezclados, vueltos a inventar.
De esa manera, lo más fácil sería decir que My sassy girl es una comedia romántica y no se estaría muy equivocado en ese encasillamiento; sin embargo, el director Kwak Jae-young optó por contar una historia de amor usando elementos diversos con el fin de crear en cine una imagen más cercana a la crudeza de una relación humana a partir de la serie de cartas electrónicas en que Kim Ho-sik -el autor- relató su propia historia para después editarla en forma de libro, que por cierto se convirtió en best seller.
La película se divide en dos partes. En la primera conocemos el génesis de la relación entre Kyun Woo (Cha Tae-hyun) y la indescriptible mujer completamente alcoholizada que salva en una estación del metro, La chica alocada (así es más o menos la traducción) y sin nombre que se convertirá en objeto de su devoción. La fuerza de ambos personajes se deja sentir desde el inicio, de manera que el resto de los actores se convierten únicamente en resortes para potenciar las actuaciones de los protagonistas, quienes enfrentan un reto histriónico que de ninguna manera podrían ni siquiera pensar en desarrollar los actorcetes de las insulsas comedias románticas que nos recetan semana a semana las salas comerciales de esta parte del mundo. En tanto el carácter de Kyun Woo se va adaptando a la forma de ser de la mujer que ama a cualquier precio, la dama en cuestión tiene una gama de caracteres que bien puede abarcar un tratado de sicología descifrar, aunque una cosa es patente: es absolutamente adorable.
El maestro Georges Perrós escribió que amar es darle a alguien el derecho, cuando no el deber, de hacernos sufrir y eso es lo que hace el buen Kyun Woo. En la segunda parte la relación tiene una transformación importante y el tono de la película cambia en consecuencia, de una manera sutil, hacia el melodrama, pero el de altos vuelos, como ya no se hacen y todo ello sin perder el enfoque del público juvenil al cual está dirigida la cinta. Al final el director nos conduce por uno de los caminos más extraños del amor: el de las coincidencias. De pronto sucede que la mujer (o el hombre, según sus gustos) de nuestra vida ha vivido casi en la siguiente puerta y no la encontramos hasta un momento determinado en que irán surgiendo todas las anécdotas personales -y sin saberlo compartidas- que se conjugaron para el momento del encuentro. Pero bueno, ya no digo más o les voy a revelar la sorpresa, mejor disfrútenla por ustedes mismos.
Finalmente, la base de la historia en My sassy girl no es la coincidencia, aunque ella está presente de manera latente en la relación que entablan los protagonistas, el joven Kyun Woo y la hermosa mujer sin nombre, a partir de un coincidente –y poco ortodoxo- encuentro en el metro. Todo lo demás, es cine de la mejor manufactura.
Hollywood amenaza con estrenar un remake en unos meses, y dadas las malas experiencias con los refritos de películas orientales con que atacan nuestra inteligencia últimamente, lo más recomendable es aprovechar y ver la versión original, en eMule hay una buena versión con subtítulos en español y el director’s cut con subtítulos en inglés.

El primer encuentro de Kyun-woo y la hermosa joven sin nombre

My sassy girl (Yeopgijeogin Geunyeo). Corea del sur, 2001
Dirección: Kwak Jae-Young
Guión: Kwak Jae-Young, basado en el libro de Kim Ho-Sik
Producción: Chul Shin
Fotografía: Kim Sung-Bok
Música: Kim Hyun-Seok
Edición: Kim Sang-Beom
Con: Cha Tae-Hyun (Kyun-woo), Jun Ji-Hyun (Ella), Han Jin-Hie (padre de ella), Huyn Sook-Hee (la madre de ella), Kim In-Mun (el padre de Kyun-woo), Yam Geum Seok (tía de Kyun-woo)

La Tetralogía Taboada

2007-11-27T19:19:00.000-06:00

Cierro este primer ciclo de comentarios acerca del cine de horror y fantástico mexicano con una exploración de la tetralogía por excelencia en el país, las cuatro cintas de Carlos Enrique Taboada que le han dado una particular dignidad al género a pesar de la sempiterna condena de los críticos connacionales, históricamente predispuestos a destazar lo que no encaje con los cánones más estirados del quehacer cinematográfico, pese a que una somera vista histórica eche por tierra sus descalificaciones.
Taboada fue ante todo un prolífico guionista para cine y televisión –en esta última hay que destacar su labor para la serie de culto La Telaraña-, que exploró las profundidades del fantástico en guiones para cintas como los seriales sobre Nostradamus y El Testamento del Vampiro, de 1959 y El espejo de la bruja (1960), antes de dirigir su primer gran obra: Hasta el viento tiene miedo, de 1966.
La historia se desarrolla en un internado para señoritas a las afueras de la ciudad, donde un torreón cuyo acceso está prohibido a las alumnas se convierte en reto para Claudia (Alicia Bonet), quien ha tenido un sueño donde ve dentro de la torre el cuerpo de una joven llamada Andrea colgado de una viga. Una incursión furtiva al torreón es descubierto por la directora del colegio (Marga López), quien en castigo por infringir la restricción condena al grupo de muchachas a pasar en el internado el verano.
La estancia se va poniendo ruda en tanto que el fantasma de Andrea comienza a aparecerse cada vez con mayor frecuencia hasta tomar posesión de Claudia, quien servirá de vehículo para que el espectro cobre venganza en contra de la directora, que fue responsable de su muerte.
Con la primera incursión de Taboada como director en el género aparecen los elementos centrales de sus cintas de horror: los lugares cerrados y aislados donde el mal manifiesta; la cotidianeidad como fuente de lo maligno; la contraposición de la ciudad como espacio yerto y el campo como escenario posible de sucesos fantásticos y el espíritu gótico de las historias muy bien adaptado al contexto mexicano sin necesidad de folclorizar mitos universales. No se trata de una pieza perfecta, sin embargo contiene lo necesario para ser una gran película y sobre todo demuestra la enorme capacidad del realizador para crear miedo a partir de sus atmósferas con economía de elementos, por lo cual muchos tienden a calificarlo como minimalista.
Prescinde, como decía líneas arriba, de golpes efectistas y opta –tal vez por la escasez de recurso como uno de los motivos- por eludir efectos especiales y generar el miedo a partir de hechos que gradualmente se apartan de lo natural, de manera que el desasosiego del espectador se estimula para hacerlo presente durante largos periodos de tiempo, cumpliendo con el principal objetivo del género pese a que en la actualidad algunas de las situaciones ya no muevan al susto.

En 1968 estrena El libro de piedra, con Marga López repitiendo en rol estelar, sólo que en esta ocasión en el papel de heroína, como institutriz encargada de la pequeña Silvia (Lucy Buj), hija de un hombre acaudalado pero con poco tiempo para su heredera, a pesar de la ausencia de la madre recientemente fallecida. Julia (Marga) asume el lugar que le corresponde buscando mayor interconexión con la niña, pero esta se encuentra concentrada en su amistad con Hugo, compañero imaginario representado por una estatua colocada en el jardín de la casona que habitan. La relación de Silvia con Hugo se va fortaleciendo a medida que el ambiente se torna macabro y el final es un acto inesperado que de inmediato la coloca como obra de culto.
A diferencia de Hasta el viento…, El libro de piedra recibió críticas favorables pero pronto fue relegada, ahora es complicado encontrarla en tv o video con todo y que en el extranjero, particularmente en USA se le aprecie bastante. Se refuerza aquí el rol de la mujer como blanco de los hechos sobrenaturales, que bueno, ya de entrada es una característica del horror, y se integra la figura de los niños como vehículos de la oscuridad, técnica que años más tarde explotaría a un grado mayor.
El mismo año lanza La trinchera, película de revolucionarios contada a varias voces en la que un grupo de combatientes va narrando historias sobrenaturales mientras se reanuda el combate. Desafortunadamente el filme es muy difícil de conseguir y hay poca información al respecto, por lo cual no se podría integrar esta al grupo de películas fantásticas de Taboada sin resultar atrevido.
Para 1974 el cineasta se lanza de nuevo al ruedo con una película que está muy en deuda con los giallos italianos y su particular estilo de crear el suspenso, con todo y que es la más débil de la tetralogía: Más negro que la noche cuenta la historia de Ofelia, quien hereda la fortuna de su tía cumpliendo la única condición, que es vivir en casa de la difunta y cuidar de su amado gato. Ofelia acepta y se lleva consigo algunas amigas, pero la inesperada muerte del gato pronto convertirá el disfrute de la fortuna en una terrible pesadilla.
Es curioso decir que esta sería una obra menor por parte de Carlos Enrique cuando los elementos de la producción se ven mejor aprovechados que un sus anteriores cintas, tal vez sea debido a una menor intensidad en los momentos inquietantes. Lo cierto es que hay que destacar la manifestación tangible del espectro de la tía y su retrato insinuado a partir de gestos, pasos y ornamentos, tanto como un desfogue de erotismo más claro que el insinuado en Hasta el viento tiene miedo (bastante agradecible si tomamos en cuenta que en su tiempo las protagonistas, Claudia Islas, Susana Dosamantes, Helena Rojo y Lucía Méndez estaban de muy buen ver), lo cual también se convierte en un elemento para acendrar la victimización de las jovencitas –que es parte de la influencia del giallo- y las claras referencias literarias (Allan Poe en este caso, Henry James en El libro de piedra), que manifiestan la amplia cultura general que poseía el director.
Hubo que esperar después toda una década para que regresara tras las cámaras para contar otra historia de miedo, Veneno para las hadas, una magnífica fábula macabra con Ana Patricia Rojo en el papel de su vida como Graciela, la niña inteligente, malvada y de incipiente sensualidad convencida de ser una bruja que controla a la inocente Fabiola (Elsa María Gutiérrez) convenciéndola de que algunos sucesos misteriosos son obra de sus poderes. Para las vacaciones, Graciela prácticamente obliga a Fabiola a que la invite a pasarla en su casa de campo, donde preparará una pócima para acabar con las hadas, ya ahí, la situación de dominio se torcerá tanto como los acontecimientos hasta llegar a un desenlace tétrico.
Aquí ya la forma de tratar al cineasta fue muy distinta, el filme se llevó cuatro Arieles, incluidos los dos principales, mejor director y mejor película, aunque de nueva cuenta, su éxito mayor ha sido en el extranjero, donde es también objeto de culto. Con esta película Taboada cierra su ciclo como director en general, posterior a esta sólo destaca la mencionada etapa como guionista para La Telaraña, el resto de sus scripts son algo que sería preferible olvidar.
Para infortunio del cine, hay muy poca información sobre Carlos Enrique Taboada y su obra, como ya se ha apuntado, es difícil de conseguir; hay un serial muy bueno disponible en Cinefagia y una reseña con filmografía completa en Más de 100 años de cine mexicano, pero fuera de eso todo escasea, ojalá que alguien se de a la tarea de rescatar con un estudio en forma la carrera y obra de este artista, quien junto a Juan López Moctezuma forma la dupla más destacada de realizadores de cine de horror en México.

Aquí la escalofriante secuencia inical de Hasta el viento tiene miedo.

Hasta el viento tiene miedo. México, 1967
Dirección: Carlos Enrique Taboada
Producción: Jesús Grovas
Guión: Carlos Enrique Taboada
Fotografía: Agustín Jiménez
Escenografía: Javier Torres Torija
Maquillaje: María del Castillo
Edición: José W. Bustos
Sonido: Eduardo Arjona, Galdino Samperio y James L. Fields
Intérpretes: Marga López; Maricruz Olivier; Alicia Bonet, Norma Lazareno

Un trailer casero de El libro de piedra encontrado en Youtube

El libro de piedra. México, 1968
Dirección: Carlos Enrique Taboada
Producción: Adolfo Grovas
Guión: Carlos Enrique Taboada
Fotografía: Ignacio Torres
Maquillaje: Sara Mateos
Edición: Carlos Savage
Efectos Especiales: Ricardo Sáinz
Sonido: Javier Mateos y Salvador Topete
Intérpretes: Marga López, Joaquín Cordero; Norma Lazareno; Aldo Monti; Lucy Buj; Jorge Pablo Carrillo

Más negro que la noche. México, 1974
Dirección: Carlos Enrique Taboada
Producción:
Guión: Carlos Enrique Taboada
Fotografía: Daniel López
Edición: Carlos Savage
Sonido: Manuel Topete
Intérpretes: Claudia Islas; Susana Dosamantes; Helena Rojo; Lucía Méndez

La pequeña Ana Patricia Rojo desbordando su fantasía en Veneno para las hadas.

Veneno para las hadas. México, 1984
Dirección: Carlos Enrique Taboada
Producción: Héctor López
Guión: Carlos Enrique Taboada
Fotografía: Guadalupe "Lupe" García
Maquillaje: Magdalena Eirs Anda
Edición: Carlos Savage
Sonido: Efrén Marín Rojas
Intérpretes: Ana Patricia Rojo; Elsa María Gutiérrez; Leonor Llausás; Carmela Stein;

La nave de los monstruos

2007-10-15T22:36:00.000-05:00

Mucho tiempo antes que HAL 9000 perdiera la razón y persiguiera a muerte a sus tripulantes; mucho antes que R2D2 entregara el mensaje que desataría la rebelión contra el Imperio; mucho mucho antes de que el agente Deckard se viera en líos para retirar a los androides replicantes de la tierra, mucho antes que eso, un robot entonó canciones rancheras. He mencionado antes el cruce desvergonzado de géneros que en México se uso en afán de la taquilla, así como de la creación del monstruo campirano como aportación del país a la ficción universal, pues bien, La nave de los monstruos es un ejemplo fehaciente de esas afirmaciones y ha sido seleccionada a manera de paréntesis dentro del ciclo de comentarios de cintas de horror nacionales como muestra del mencionado cruce, sobre todo porque en México es poco conocida, en tanto que en el extranjero casi alcanza la categoría de culto. Absolutamente psicotrónica, la trama ya de entrada es de un absurdo antológico: en Venus los hombres se han extinguido, de manera que es menester conseguir varones a fin de que la raza no desaparezca, tal misión se encomienda a Gamma (Ana Bertha Lepe) y Beta (Lorena Velázquez, de quien no me explico por qué nunca dejaron que conquistara el mundo), quienes colectan a 4 seres de diversos planetas, se supone los ejemplares más hermosos de cada uno, pero el gusto de las muchachas se nota bastante errático, pues reclutan a un enano con el cerebro de fuera, una obesa araña de pata retractil, un cíclope orejón y escamoso y el esqueleto (no rumbero) de algún galgo bípedo. A media misión la nave se estropea, por lo que las muchachas deben aterrizar en la tierra, planeta que al parecer no estaba incluido en la recolección pese a que los habitantes de este son muy similares a las venusinas (con lo cual la sospecha de que andaban muy erradas adquiere peso). Mientras el robot Tor hace los arreglos a la nave, las exploradoras bajan a ver que tal el ambiente terrestre y se encuentran con Laureano (Piporro), ranchero cantarín, hablador y enamorado que ni tardo ni perezoso les explica (canción de por medio) qué es el amor, sentimiento desconocido por las venusinas, con lo cual desata un triángulo pasional que pone en peligro a la tierra. De pronto Beta muestra su secreto, es una vampira. Gamma se ve forzada a detenerla y la malévola chupasangre escapa con el cinturón de poder, una especie de radio de transistores que según se dice, posee un poder terrible. Libera a los monstruos y les encomienda tareas específicas para consumar su plan de conquistar el mundo y que los vampiros reinen el universo (nunca dicen hasta esa fecha cuantos planetas llevaban anotados en su score), sin embargo, los casi invencibles hombres (o monstruos o lo que sean) del espacio con lo único que consiguen acabar es con la vaca de Laureano. Finalmente (el como no importa, de cualquier manera no tiene coherencia) Laureano, su pequeño hermano, el robot Tor y Gamma se enfrentan a los malos, a los cuales vencen con suma facilidad, pese a que como decía antes, se habían señalado como casi invencibles. Gamma se comunica con la jefa de las venusinas y le informa que no volverá, pues ha encontrado en Laureano el amor, pero les envía a Tor para que les explique de qué se trata eso. Tor en tanto emprende el viaje de regreso a Venus acompañado de la rockola de Laureano, a la que abraza amorosamente para entonarle una canción.

Hay que señalar que esta película se debe ver con el sentido del humor dispuesto, de lo contrario se puede sufrir un severo coraje. La irresponsable trama, la incoherencia narrativa, las muy malas actuaciones y la ausencia de ritmo pueden generar fuertes quejas y por el contrario, un visionado comprensivo nos da luces del punto que tratamos y permite pasar un buen rato. Rogelio A. González es uno de esos casos de directores completamente disparejos; dirigió bodrios como Chanoc (1967), El sexo sentido (1981) y Escuela de rateros (1958) lo mismo que cintas brillantes como El esqueleto de la señora Morales (1960) y Escuela de vagabundos (1955), por lo que no se puede pensar que La nave de los monstruos haya sido deliberadamente malecha. El maestro Eulalio González, Piporro, salva la película con algunas frases ingeniosas y un monólogo desternillante que cuenta en la cantina, pero incluso su actuación se ve fuera de ritmo, pareciera que ninguno de los involucrados leyó el guión previamente. El resto de la comedia lo brindan las fallas técnicas, que incluyen un cambio de ropa en Gamma entre un encuadre y el siguiente, una completa visión del arnés que eleva a Piporro en un momento donde se supone que vuela y una vista de la tierra desde el espacio exterior… con todo y división política y líneas ecuatoriales. A diferencia de El Barón del terror o El vampiro sangriento, no se nota aquí un respeto por el trabajo ni un interés de hacer una decente película palomera. La nave de los monstruos se estrenó en 1960, cuando ya la industria del cine mexicano se encontraba en decadencia y en lugar de apostar por las ideas, los productores se inclinaron a reciclar lo peor del cine B y las comedias insulsas con monstruos de Abbott y Costello, usando para ello a una caterva de comediantes mexicanos decadentes, como el Loco Valdés, Clavillazo, Resortes o el propio Tin Tán ya en el franco declive de su carrera. La comedia en México atravesó entonces una etapa terrible que no ha podido regenerarse y de paso se llevó al cine fantástico, que después de eso ya no pudo si no ser visto como una vacilada para entretener a los niños. En USA la cinta fue rescatada a finales de los 80 y ya ha sido lanzada en DVD. Genera en aquellos rumbos, al igual que en algunos países de Europa, una devoción por parte de los devoradores de cintas extrañas y amantes de lo psicotrónico, quienes la valoran precisamente por su incuantificable número de errores. Por mi parte, considero que se trata de un intento fallido de chispazos geniales, todos ellos merced a la alta calidad de Piporro y Lorena Velázquez. Por eso y en nombre de lo bizarro, vale la pena verla.

Aquí les dejo uno de los enfrentamientos del valeroso Piporro vs los extraterrestres, en You Tube pueden encontrar otros ejemplos de la película

La nave de los monstruos. México, 1960

Director: Rogelio A. González
Producción: Jesús Sotomayor Martínez

Guión: José María Fernández Unsáin, Alfredo Varela

Fotografía: Raúl Martínez Solares

Edición: Carlos Savage

Efectos especiales: Juan Muñoz Ravelo

Maquillaje: Rosa Guerrero

Con: Eulalio González Piporro; Ana Bertha Lepe; Lorena Velázquez;

Y los monstruos de las galaxias: Uk; Uttir; Tagual; Tor y Zok

El vampiro sangriento

2007-10-08T23:08:00.000-05:00

Dentro de las aportaciones del cine mexicano al mito de los vampiros hay que destacar la del monstruo campirano, explotada en un montón de cintas en las que estos seres, acompañados de otros provenientes de las más recónditas fuerzas del mal, eran un mero vehículo para comedias de pésima factura. Sin embargo, hay otra aportación, mucho menos conocida pero sin duda de mayor valía en la búsqueda de la destrucción de dichos muertos vivos y el director Miguel Morayta la describió en su cinta de 1962 El vampiro sangriento.
La historia comienza con lentísimo ralentí en el que vemos un carruaje tirado por briosos caballos y guiado por la mismísima muerte, en él viaja el conde Frankenhausen (Carlos Agostí), quien reclama mayor velocidad al cochero pues hay que llegar al destino antes que termine la luna llena… aún y cuando vemos que la acción transcurre a plena luz del día.
Más adelante pasamos a otra secuencia en la que el profesor Bálsamo de Cagliostro (no es broma, así se llama y es interpretado con toda seriedad por Antonio Raxel) ofrece una cátedra a su hija; futuro yerno; Gestas, el mayordomo y algunos invitados más, acerca del mundo vampírico. Gracias a los avanzados conocimientos del profesor nos enteramos que el vampirismo es una enfermedad; que existen dos tipos de vampiros, los vivos y los muertos, los vivos contagian y los muertos no hacen nada (…) y que de hecho sólo hay una familia de estos seres descendientes de la casta de los Frankenhausen, a los que la familia Cagliostro se ha dedicado a buscar y exterminar desde el siglo XII de nuestra era. En posterior y última clase -pues al día siguiente partiría el profesor a un misterioso y largo viaje-, continuamos aprendiendo acerca de estos seres y como curar su enfermedad con la revelación de la aportación que mencionaba líneas arriba: los vampiros se convierten en tales seres porque al serles absorbida la sangre en una mordedura, el rojo líquido se ve sustituido por una sustancia llamada “vampirina”, la cual los pone en tan deplorable estado. Por fortuna, don Bálsamo ha encontrado la cura para el vampirismo (aunque no menciona si pasado el tratamiento el paciente vuelve a la vida o sólo pierde sus viciosos apetitos), que radica nada menos que en el ácido bórico, el cual se debe suministrar por medio de una compleja máquina directamente al corazón del enfermo (¿no es ácido bórico lo que se usa para fabricar los gises contra cucarachas?).
En tanto, la condesa Frankenhausen sufre de ataques constantes y comienza a ser tratada furtivamente por Ricardo, el joven prometido de la señorita Cagliostro. La muchacha, de nombre Ana, posee una gran curiosidad científica y alma aventurera, merced a la cual se decide a hacerse pasar por huérfana e ir a servir como doncella de la condesa. Tan pronto llega la joven a la casona del conde, este queda prendado de ella y se dedica a acosarla y pedirle que sea su nueva esposa, sin embargo, las pruebas de que Frankenhausen pertenezca a la familia de los vampiros no se presentan e incluso Ricardo comienza a dudar de esa idea, hasta que el propio conde descubre la verdadera identidad de la doncella y desata su ira abandonando su finca para irse a la Laguna de la Muerte, donde tiene su otra guarida y permanece escondida la primogénita de los condes.
Ricardo y Gestas parten tras el vampiro y para rescatar a la heredera Cagliostro y se enfrentan al conde convertido en murciélago, hasta que el fuego envuelve todo y el monstruo huye.
Al día siguiente, el profesor Bálsamo ha regresado, suponemos que ha sido puesto al tanto de todo, pues cierra con esta frase inmortal: ya ha pasado todo, ¡menos el peligro que amenaza a la humanidad!
Morayta, desigual cineasta cuyo máxima obra es la deliciosamente perversa Hipócrita (1949) aprovechó la inspiración para crear un dípitico muy poco conocido pero bastante interesante acerca del mundo de los vampiros, que arranca con la película aquí comentada y concluiría al siguiente año -a pesar que fueron rodadas simultáneamente- con la secuela La invasión de los vampiros, gracias a la cual entendemos la razón porqué El vampiro sangriento tiene un final sombrío en el que el bien no resultó triunfador, lo cual era una idea casi impensable para el cine mexicano de ese tiempo, salvo, claro está, en el melodrama cabaretero.
El resultado puede ser tan cuestionable como gozoso de acuerdo con los gustos del espectador, no se puede negar por parte del director una clara intención para contar seriamente una historia gótica, como tampoco se puede negar la inocencia de la retórica pretendidamente poética en los diálogos de los personajes y la baja calidad de los efectos especiales –creo que en los estudios Churubusco Azteca sólo tenían en utilería un murciélago como de un metro de largo, con cara y orejas de conejo que es el mismo usado en esta y muchas otras cintas de vampiros y monstruos en general-, aunque hay que mencionar que el maquillaje si está muy bien realizado y en ocasiones, como en la escena donde vemos cruelmente mutilado a Lázaro, uno de los sirvientes del conde, resulta bastante efectivo e inquietante. Por cierto, otro de los aciertos de la cinta son las buenas actuaciones de algunos personajes, como el mencionado Lázaro, interpretado brillantemente por Enrique Lucero y la frau Hildegarda, tremenda dominatrix victoriana y mano derecha del vampiro, encarnada por Bertha Moss.
Hasta donde pude encontrar, esta película se encuentra en DVD (edición hecha en USA, obviamente) en los sitios de costumbre vía Internet y en eMule se puede descargar una versión grabada directamente de la televisión, seguramente en uno de los maratones de horror que de cuando en cuando presenta el canal de cable De Película.
Aquí una escena donde vemos en plena acción al temible conde Frankenhausen.

El vampiro sangriento. México, 1962
Dirección: Miguel Morayta historia y guión:Fotografía: Raúl Martínez SolaresMúsica: Luis Hernández BretónEdición: Gloria SchoemannDirección de arte: Manuel FontanalsMaquillaje: Armando MeyerProtagonizan: Carlos Agosti (Conde Siegfried von Frankenhausen); Erna Martha Bauman (Condesa Eugenia Frankenhausen); Raúl Farell (Dr. Ricardo Pizarro); Begoña Palacios (Anna Cagliostro); Bertha Moss (Frau Hildegarda); Francisco A. Córdova (Gestas); Enrique Lucero (Lázaro); Antonio Raxel (Profesor Bálsamo de Cagliostro).

El Barón del terror

2007-10-02T10:11:00.000-05:00

Con toda seguridad, la gente recuerda a Abel Salazar principalmente por su rol como el taciturno y pesimista pero muy machito José Luis García en la saga de Los Tres García, una de las más taquilleras de Pedro Infante. Los méritos propios de Salazar, sin embargo, son incluso superiores a los del multimencionado ídolo de Guamuchil y su carrera, hablando de la parte interna de la industria del cine mexicano, mucho más sólida.
Si bien la trayectoria de Salazar como productor, director, actor y escritor se inclinó abiertamente hacia el melodrama y la comedia, gracias a su casa productora, ABSA, se realizaron buena parte de las mejores cintas de horror y fantástico que ha dado nuestra cinematografía, así como la que quizá se pueda considerar como la joya de la corona de lo bizarro mexicano: El Barón del terror.
El Barón del terror (Brainiac, como es conocida internacionalmente) resulta un caso aparte dentro de las producciones de ABSA, que si bien se dirigía al entretenimiento por la vía sencilla, siempre mantenía un cuidado particular en películas que en otros latitudes se hubieran clasificado como de serie B, baste recordar la solidez general como obra cinematográfica que representa El Vampiro, primera incursión de la productora en el género y que casi desde su estreno se ganó un lugar importante en la historia del cine mexicano. El Barón, sin embargo, es un producto delirante por completo, la trama, las actuaciones, los efectos especiales y en particular la representación del monstruo parecen estar hechos por una mente genial y retorcida. Poco más o menos, la historia es la siguiente:
En 1611, el Barón y alquimista loco Vitelius de Astara (de origen desconocido y jamás confesado, según el tipo que lee su currícula) es condenado por el terrible tribunal de la Inquisición a morir en la hoguera por una cadena de delitos que van de la herejía, hechicería y nigromancia hasta la seducción de féminas casadas y solteras. Antes de ser encendido cual cerillo, el Barón lanza una maldición sobre los descendientes de aquellos que lo mandaron a la pira y jura regresar dentro de 300 años, junto con un extraño cometa que en ese momento surca el cielo, para cobrar su venganza.
Ya en 1961, el Barón regresa a la tierra convertido en un monstruo barbado, manos con dos ventosas, de bifurcada lengua siempre colgante y una extraña manera de respirar que hace que toda la cara se le contraiga a cada resuello. Aún más, cuando el Barón se encuentra en su forma humana se alimenta de cerebros humanos que de alguna manera secreta se mantienen frescos a pesar de ser almacenados en gruesos baúles de madera. Ya instalado en un viejo castillo, Vitelius se da a la tarea de ubicar a los sucesores de aquellos que lo condenaron, mismos que por mera casualidad viven relativamente cerca uno de otro y frecuentan el mismo círculo de amigos.
El resto son detalles que dan sabor a la historia, una pareja de jóvenes enamorados bajo la tutela de un astrónomo renombrado, un par de detectives no muy brillantes y Mauricio Garcés como el atribulado forense que no puede explicar los crímenes que se le presentan al paso de los días. Cada acción se presenta de una manera que no se puede concebir como real aún en términos de la realidad interna de la ficción y sin embargo, no se puede decir que la dirección de Chano Urueta sea incorrecta, hay un buen manejo de los recursos cinematográficos en general y es notable la intención de realizar un trabajo a todas luces increíble. Este punto puede deberse a una intención para comercializar la película en el extranjero, dado que en México la crítica hacia el cine fantástico siempre fue devastadora en tanto que en el extranjero se vendían bien y de hecho fue en otros países que esta y otras cintas de género mexicanas se han convertido en objetos de culto, lo cual a su vez puede ser explicado por el respeto que se ve en gran parte de las cintas de horror y fantásticas mexicanas, es decir, hasta la más humilde caja de cartón pintada con pintura metálica para simular una compleja máquina científica o la más burda retroproyección, se notan trabajadas con la convicción de que eso va a convencer al espectador.
Los derechos de la película fueron adquiridos por el legendario K. Gordon Murray y por ende fue doblada al inglés, que se convirtió en la única manera de poder ser adquirida por los coleccionistas durante muchos años, hasta que recientemente ha sido re lanzada en DVD con el audio original en español remasterizado e incluso ha conseguido espacio en la televisión abierta, a mediados de años fue programada en sesión vespertina en un canal de la televisora mexicana Televisa, lo cual se puede considerar como un pequeño acto de justicia para esta obra.
El Barón del terror se puede conseguir en DVD en las páginas de costumbre, fue editada por Casa Negra Entertainment en un set que contiene incluso un juego de lotería de monstruos del cine mexicano. También se encuentra una versión bastante buena en eMule.

El Barón del terror. México, 1962
Dirección: Chano Urueta
Producción: Abel Salazar
Guión: Federico Curiel, Antonio Orellana y Alfredo Torres Portillo
Fotografía: José Ortiz Ramos
Edición: Alfredo Rosas Priego
Diseño de producción: Javier Torres Torija
Efectos especiales: Juan Muñoz Ravelo

Inland Empire

2007-06-18T22:48:00.000-05:00

Siempre que se estrena una nueva película suya me pregunto ¿Qué es lo que pretende David Lynch?, ¿hacia donde se dirige su obra?, o mejor aún, ¿hay alguna dirección en su obra? No lo se, y lo peor es no dejo de maravillarme con cada nuevo fragmento de una de las creaciones personales más impactantes que ha dado el cine en su historia.
Recuerdo que hace años leí en un artículo que Lynch trabajaba sobre universos paralelos que se encuentran tangencial aunque muy periódicamente en cada una de sus cintas. La idea me gustó, era lo suficientemente buena para dejar de volverme loco tratando de descifrar Twin Peaks (1992). Sin embargo, ahora pienso que ese es más bien un concepto incompleto para tranquilizarnos luego del ataque neuronal que nos arroja con cada película este críptico director; finalmente opté por la interpretación múltiple de cada una de sus películas, incluso con Una historia sencilla (The straight story, 1999), sumamente bizarra, no por sí misma, sino porque al tratarse de una historia digamos convencional, se convierte en una extraña paradoja dentro de la filmografía Lynchniana.
El asunto es que el anuncio de El Imperio (Inland Empire, 2006), su más reciente película, generó de inmediato expectativas entre sus múltiples fans, que no conformes con varios años sin acabar de entender Mulholland Drive, (2001) todavía pedíamos a gritos un nuevo rompecabezas, nadie sabía de que trataba y la confusión fue mayor cuando en una entrevista declaraba que cuando los productores le preguntaron en qué estado se encontraba en el rodaje, contestó: “Les dije dos cosas: estoy rodando en video digital y no sé lo que estoy haciendo”. Caray. ¿Cómo puede reaccionar uno ante eso?
Tratar de explicar de que trata Inland Empire sería caer en la trampa colocada por el director, llegar al convencionalismo de alegar que toda película debe contar una historia que por muy distorsionada que se presente, terminará siendo lineal en su desarrollo, simplemente porque no se puede contar una historia de otra manera. Buscar hacer eso es lo que puede inducir a la locura… o tal vez lo que pretendía Lynch era exactamente lo contrario, que saliera algún despistado que escribiera: “Tratar de explicar de que trata Inland Empire sería caer en la trampa colocada…”, porque finalmente, en un código que sólo él puede descifrar, la cinta mantiene una coherencia lineal en su forma.
Por lo menos, ni en la Cineteca Nacional, actualmente manejada por señorones de la crítica y realización cinematográfica, quisieron entrarle al toro de explicarla y la sinopsis con que la acompañan para anunciar la participación de esta cinta en el Foro de este año es así de elocuente: En una película de Hollywood, cuyo guión se rumora que está hechizado, Nikki Grace y Susan Blue son actriz y personaje que, poco a poco, y a la manera abstracta del realizador David Lynch, intercambiarán papeles en un universo lleno de fragmentos y transfiguraciones.

¿Así o más ambiguo?
Por lo menos sabemos algunas cosas:
a). Que en Inland Empire regresa Laura Dern a colaborar con Lynch para entregarnos un personaje tan fabuloso como los que interpretó en otras obras del maestro, como Terciopelo azul (Blue velvet, 1986) y Salvaje de Corazón (Wild at Heart, 1990), con la diferencia que aquí, el proceso seguido por la(s) mujer(es) a quien(es) da vida es por mucho más complejo.
b). Que en esta ocasión, el propio Lynch manifestó la anarquía mental con la cual concibió la película, rodando secuencias y escenas sin conexión aparente y sin guión de por medio, improvisando a la mejor manera del free jazz.
c). Que hay algunos que dicen que existe una cierta continuidad entre Mulholland Drive e Inland Empire; no se, eso dicen y que cada quien saque sus propias conclusiones.
d). Que las tres horas que dura la película, serán una experiencia permanente para cada espectador, para bien, para mal, o para ambas cosas juntas.
e). Que Lynch es Lynch y finalmente a muchos con eso nos basta.

Es probable que Inland Empire no llegue a tener una corrida comercial, tanto como que quizá la única posibilidad de verla en el cine será en la proyección que habrá en San Luis Potosí en el Foro de la Cineteca, que entre junio y julio se presentará en el Cine Teatro Alameda.

Por supuesto, también se puede conseguir por medio de Emule (subtitulada en español) y no dudo que en breve la van a lanzar en dvd en México.

Aquí pueden ver el trailer en español

¿Sangre nueva para el viejo horror mexicano?

2007-04-05T00:27:00.000-05:00

La historia del cine fantástico en México es errática, plagada de prejuicios e infravalorada, por ello es complicado trazar un mapa para entender la trascendencia de las películas de este género dentro de la historia de nuestra cinematografía, la cual, avergonzada de sí misma, se niega a reconocer que lo que la mantuvo a flote durante largos años fue la realización de cintas de género y no los dramones intelectualoides eternamente auspiciados por IMCINE.
Quisiera decir que dentro de las ramas del cine fantástico, el de horror juega un lugar importante dentro de la producción nacional; sin embargo, la realidad es que desde sus inicios, la trasgresión de los géneros ha marcado al cine mexicano para reconvertirlos sin que ello implique el reconstruirlos; por el contrario, representa al sincretismo y aprovechamiento de las circunstancias como vías únicas para narrar una historia en la pantalla.
Temprano en los años 30 del siglo pasado se comenzó a explorar el horror en México a través de tres películas, La Llorona, de Ramón Peón; Dos Monjes, de Juan Bustillo Oro y El Fantasma del Convento, de Fernando de Fuentes, que trajeron consigo buenos augurios, pues las tres resultaron de excelente manufactura y si bien en la filmografía de los dos últimos directores se trató más bien de exploraciones (Peón, de origen cubano, continuó con una prolífica trayectoria dentro del cine fantástico en nuestro país), significaron las torcidas raíces del horror a la mexicana.
Escondido, como no queriendo hacerse notar, el horror siguió haciéndose presente en la cinematografía nacional, aunque con pocas y muy disímbolas cintas, como El baúl macabro (1936), de Miguel Zacarías; La Mujer Sin Cabeza (1944), de René Cardona; Memorias de una vampiresa (1945), del mencionado Peón o esa rareza ‘freak’ que es La rebelión de los fantasmas (1949), de Adolfo Fernández Bustamante.
En 1956 aparecerían dos películas que marcaron, entonces si, el enorme (y para muchos incomprensible) abanico del horror patrio. El serial El Jinete Sin Cabeza, dirgido por Chano Urueta con Luis Aguilar y Flor Silvestre en los protagónicos, combina elementos fantásticos con el cine campirano y todas sus características: canciones, drama, romance y comedia. En tanto, Fernando Méndez abre otra llave con Ladrón de cadáveres, en la que el entonces naciente cine de luchadores se emparenta definitivamente con monstruos y todo lo vinculado a lo sobrenatural.
A partir de películas como estas, la seriedad dejó de ser una característica de nuestro cine fantástico, en particular del horror, donde se llevó de lo delirante (La Momia Azteca Contra el Robot Humano, Rafael Portillo, 1958) a lo verdaderamente impúdico (¡Échenme al vampiro!, Alfredo B. Crevenna, 1963). En 1957, el actor Abel Salazar dio un giro a su compañía productora, ABSA, para financiar El Vampiro, también dirigida por Fernando Méndez, una muy lograda cinta de vampiros rurales con la cual se inicia el único ciclo formal de cine de horror mexicano, merced al amplio catálogo de películas realizadas por la productora de Salazar, mismas que provocaron asombro y generaron culto en Europa, en tanto que en nuestro país provocaron pena ajena a autoridades y críticos, muy a pesar de que, de acuerdo a lo que afirma Pete Tombs, en su libro Mondo Macabro: “Los nueve años entre 1957 y 1966 fueron los mejores del cine fantástico mexicano, y en 1961 casi una de cada cinco películas producidas tenía una orientación fantástica.”
Para los años setenta la producción de horror baja de manera considerable y sobresale entonces la figura de Juan López Moctezuma, como realizador de verdaderas joyas de terror con una carrera iniciada en 1973 con La Mansión del terror -historia basada en un relato de Edgar Allan Poe- y que alcanza su clímax con la mítica Alucarda, la hija de las tinieblas, de 1978. La carrera de López Moctezuma no fue nutrida en cuanto a número, pues desafortunadamente nunca contó con la venia del caciquil Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC) y al no poder integrarse como director, su obra fue restringida, aunque también, al contar con versiones dobladas al inglés tuvo mayor alcance fuera del país.
Ya de los años 80 hacia acá, el nombre de horror se puede usar con todas sus acepciones a las películas del género en México, con ejemplos como Cementerio del terror (1985), de Rubén Galindo Jr. y Vacaciones de terror (1989), de René Cardona III, que verdaderamente causaban escalofríos, pero de lo malas que son. Habría que esperar hasta 1993 para que apareciera una película buena y la espera se colmó con creces.
Cronos, ópera prima de Guillermo del Toro, se convirtió en una de las mejores realizaciones en la historia de nuestro cine y la comprobación de que el género fantástico puede crear obras de arte; sin embargo, las condiciones para desarrollar la carrera del director no estaban dadas y desde su segunda producción trabaja paralelamente en Hollywood y España, exportando su enorme talento.
Pasando Cronos, el desierto del horror mexicano se volvió más seco y hubo solamente algunas producciones de videohome que trataron de rescatar el tema hasta este 2007, año en que al parecer se cierra un ciclo con el estreno de Kilómetro 31, primer largometraje de Rigoberto Castañeda donde se retoma al personaje de la Llorona, mezclada con leyendas urbanas y mucho del horror oriental actual para entregarnos una película con deficiencias en guión y actuaciones, pero hecha con excelente producción y sobre todo, muchas ganas y calidad en los efectos visuales; así, si La Llorona de Peón introdujo el horror a Mexico, esperemos que Kilómetro 31 marque la entrada del género a las grandes ligas nacionales y deje de ser estigmatizado por autoridades y crítica.
¿Y por qué no? Que venga una nueva era para el cine de terror en nuestro país.

300

2007-03-29T22:18:00.000-06:00

La adaptación de comics a la pantalla es actualmente una tendencia que ya forma parte inseparable de Hollywood, tanto por lo redituable de las realizaciones como por la comodidad de trabajar sobre una historia ya hecha ante la larga sequía de talento en los guionistas de la mal llamada meca del cine; así, cuando antes causaba expectativa saber como y cual sería la siguiente adaptación, hoy la curiosidad se centra en cual será más fiel o menos mala.
300 es, como todo mundo sabe ya, una adaptación a la novela gráfica del mismo nombre realizada por Frank Miller, cuyo nombre se hiciera famoso en el mundo del cine por la adaptación que hiciera de su obra Sin City el director Robert Rodríguez. En ella se narra de manera libre la guerra de las Termópilas, librada en el siglo IV A.C. entre varias naciones griegas contra del imperio persa, el ejército más grande de aquel tiempo (las cifras de los historiadores varían de 250 mil a 2 millones de guerreros en esa batalla). La historia nos dice que entre las fracciones de los griegos se reunían alrededor de 6 mil soldados; en el caso del comic de Miller y, en consecuencia, de la película, se prescinde de todas las naciones excepto de los espartanos, que eran apenas 300 (bueno, los soldados, entre comitiva y demás debieron haber llegado a los mil, pero también se recortó a estos últimos para mayor efecto dramático). En ese sentido, 300 re inventa la historia para dar mayor énfasis al coraje y valentía de los espartanos -algo de lo que se había encargado ya la historia- y convertirla en todo un homenaje a la testosterona en su estado más puro.
La historia ya había sido contada anteriormente tanto en comic como en el cine; el Dios de la historieta Alberto Breccia llevó a su personaje Mort Cinder a combatir en las Termópilas, con un apego más cercano a los hechos históricos, en tanto que en 1962 Rudolph Maté llevó al celuloide la historia en The 300 spartans, conocida en español como El león de Esparta, la cual no he visto, pero según consigna la Wikipedia, fue vista en su tiempo como un paralelismo entre los soviéticos (obviamente los persas) y el mundo occidental (adivinaron, los espartanos).
El cariz propagandista en una película es sin duda algo muy estúpido, a pesar de que su amañado uso nos haya brindado maravillas como Casablanca (Michael Curtiz, 1942), y en el caso de 300 ya más de 10 listillos han buscado en la cinta un mensaje pro belicista a favor de George Bush, lo cual me parece ridículo, pues si nos ponemos a pensar un poco, en todo caso los espartanos podrían ser los guerrilleros iraquies, que le están zumbando duro al ejército y nación más poderosa del mundo, de manera que en todo caso el terrorista Bush se podría comparar con el insolente rey persa.
Hablando ya de la película en si, hay que decir que es toda una experiencia, más allá de algunas deficiencias en el guión, el uso excesivo de la cámara lenta y los 300 machos muy machos comandados por un rey Leónidas más malencarado que Pedro Armendáriz, el director Zack Snyder consigue hacer una película inolvidable. Cuando ví el primer trailer de la película y leí las notas relacionadas, lo primero que pensé fue que ojalá el uso total de pantalla verde para luego crear los fondos, así como la manipulación de imágenes por computadora en toda la cinta no fuera a resultar en un defecto insalvable y afortunadamente no fue así, pues ambos recursos son muy bien aprovechados por el director, de quien no se podía esperar menos luego de su debut con la genial El despertar de los muertos (Dawn of the dead, 2004), con la cual reivindicó el sub género de los zombies; la adaptación resulta lo que el director pretendía, un comic cuyas viñetas cobraran movimiento, lo cual le quedó bastante bien.
Quien se ponga pesado podrá decir pestes en cuanto a cuestiones como vestuario, diseño de personajes, cuestiones históricas o la aparición de seres casi sobrenaturales –lo que es muy común en la obra de Miller, vale decir-, pero a fin de cuentas esta es una película de escape, que se debe disfrutar como un espectáculo cinematográfico y ya, sin rebuscarle a temas que no vienen al caso y solo perturban el disfrute, hay cintas para todo gusto y esta es para estimular la adrenalina y pasar un buen rato, cometido que cumple con creces, por tanto, ni me detendré a rebatir a quienes cuestionan la película ni me pondré a alabar sus virtudes estéticas y formales, algo ocioso y que en todo caso me gustaría hacer con ustedes. En cambio, sólo diré que esta es una película que definitivamente hay que ver.

Kilómetro 31

2007-03-08T23:52:00.000-06:00

Con la llegada de Kilómetro 31 renace el género de horror en la producción cinematográfica mexicana y al mismo tiempo parece cerrarse un ciclo.
En 1933, el cine de género nace en México con La Llorona, de Ramón Peón, un director cubano que vino a nuestro país a realizar una larga carrera dentro del género fantástico y, como no, del entrañable melodrama de la llamada “época de oro”. En su momento, Peón supo aprovechar las variadas versiones que corren en torno a la figura de La Llorona a lo largo de todo México para contar una historia en la que una serie variada de elementos se sincretizaban para crear una atmósfera particular a la necesidad de la historia, recurso que fue después explotado hasta sus límites a lo largo de nuestra cinematografía.
En este sentido, la historia del cine de horror local se ha visto más permeada de sentidos, sinsentidos y raíces locales que muchas cinematografías del mundo, baste recordar al Maestro Eulalio González “Piporro” combatiendo a punta de canciones a una serie de monstruos interestelares -hechos con base en cartón, claro- en La nave de los monstruos (Rogelio A. González, 1959); o más recientemente, ya en los años 80, con las afortunadamente breves copias de cintas slasher tipo Viernes 13 con Pedro Fernández, en aquel tiempo aún Pedrito, como protagonista.
Pues bien, esta tendencia sigue siendo patente hoy día. Kilómetro 31, ópera prima de Rigoberto Castañeda, narra la historia de Catalina y Ágata Hameran, hermanas gemelas que tienen un nexo telepático con el cual se comunican entre si. Una mala noche, en plena carretera hacia el Desierto de los Leones, Ágata atropella –o al menos eso cree- a un niño, lo que a su vez le provoca a ella ser arrollada y seriamente lastimada. Sin embargo, el accidente guarda un grave misterio, y a partir de ese momento, Catalina, apoyada en su novio y el novio de la hermana, tendrá que resolver un caso que involucra a la Llorona (cerrando el círculo que inició Peón), su hijo y una serie de accidentes mortales provocados por seres de ultratumba.
La premisa es buena, de hecho la idea de combinar una leyenda antigua con modernas leyendas urbanas es bastante atractiva, y la producción de la cinta no tiene desperdicio, hay una excelente calidad en todos los aspectos técnicos, léase iluminación, efectos especiales, locaciones, maquillajes, etcétera. La difusión, por su parte, también fue bastante buena, podríamos decir que al parejo de las películas hollywoodenses impulsadas por las grandes cadenas distribuidoras, con lo cual Kilómetro 31 tiene todo para ser el cañonazo de taquilla que ha resultado y lo merece con todas las de la ley.
No obstante, hay un grave problema, bueno, dos. Uno, las actuaciones son demasiado tibias y por ende, poco convincentes; en casi toda la película no logramos identificarnos con Catalina o alguno de los personajes secundarios, amén de que los espectros principales –un primo de Toshio, el de Ju On y la sobrina de Sadako, de Ringu, o algo así- tampoco se concretan como una amenaza específica.
El otro problema es el guión en sí mismo, pues si bien comentaba líneas arriba que hay una muy buena premisa, esta se pierde en líneas dramáticas que no conducen a ninguna parte y diálogos que de tan acartonados resultan casi risibles, como en la parte en que la anciana bruja cuenta la historia de la Llorona, con una construcción de frases absolutamente irreal para el lenguaje hablado que se supone debiera corresponder al personaje.
Dos peros, que en verdad son pocos comparados con las ganas que se notan en la película, sin afán de hacer concesiones y decir que todo va bien, creo que el trabajo del director y su equipo va por muy buen camino, ojalá que continúe de esta manera y que tenga la suficiente capacidad de autocrítica como para corregir los errores; poco es el cine de horror que se hace en México, démosle aliento para que vaya creciendo.

Tzameti 13

2007-02-27T13:39:00.000-06:00

La vida de Sebástien está a punto de cambiar radicalmente.
Fastidiado de su pobreza, aprovecha la muerte del junkie a quien reparaba el techo de la casa para tomar su lugar en una misteriosa invitación de la cual Sebástien solo sabe que suplantar difunto le traerá una jugosa ganancia económica. Total, ¿Qué puede ser tan malo en llenarse de dinero?
Pues es tan malo como uno no deseara pensar, en un solo día el joven albañil descenderá a los infiernos para perder la inocencia de una manera espeluznante que no puedo contar sin soltar un spoiler que echaría a perder el encanto de la película. Es mejor verla, disfrutar la sórdida belleza de la realización o bien, horrorizarse de la vida y pensar en cómo se pueden hacer películas como esta.
Tzameti 13 es la ópera prima de Géla Babluani, francés de origen georgiano que, dado su lugar de nacimiento, conoció la violencia muy de cerca, razón por la cual su padre, también director de cine, decidió afincarse en Francia.
Años después, a sus 26 años, para ser exactos, Géla se estrena con un impresionante estudio sobre la violencia, realizado tan finamente que cuesta trabajo creer que es una primera película. El mismo director ha comentado que para hacer su cine se ha nutrido de viejas películas rusas y, seguramente, del cine negro de Melville.
Filmada en blanco y negro, la cinta es elegantemente minimalista. A partir de recursos muy breves y concretos –apenas un puñado de personajes; tres o cuatro locaciones, una anécdota simple- el director profundiza en lo absurdo de la violencia y la manera en que fácilmente se convierte en un mero entretenimiento para los menos escrupulosos y una opción extrema para los desesperados por librarse de la miseria económica. Si, es cierto, en momentos es una película predecible, pero ese detalle es también el que al final nos conduce a la reflexión. Definitivamente hay que verla para entenderlo… y para quedar unos días traumados cuando se encienda un foco.
Traducida con el título de Calle Tzameti 13, esta se proyectará en San Luis Potosí en la Muestra internacional de Cine el 27 de febrero, se consigue en DVD en los sitios web acostumbrados y se puede descargar con subtítulos en español del eMule.

El Camino a Guantánamo

2007-02-15T22:18:00.000-06:00

Camino a Guantánamo aborda la odisea de cuatro ingleses de ascendencia árabe que se ven envueltos en la paranoica persecución norteamericana de terroristas de la peor manera posible. A medio camino entre la ficción y el documental, el film relata el viaje que el grupo realizó en 2001 desde Tipton, Inglaterra, a Pakistán para asistir a una boda. Por alguna razón no determinada, los jóvenes hacen escala de su viaje en Afganistán poco después del ataque a las Torres Gemelas y esa decisión inocente los conduce al infierno de la guerra y el encarcelamiento en la infame base militar estadounidense de Guantánamo, acusados de terrorismo. Allí son sometidos durante casi dos años a todo tipo de torturas físicas y psicológicas, suspendidos todos sus derechos humanos, y continuamente presionados para firmar declaraciones falsas.
La institucionalización de la violencia parece ser a la fecha la acción más notable de los países “avanzados” en este nuevo orden mundial. Si bien durante la Guerra Fría el miedo ya resultaba el arma más efectiva para controlar al planeta, a raíz de la caída del muro de Berlín el caos imperante hubo de ser controlado de la única manera que a la irracionalidad de las naciones poderosas -principalmente USA- les pareció rápida y barata: legalizar el uso de la violencia.
Camino a Guantánamo narra una de las historias que confirman el sistemático abuso a los derechos humanos cometido por el gobierno estadounidense para con sus prisioneros, sobre todo tras los sospechosos ataques a las Torres Gemelas en septiembre de 2001, hecho que le sirvió de pretexto para iniciar una sangrienta venganza disfrazada de “lucha contra el terrorismo”, que si bien debe ser erradicado, la manera de hacerlo evidentemente no es siendo igual de brutales que quienes lo practican. Importante por el hecho de mostrar una historia real a manera de docu-drama, así como por haber sido estrenada en medio de la polémica ley de Bush que legaliza la tortura como método de interrogación, la película se convierte en un instrumento para no olvidar que debemos tener cuidado antes de deshumanizarnos por completo y permitir que situaciones como las que se narran continúen sucediendo; sin embargo, si vemos el filme estrictamente desde el punto de vista cinematográfico… pues no encontramos un buen resultado.
El punto es que finalmente el filme es bastante ambiguo: si bien se muestra de una manera desgarrada la historia de los jóvenes que padecieron injustamente el encierro en la siniestra prisión, al final no vemos una postura clara por parte de los directores, aunque esto puede ser resultado del confuso montaje. En ese orden de ideas, habrá quien me eche en cara que la idea de un documental es presentar los hechos de manera objetiva, mas si así fuera, ¿por qué recrear prácticamente toda la historia?, ¿Cuál es el sentido de abordar las complicaciones del docu-drama si no se presenta una postura definida?.Michael Winterbottom -quien co-dirige con Michael Whitecross-, es un director consentido en festivales como la Berlinale, quizá porque su obra es difícil de clasificar al no seguir una línea continua; salta de temática en temática siempre arriesgando, aunque no siempre acertando (no olvidar la pesada 9 songs). En esta ocasión, regresa a la adaptación de hechos verídicos como antes hiciera con (esta si muy acertada) Bienvenidos a Sarajevo; la diferencia entre ambas estriba precisamente en la búsqueda del director por nuevas maneras de narrar historias, en el caso de El Camino… la intención de hacer algo vanguardista conduce a la confusión, y aunque finalmente entendemos el grueso de la historia, los cabos que quedan sueltos no son pocos. La actitud tranquila y sin rencores de los protagonistas de la historia, que aparecen de tanto en tanto a cámara para ofrecer su testimonio, es algo que provoca escalofríos, por ello desconcierta la, al menos en apariencia, ausencia de postura de los directores, vale la pena verla, como decía líneas arriba, aunque con el resto del comentario yo mismo parezca apuntar lo contrario. ¿Ven a qué me refiero con lo confuso de la película?.

Esta cinta pasará en San Luis Potosí como parte de la XLVIII Muestra Internacional de Cine el 17 de febrero, pero ya se consigue en DVD (otro hecho notable de la película es que al mismo tiempo se estreno en cine, televisión, DVD e internet) y por supuesto, en eMule y U Torrent.